Ästhetische Werte und Kunst. Ästhetische Werte und ihre Rolle im menschlichen Leben

ÄSTHETISCHER WERT - ein Begriff zur Bezeichnung eines Gegenstandes ästhetischer Haltung in seiner positiven Bedeutung. Der Unterschied zwischen den Konzepten des ästhetischen Werts liegt darin, wie seine Quelle, Grundlage und sein Wesen verstanden werden. Dies ist entweder Gott (Thomas von Aquin, Neo-Thomismus), eine Idee (Platon, Hegel), menschliche Gefühle (D. Santayana, D. Dewey), „das Unwirkliche“ (N. Hartmann), Naturgesetz (E. Burke, W. Hogarth), das anthropologisch verstandene Wesen des Menschen (D. Feuerbach) oder im Prozess der sozialgeschichtlichen Praxis geformte soziale Beziehungen.

Der ästhetische Wert hat in zweierlei Hinsicht Objektivität: Erstens repräsentiert er einige Objekte, Dinge, Phänomene mit bestimmten Eigenschaften, zweitens hat er eine bestimmte objektive Bedeutung für den Einzelnen und die Gesellschaft. Die Entwicklung des ästhetischen Wertes erfolgt im Bewertungsprozess, der in das ästhetische Erlebnis, den Geschmack, das Ideal einbezogen wird. Die Übereinstimmung einer ästhetischen Bewertung mit einem ästhetischen Wert bestimmt die Wahrheit des ästhetischen Urteils. Ästhetische Werte können in verschiedenen Arten menschlichen Handelns geschaffen werden, da sich in ihnen Kreativität „auch nach den Gesetzen der Schönheit“ (K. Marx) manifestiert. Eine besondere Art von ästhetischem Wert ist der künstlerische Wert.

Der ästhetische Wert ist mit anderen materiellen und spirituellen Werten verbunden. Seine Besonderheit manifestiert sich in den Besonderheiten der Struktur und des Inhalts des ästhetischen Wertes, der sich mit materiellen und praktischen Werten „überschneidet“, soweit diese die Bedürfnisse des Einzelnen und der Gesellschaft vereinen und höchste Zweckmäßigkeit zum Ausdruck bringen. Auf dieser Grundlage erfolgt eine Durchdringung ihres ästhetischen Wertes in hochwertige Produkte industrieller und künstlerischer Arbeit (Architektur, angewandte Kunst, Design). Gleichzeitig steht der ästhetische Wert im Gegensatz zu solchen Gebrauchswerten, die einen engen Konsumcharakter und eine egoistische Ausrichtung haben, da die ästhetische Haltung dadurch gekennzeichnet ist, dass es sich um den Bereich der höchsten Interessen des Einzelnen handelt und ist in diesem Sinne selbstlos. Im Gegensatz zu spirituellen Werten wie moralischen, gesellschaftspolitischen, kognitiven und religiösen Werten spielt die Form eine sehr wichtige Rolle im ästhetischen Wert. Die Bedeutung der Form wird durch die Besonderheiten ihres Inhalts bestimmt; ästhetischer Wert verkörpert viele verschiedene Bedeutungen: psychophysiologische Bedeutung für die menschlichen Sinne, Bedeutungen, die mit dem Wesen menschlicher Arbeit verbunden sind, mit verschiedenen sozialen Beziehungen; Bedeutungen für Erkenntnis, Selbsterkenntnis, für Bildung und Selbsterziehung, für Werteorientierung, für Kommunikation zwischen Menschen, als Anreiz für schöpferische Tätigkeit, für Vergnügen. Alle diese Bedeutungen werden zu einem einzigen Komplex zusammengefasst, der für jedes spezifische Phänomen einzigartig ist. Die einzigartigen Merkmale der Form eines Phänomens ermöglichen es, unnachahmliche, einzigartige Komplexe unterschiedlicher ästhetischer Bedeutung zu verbinden, zu vereinen und einzufangen. Das Wesen des ästhetischen Wertes ist die Bestätigung des Menschen in der Realität, die Manifestation der freien Entfaltung und Entwicklung der Freiheit des Menschen und der Gesellschaft. Laut F. Engels war „jeder Schritt vorwärts auf dem Weg der Kultur ein Schritt in Richtung Freiheit“, ästhetische Werte sind Meilensteine ​​auf diesem Weg.

Der ästhetische Wert hat seine eigene Spezifität und ist im Verhältnis zu anderen Werten nicht autonom. Auf der Grundlage seiner Gemeinsamkeit mit anderen spirituellen Werten entstehen ästhetisch-moralische, ästhetisch-politische, ästhetisch-kognitive Werte, wenn Humanismus, Zweckmäßigkeit und Freiheit, die jedem wahren Wert zugrunde liegen, ihren Ausdruck und ihre Verkörperung in einem konkreten Sinnlichen finden bilden. Ein Zweck der Kunst besteht darin, das ästhetische Prinzip in verschiedenen sozialen Beziehungen zu entdecken und moralische und gesellschaftspolitische Werte mit ästhetischem Wert zu verbinden.

Der ästhetische Wert hat verschiedene Erscheinungsformen, die durch ästhetische Kategorien festgelegt sind. Schönheit ist der wichtigste ästhetische Wert, ihr Maßstab. Das Erhabene ist auch eine Art ästhetischer Wert. Wenn das Schöne und das Erhabene die unmittelbare Verkörperung des ästhetischen Wertes sind, dann sind das Hässliche und Niedrige dessen Antipoden; sie gehören zu ästhetischen Antiwerten, also zu einem Gegenstand ästhetischer Einstellung, der einen negativen Wert hat. Das Tragische und das Komische entstehen als Ergebnis einer komplexen Verflechtung von Kräften, die im Widerspruch von ästhetischem Wert und ästhetischem Antiwert entstehen. Aus axiologischer Sicht kann das Tragische als Bestätigung des Wertes eines Phänomens betrachtet werden, das in der Konfrontation mit ihm feindlichen Kräften stirbt oder leidet. Das Komische ist die Selbstdarstellung von Phänomenen und Menschen, die Entdeckung ihrer wahren Bedeutung, die sich als Bedeutungslosigkeit, als Antiwert herausstellt und im Gegensatz zum tatsächlichen ästhetischen Wert steht. Also eine komische Affirmation des ästhetischen Werts durch die Negation seiner Negation.

Aufgrund seiner Universalität spielt der ästhetische Wert durch die Kunst und darüber hinaus eine besondere Rolle bei der Bildung der sozialen Qualitäten des Einzelnen und führt einen Menschen nicht nur in verschiedene Gemeinschaften von Menschen, sozialen Gruppen und Kollektiven, sondern auch in die Menschheit ein „generisches Wesen des Menschen“ (K. Marx) und ruft daher, wenn es wahrgenommen und geschaffen wird, die höchste menschliche Freude hervor – das Gefühl des „Glücks, ein Mensch zu sein“ (G. Uspensky).

Ästhetik ist der Zweig des philosophischen Wissens, der das ästhetische Bewusstsein und die Tätigkeit künstlerischen Schaffens sowie die Entwicklung künstlerischer Kultur untersucht. Der erste Versuch, ästhetische Kategorien zu konkretisieren, wurde von Sokrates und Platon unternommen. Im Laufe der Geschichte der Philosophie sind ästhetische Konzepte entstanden, die eine deutliche Hinwendung zum Interesse am kreativen Individuum erkennen lassen. Inzwischen stehen ästhetische Kategorien in direktem Zusammenhang mit der menschlichen Existenz als Ganzes, mit ihrem qualitativen Unterschied zum tierischen Leben.

Die ästhetische Theorie verfügt über einen eigenen kategorialen Apparat. Der zentrale Begriff ist hier „Ästhetik“. Manchmal wird es mit dem Begriff „schön“ gleichgesetzt. Unter Ästhetik versteht man eine spezifische Seite des menschlichen Daseins, die sinnlich wahrgenommen wird und Freude und Vergnügen bereitet. Im Gegensatz zum Ästhetischen (oder Schönen) steht die unästhetische Natur des Seins (oder das Hässliche). Vorstellungen von Schönheit und Hässlichkeit sind mit einem Verständnis von Harmonie, der Übereinstimmung von Teilen mit dem Ganzen, Kohärenz, Moral, Spiritualität und Aufrichtigkeit verbunden.

Zu den ästhetischen Gefühlen und Werten zählen auch die Kategorien „erhaben und niederträchtig“, „heroisch und feige“, „komisch und tragisch“. Ästhetische Werte stehen in engem Zusammenhang mit moralischen Werten. So werden als „erhaben“ oder „niedrig“ in der Gesellschaft solche Gedanken, Impulse, Handlungen oder Einstellungen von Menschen anerkannt, die auf Vorstellungen über das Vollkommene, Grenzzustand menschliche Existenz, eine positive oder negative Einschätzung der Gesellschaft. In der Kunst kann die Basis als Erhabenheit und das Erhabene als Basis dargestellt werden, und dann werden diese ästhetischen Werte aktualisiert und werden zu einer Quelle der Reflexion und Selbstbestimmung eines Menschen.

„Heroisch“ bezieht sich normalerweise auf altruistische menschliche Aktivitäten, die mit Selbstaufopferung oder der Bereitschaft dazu verbunden sind, um anderen Menschen zu helfen. Heldentum kann nicht nur extrem sein (zum Beispiel im Krieg), sondern auch alltäglich und gewöhnlich (zum Beispiel das Heldentum von Ärzten, die AIDS-Patienten nach Verletzungen operieren und pflegen; das Heldentum einer Mutter trotz allem).

Umstände, indem sie ihren benachteiligten Kindern Freundlichkeit vermittelt usw. P.).

Tragisch und Komisch sind antipodale Kategorien: Die Wahrnehmung der ersten führt dazu, dass eine Person psychischen und physischen Schock, Angst und Verzweiflung verspürt und emotionale Spannung erzeugt. Der emotionale Stress, der durch die Erfahrung einer Tragödie in der Kunst entsteht, bringt ein Gefühl der Reinigung (Katharsis) mit sich. Der Komische, der auch emotionale Spannung erzeugt, prägt ihn positiv und sorgt für Freude und Lachen. Lachen ist eine wahrhaft menschliche Manifestation von Gefühlen, die für andere Lebewesen nicht charakteristisch ist. So wie wir durch Leiden innerlich gereinigt werden, werden wir durch Lachen von unseren eigenen Unvollkommenheiten geheilt. Das Komische ist eine der geheimnisvollsten ästhetischen Kategorien (siehe die Vorlesung über Lachen in Wahlpflichtfächern in diesem Lehrbuch).

Der praktische Bereich der Verwirklichung ästhetischer Ideen ist die ästhetische Tätigkeit in der Kunst. Das Schöne neu zu erschaffen und zu verherrlichen und das Hässliche zu verurteilen, ist eine der wichtigsten Funktionen der Kunst. Ästhetische Werte dienen im menschlichen Leben als Grundlage des Weltbildes und als Prinzipien seiner Strukturierung.

Religiöse Werte und Gewissensfreiheit

Es ist kein Zufall, dass die Religion in dem historischen Stadium der menschlichen Entwicklung entstand, als die menschliche Sterblichkeit erkannt wurde. Das Mysterium des Todes, das Problem des Todes war einer der ersten und wichtigsten Anreize für die philosophische Forschung. Der Syllogismus des Sokrates: „Alle Menschen sind sterblich. Sokrates ist ein Mensch. Daher ist Sokrates sterblich“ wurde in der Antike als Beispiel für perfektes Denken gepriesen. Man glaubte, dass das Schicksal des Menschen, das Schicksal der Nationen und sogar die Existenz Gottes von der Bedeutung dieses Syllogismus abhingen. Das Problem des Todes ist daher eng mit der Vorstellung von Gott und Religion verbunden. Das wichtigste psychologische Element der Religion und einer der Grundbegriffe der Religion ist der Glaube. Die ursprüngliche Definition des Glaubens für Christen ist die Definition, die dem Apostel Paulus zugeschrieben wird: „Der Glaube ist nun die Substanz dessen, was man erhofft, und der Beweis dessen, was man nicht sieht.“ Der Rektor der Kiewer Theologischen Akademie, Archimandrit Antonius, gab dem Glauben im Jahr 1862 die folgende Definition: „Dies ist das Wesen der Wahrheit, unzugänglich für die Erfahrung und über die menschliche Vernunft hinaus, was den Unterschied zwischen Glauben und Wissen ausmacht.“ „Glaube“ ist also der Glaube an die Wahrheit von etwas, das der Vernunft und dem Wissen unzugänglich ist. Deshalb ist die Paradoxität der Formel des römischen frühchristlichen Theologen Tertullian (160–222): „Credo, quia absurdum“ („Ich glaube, weil es absurd ist“) nur scheinbar. Wenn ein Mensch dringend Wissen oder eine Wahrheit benötigt, aber keine objektive Möglichkeit hat, dieses Wissen zu erlangen, kann er nur an das Vorhandensein des gesuchten Wissens oder an eine unbewiesene Wahrheit glauben. Beispielsweise kann ein Mensch den Tod eines geliebten Menschen nicht verarbeiten und muss wissen, dass auch nach dem Tod ein Treffen mit seinem geliebten Menschen möglich ist. Es ist jedoch unmöglich, ein solches Wissen objektiv zu erlangen. Dann wendet sich eine Person dem Glauben zu Leben nach dem Tod, und es wird einfacher für ihn: Schließlich trennen wir uns auch im irdischen Leben manchmal für eine Weile von unseren Lieben. Der Glaube an die Unsterblichkeit der Seele hilft einem Menschen, mit Verlusten umzugehen. Dieser Glaube bedarf keiner rationalen Erklärung; Der Glaube ist bereit, alles anzunehmen, was die Seele beruhigt. Das Thema Tod ist untrennbar mit der Idee der Unsterblichkeit verbunden. Unsterblichkeit – mit Glauben. Der Glaube ist untrennbar mit dem Konzept der Hoffnung und anderen moralischen Kategorien verbunden. Ein gerechter Gott belohnt die Tugend nach dem Tod glänzend und belegt das Böse mit schrecklichen Strafen. Wie Emerson im Wesentlichen feststellte: „Wir halten uns für unsterblich, weil wir denken, dass wir für die Unsterblichkeit geeignet sind.“ Es geht um den Wert des Individuums, dessen Hoffnung auf Unsterblichkeit die Religion verkündet. Im Wesentlichen nimmt die Idee der Hölle alle negativen moralischen Manifestationen des Menschen aus den Klammern des irdischen Lebens: Egoismus, Hass, Ungerechtigkeit, Böses und verurteilt ihre Träger zu ewigem Leiden; und die Idee des Paradieses verewigt Altruismus, Liebe, Gerechtigkeit, Ehre, Güte und verspricht tugendhaften Menschen die ewige Dankbarkeit Gottes zu ihren Lebzeiten. Grundlage der Wertorientierungen eines religiösen Menschen ist die Überzeugung, dass Werte ihren höchsten Stellenwert haben und absoluter Ausdruck in Gott, der als vollkommene Wahrheit und Gerechtigkeit, Schönheit usw. fungiert. Religiöse Gebote lehren, menschliche Tugenden zu schätzen und das Böse in all seinen Hauptformen zu verurteilen. Religion als soziale Institution existiert seit Jahrtausenden, weil sie im Laufe ihres Bestehens wirksame Mechanismen zur Versöhnung mit der Komplexität des irdischen Lebens und der menschlichen Sterblichkeit entwickelt hat, die von der Gesellschaft moralisch anerkannt werden. Aber an Gott zu glauben oder nicht, ist für jeden Menschen eine persönliche Angelegenheit. Gemäß der Gesetzgebung der Russischen Föderation haben alle Bürger das Recht, sich zu jeder Religion zu bekennen, religiöse Gottesdienste auszuüben oder atheistische Propaganda zu betreiben. Das Recht und die Pflicht der Gesellschaft besteht darin, vom Einzelnen moralisches Verhalten zu verlangen, und das Recht und die Pflicht des Einzelnen besteht darin, sich in der Gesellschaft im Einklang mit moralischen Maßstäben und dem Gesetz zu verhalten.

Kultur der menschlichen Gesellschaft

Kultur erfüllt mehrere lebenswichtige Funktionen, ohne die die Existenz des Menschen und der Gesellschaft unmöglich ist. Der wichtigste ist Sozialisationsfunktion, oder menschliche Kreativität, d.h. Bildung und Bildung einer Person. So wie die Trennung des Menschen vom Reich der Natur mit der Entstehung immer neuer Elemente der Kultur einherging, so erfolgt die Fortpflanzung des Menschen durch die Kultur. Außerhalb der Kultur, ohne sie zu beherrschen, kann ein Neugeborenes kein Mensch werden. Dies kann durch aus der Literatur bekannte Fälle bestätigt werden, in denen ein Kind von seinen Eltern im Wald verloren ging und mehrere Jahre lang in einem Rudel von Tieren aufwuchs und lebte. Selbst wenn er später gefunden wurde, reichten diese wenigen Jahre aus, um für die Gesellschaft verloren zu gehen: Das gefundene Kind konnte weder die menschliche Sprache noch andere Elemente der Kultur mehr beherrschen. Nur durch Kultur meistert ein Mensch alle gesammelten sozialen Erfahrungen und wird ein vollwertiges Mitglied der Gesellschaft. Eine besondere Rolle spielen dabei Traditionen, Bräuche, Fertigkeiten, Rituale, Zeremonien etc., die eine kollektive soziale Erfahrung und Lebensweise bilden. In diesem Fall fungiert Kultur wirklich als „soziale Vererbung", die auf den Menschen übertragen wird und deren Bedeutung nicht geringer ist als die biologische Vererbung. Die zweite Funktion der Kultur, die eng mit der ersten verbunden ist, ist lehrreich, informativ. Kultur ist in der Lage, vielfältiges Wissen, Informationen und Informationen über die Welt zu sammeln und von Generation zu Generation weiterzugeben. Es fungiert als soziales und intellektuelles Gedächtnis der Menschheit. Nicht weniger wichtig ist es regulatorisch, oder normativ, Funktion Kultur, mit deren Hilfe sie Beziehungen zwischen Menschen aufbaut, organisiert und regelt. Diese Funktion wird in erster Linie durch Systeme von Normen, Regeln und Moralgesetzen sowie durch Regeln ausgeübt, deren Einhaltung notwendige Bedingungen für die normale Existenz der Gesellschaft darstellen. Eng mit den bereits genannten verknüpft Kommunikationsfunktion, Dies erfolgt hauptsächlich über die Sprache, die das wichtigste Kommunikationsmittel zwischen Menschen ist. Neben der natürlichen Sprache haben alle Bereiche der Kultur – Wissenschaft, Kunst, Technik – ihre eigenen spezifischen Sprachen, ohne die es unmöglich ist, die gesamte Kultur als Ganzes zu beherrschen. Fremdsprachenkenntnisse eröffnen den Zugang zu anderen nationale Kulturen und die gesamte Weltkultur. Eine weitere Funktion ist Wert, oder axiologisch, - ist ebenfalls von großer Bedeutung. Es trägt zur Bildung der Wertbedürfnisse und Orientierung eines Menschen bei und ermöglicht ihm die Unterscheidung zwischen Gut und Böse, Gut und Böse, schön und hässlich. Das Kriterium für solche Unterschiede und Bewertungen sind in erster Linie moralische und ästhetische Werte. Verdient besondere Erwähnung kreative, innovative Funktion Kultur, die ihren Ausdruck in der Schaffung neuer Werte und Kenntnisse, Normen und Regeln, Bräuche und Traditionen sowie im kritischen Überdenken, Reformieren und Erneuern bestehender Kultur findet. Schließlich sind Gaming, Unterhaltung oder kompensatorische Funktion Kultur, die mit der Wiederherstellung der körperlichen und geistigen Stärke, der Freizeit, der psychischen Entspannung usw. eines Menschen verbunden ist. Der moderne westliche Soziologe Per Monson hat vier Hauptansätze zum Verständnis der Gesellschaft identifiziert. Erste Ansatz kommt aus dem Primat der Gesellschaft gegenüber dem Individuum. Gesellschaft wird als ein System verstanden, das über den Einzelnen steht und nicht durch dessen Denken und Handeln erklärt werden kann, da das Ganze nicht auf die Summe seiner Teile reduziert wird: Individuen kommen und gehen, werden geboren und sterben, aber die Gesellschaft existiert weiter. Diese Tradition hat ihren Ursprung im Konzept von E. Durkheim und noch früher – in den Ansichten von O. Comte. Zu den modernen Strömungen zählen vor allem die Schule der Strukturfunktionsanalyse (T. Parsons) und die Konflikttheorie (L. Kose und R. Dahrendorf). Zweiter Ansatz, im Gegenteil, wird den Fokus der Aufmerksamkeit auf das Individuum lenken und argumentieren, dass es unmöglich ist, eine erklärende soziologische Theorie zu erstellen, ohne die innere Welt eines Menschen, seine Motivationen und Bedeutungen zu studieren. Mit dieser Tradition ist der Name des deutschen Soziologen M. Weber verbunden. Unter moderne Theorien, entsprechend diesem Ansatz, kann genannt werden: symbolischer Interaktionismus (G. Blumer) und Ethnomethodologie (G. Garfinkel, A. Sicurel). Dritter Ansatz konzentriert sich auf die Untersuchung des eigentlichen Mechanismus des Interaktionsprozesses zwischen Gesellschaft und Individuum und nimmt dabei eine Mittelposition zwischen den ersten beiden Ansätzen ein. Der frühe P. Sorokin gilt als einer der Begründer dieser Tradition, und unter den modernen soziologischen Konzepten ist die Handlungstheorie oder die Tauschtheorie (J. Homans) zu nennen. Vierter Ansatz- Marxist. Von der Art der Erklärung sozialer Phänomene ähnelt es dem ersten Ansatz. Allerdings gibt es einen grundlegenden Unterschied: Im Einklang mit der marxistischen Tradition wird von einem aktiven Eingreifen der Soziologie in die Transformation und Veränderung der umgebenden Welt ausgegangen, während die ersten drei Traditionen die Rolle der Soziologie eher als beratend betrachten. Es werden verschiedene Gesellschaftstypen und damit verbundene Kulturen unterschieden. Erster Typ- primitive Gesellschaft und Kultur. Es zeichnet sich durch Synkretismus aus – die Nichttrennung des Individuums von der wichtigsten sozialen Struktur, der Blutsfamilie. Alle Mechanismen der gesellschaftlichen Regulierung – Traditionen und Bräuche, Riten und Rituale – fanden ihre Rechtfertigung im Mythos, der die Form und Existenzweise der primitiven Kultur darstellte. Seine starre Struktur ließ keine Abweichungen zu. Daher auch ohne besondere Überwachung soziale Strukturen Alle Regeln und Vorschriften wurden sehr genau befolgt. Angrenzend an die primitive Gesellschaft und Kultur archaische Gesellschaft und Kultur- moderne Völker, die auf der Ebene der Steinzeit leben (heute sind etwa 600 Stämme bekannt). Zweiter Typ Die Gesellschaft ist mit Prozessen der sozialen Schichtung und Arbeitsteilung verbunden, die zur Bildung eines Staates führten, in dem hierarchische Beziehungen zwischen Menschen legitimiert wurden. Die Geburt des Staates fand in den Ländern des Alten Ostens statt. Mit all der Vielfalt seiner Formen – östlicher Despotismus, Monarchie, Tyrannei usw. Sie alle wählten einen obersten Herrscher aus, dessen Untertanen alle anderen Mitglieder der Gesellschaft waren. In solchen Gesellschaften basierte die Regulierung der Beziehungen in der Regel auf Gewalt. Innerhalb dieses Gesellschaftstyps muss unterschieden werden vorindustrielle Gesellschaft und Kultur, wo klassenideologische und politisch-konfessionelle Lebensformen vorherrschten und die angewandte Gewalt eine religiöse Rechtfertigung erhielt. Eine andere Form wurde Industriegesellschaft und Kultur, wobei nationalstaatliche und spezialisierte Formationen die führende Rolle spielten soziale Gruppen in der Gesellschaft, und die Gewalt war wirtschaftlicher Natur. Dritter Typ Die Gesellschaft entstand im antiken Griechenland und Rom, verbreitete sich jedoch seit der Neuzeit, insbesondere im 20. Jahrhundert. In einer Demokratie, die eine Zivilgesellschaft bildet, verstehen sich die Menschen als freie Bürger, die bestimmte Formen der Organisation ihres Lebens und ihrer Aktivitäten akzeptieren. Es handelt sich um eine Gesellschaft dieser Art, die durch die höchste Form der Manifestation wirtschaftlicher, politischer und rechtlicher Kultur gekennzeichnet ist, die durch Philosophie, Wissenschaft und Kunst ideologisch begründet wird. In einer solchen Gesellschaft haben die Bürger gleiche Rechte, die auf den Grundsätzen der Zusammenarbeit, Kommunikation, des Handelsaustauschs und des Dialogs beruhen. Natürlich ist dies immer noch ein Ideal, und in der Praxis ist es immer noch unmöglich, auf Gewalt zu verzichten, aber das Ziel ist bereits festgelegt. Dies wurde in vielerlei Hinsicht mit der Bildung einer neuen Gesellschaft postindustriellen Typs mit den fortschreitenden Globalisierungsprozessen und der Bildung einer Massenkultur möglich.

Mensch und Natur

Die Natur ist einer der Bereiche der menschlichen Existenz. Im weitesten Sinne des Wortes ist dies alles Existierende, die unendliche Vielfalt konkreter Erscheinungsformen der Welt. Der Begriff „Natur“ charakterisiert jedes Lebewesen, auch den Menschen, er ist eine Art Kern einer Sache, eine Reihe wesentlicher Merkmale, Aspekte einer Sache. Natur im engeren Sinne ist ein natürlicher Teil der Welt, der natürliche Lebensraum des Menschen.

IN Altertümer Die Kräfte der Natur wurden in Götterbildern personifiziert, der Mensch spürte seine Schwäche darin, sich ihnen zu widersetzen. Antiquität Im Denken wurde die Natur als bewegtes Ganzes und der Mensch als einer seiner Teile verstanden. Als Ideal galt ein Leben im Einklang mit der Natur. Mittelalter Die Natur wurde niedriger gestellt als der Mensch, denn dieser galt als Abbild und Gleichnis Gottes, als Krone der Schöpfung und als König der Natur. Man glaubte, dass der göttliche Plan in der Natur verkörpert sei. Renaissance Der Mensch entdeckte die Schönheit der Natur. Die Einheit von Mensch und Natur wurde betont. Diese Idee wurde weiterentwickelt neue Zeit. Menschlich- ein Produkt der Natur, es existiert in der Natur, unterliegt seinen Gesetzen. Die Klassiker des Marxismus betonten den Zusammenhang zwischen Mensch, Natur und Gesellschaft, Natur und Geschichte, die Rolle der materiellen Produktion bei der Gewährleistung ihrer widersprüchlichen Einheit, wiesen auf das Zweckmäßige hin Art der Auswirkungen auf die Natur und warnte, dass es in diesem Fall unmöglich sei, das bewusste Prinzip zu übertreiben. Das Problem der Einheit von Mensch und Kosmos wurde diskutiert Russische Kosmisten des 19.–20. Jahrhunderts. Der moderne Mensch, so K. E. Tsiolkovsky ist nicht das letzte Glied der Evolution. „Vernunft und Kreativität werden den Menschen in den Weltraum befördern, wo er mit der Zeit sein wird physische Natur, wird es sich den höheren Organismen nähern, die den interstellaren Raum bewohnen.“ Wissenschaft des 20. Jahrhunderts formuliert Anthropisches Prinzip, wonach die Rhythmen des Universums und des Menschen nahe beieinander liegen oder zusammenfallen. Das anthropische Prinzip erfordert die Betrachtung des Universums als komplexes selbstorganisierendes System, dessen wichtigstes Element der Mensch ist. Auf diese Weise wird die Kluft zwischen Objekt und Subjekt überwunden und die natürliche Welt und die menschliche Welt näher zusammengebracht. Philosophen weisen auf die Doppelrolle der Natur im Verhältnis zum Menschen hin. Am Ende des 20. Jahrhunderts. Die Natur wurde berücksichtigt A. A. Bogdanow als Feind und gleichzeitig als Freund eines Mannes voller Geheimnisse und Mysterien. Eine notwendige Ergänzung zur „kameradschaftlichen Zusammenarbeit“ ist seiner Meinung nach die Zusammenarbeit mit der Natur.

Aus methodischer Sicht ist es falsch, sowohl die Rolle der Natur zu übertreiben als auch ihre geografischen Faktoren zu unterschätzen. Zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts bekräftigt die Notwendigkeit der Koevolution, also der gemeinsamen Entwicklung von Natur und Mensch, sowie die Notwendigkeit, die Ziele, Mittel und Folgen einer solchen Tätigkeit zu vergleichen.

Die Idee der Koevolution konzentriert sich nicht auf den Kampf ums Dasein und die natürliche Auslese, sondern auf die Prozesse der Zusammenarbeit und des gegenseitigen Energieaustauschs. Dies ist die realistischste und sinnvollste Idee zur Überwindung der Differenz zwischen Natur und Gesellschaft; sie vereint sie zu einem Ganzen und entwickelt das Konzept des dynamischen Gleichgewichts und der stabilen Entwicklung der Menschheit. Dank dieses Konzepts erscheint der Mensch als Träger der Koevolution, der Integrität von Natur und Gesellschaft.

Gesellschaft und ihre Struktur

Die wissenschaftliche und pädagogische Literatur gibt viele Definitionen und Merkmale der menschlichen Gesellschaft, aber in einem sind sie sich alle einig: Die Gesellschaft ist ein Produkt der Interaktion zwischen Menschen, eine bestimmte Organisation ihres Lebens, ein in sich widersprüchlicher Organismus, dessen Wesen in vielfältigen ( wirtschaftliche, moralische, religiöse usw.) Verbindungen und Beziehungen zwischen Menschen, ihren Verbänden und Gemeinschaften. Dies ist ein komplexes, sich selbst entwickelndes System von Verbindungen von Menschen, die durch wirtschaftliche, familiäre, Gruppen-, ethnische, Klassen-, Klassenbeziehungen und Interessen verbunden sind. In der Gesellschaft wirken in erster Linie nicht biologische, sondern soziale Gesetze. Die Betrachtung der Gesellschaft als System sozialer Beziehungen, deren Grundlage wirtschaftliche (materielle) Beziehungen sind, ermöglicht zum einen einen konkreten historischen Ansatz, um verschiedene soziale Beziehungen zu identifizieren -wirtschaftliche Formationen (Sklavenhaltung, feudale, kapitalistische, sozialistische Gesellschaft); zweitens, um die Besonderheiten der wichtigsten Bereiche des gesellschaftlichen Lebens (wirtschaftlich, politisch, spirituell) zu identifizieren; Drittens müssen die Themen der sozialen Kommunikation (Individuum, Familie, Nation usw.) klar definiert werden. Die Gesellschaft entstand, als sich die Menschen von der Tierwelt trennten. Der Mensch ist ihre Hauptvoraussetzung und Primärzelle, denn wie Aristoteles sagte, ist der Mensch ein soziales Wesen. Daher ist das wichtigste Merkmal der Gesellschaft, dass es sich um ein System der Vernetzung intelligenter Wesen handelt. Durch die Interaktion mit der Gesellschaft entwickelt sich ein Mensch selbst und entwickelt seine sozialen, wesentlichen Eigenschaften und Stärken, wird dadurch zu einer Persönlichkeit und stimuliert den Fortschritt der Gesellschaft. In verschiedenen Perioden der historischen Entwicklung nahm die Gesellschaft unterschiedliche Formen an, den Grad ihrer Reife, interne Struktur, d.h. wirtschaftliche, veränderte. soziale Klasse, politische Struktur. Die primitive Gesellschaft beispielsweise war lange Zeit mehr oder weniger homogen kollektivistisch und kannte keine soziale oder andere Schichtung. Allmählich wurde die Struktur der Gesellschaft komplexer: Mit Veränderungen der Wirtschaftsbeziehungen entstanden soziale Gemeinschaften, Gruppen, Klassen usw. mit eigenen Interessen und Merkmalen.

ZIELE:

• lernen, grundlegende ästhetische Werte zu erkennen;
• die Fähigkeit entwickeln, zwischen diesen Werten in der ästhetischen und künstlerischen Realität zu unterscheiden;
• erwerben Sie erste Kenntnisse in der Analyse grundlegender ästhetischer Werte.

PLANEN:

1. Schönheit als historisch erster und wichtigster ästhetischer Wert.
2. Das Wesen und die Merkmale der ästhetischen Entwicklung des Erhabenen.
3. Das Wesen und die Merkmale des Verständnisses des Tragischen.
4. Comic: Wesen, Struktur und Funktionen.

1. Schön als historisch erster und wichtigster ästhetischer Wert

Was bedeutet das Studium ästhetischer Grundwerte für die Ästhetik? Dabei geht es zunächst darum, die folgenden Grundlagen der Phänomene zu analysieren:

1. Analyse objektiver Objekt-Wert-Grundlagen, die Frage, was ein Objekt haben muss, um beispielsweise schön zu sein?
2. Die subjektiven Grundlagen ästhetischer Werte sind die Art und Weise der Bedeutungsbeherrschung, der Wertaktualisierung, ohne die sie nicht existiert. Jede der Modifikationen des Ästhetischen – das Schöne, das Hässliche, das Erhabene, das Niedrige, das Tragische und das Komische – unterscheidet sich in der Art und Weise, wie sie erlebt wird. Basierend auf diesen beiden Parametern werden wir die gewünschten ästhetischen Werte berücksichtigen.

Der zunächst historisch identifizierte und dann bis ins 20. Jahrhundert hauptsächliche ästhetische Wert ist Schönheit bzw. Schönheit; für die klassische Ästhetik sind dies Synonyme. Schönheit ist sozusagen ein Lieblingswert der Ästhetik, der sich empirisch nicht nur in der ständigen Wahrnehmung und Bewunderung der Schönheit im Leben manifestiert, sondern auch in der Mythologisierung dieses Wertes durch das Bewusstsein als eine besondere Kraft, die Harmonie und Glückseligkeit ins Leben bringt . Charles Baudelaire, der berühmte Dichter des französischen Symbolismus, dessen Leben sehr düster und selten harmonisch war, kreiert in seiner Poesie im Zyklus „Blumen des Bösen“ „Hymne an die Schönheit“ (1860), deren Ende wie folgt lautet:

Ob Sie ein Kind des Himmels oder ein Geschöpf der Hölle sind,
Ob du ein Monster oder ein reiner Traum bist,
Du bist eine unbekannte, schreckliche Freude!
Du öffnest uns die Tore zur Grenzenlosigkeit.

Bist du Gott oder Satan? Bist du ein Engel oder eine Sirene?
Spielt es wirklich eine Rolle: Nur du, Königin Schönheit,
Du befreist die Welt aus der schmerzhaften Gefangenschaft,
Senden Sie Weihrauch und Klänge und Farben!

Bei F.M. Dostojewski stößt dann auf die starke Überzeugung, dass die Welt durch Schönheit gerettet wird, obwohl Dostojewski auch die Komplexität und Widersprüchlichkeit der Schönheit verstand.

Andererseits sehen wir in der Kunstgeschichte neben der mythologischen Wahrnehmung den Wunsch, Schönheit rational zu begreifen, ihr eine Formel, einen Algorithmus zu geben. Für eine gewisse Zeit funktioniert diese Formel, allerdings muss sie dann überarbeitet werden. Eine absolute Antwort kann grundsätzlich nicht gegeben werden, da Schönheit ein Wert ist und daher jede Kultur und jedes Volk ihr eigenes Bild und ihre eigene Formel von Schönheit hat.

Paradox: Schönheit ist etwas Einfaches, unmittelbar Wahrnehmbares, und gleichzeitig ist Schönheit veränderlich und schwer zu definieren.

Die äußere Reaktion auf Schönheit besteht ausschließlich aus positive Gefühle Akzeptanz, Freude. Auf der Objektebene liegt das daran, dass Schönheit existiert die positive Bedeutung der Welt für einen Menschen. Jeder ästhetische Wert hat das Ziel, die Welt und den Menschen in Einklang zu bringen. Denn Schönheit hängt mit ihrem Wesen zusammen. Mehrere Kategorien können die Essenz der Beziehungen offenbaren, aus denen Schönheit erwächst:

• Verhältnismäßigkeit des Objekts auf die Bedürfnisse und Fähigkeiten des Subjekts, bestimmt durch die Beherrschung der Welt, die Entsprechung von Welt und Mensch;
• Harmonie, etwas präziser, harmonische Einheit Mensch und Wirklichkeit. Harmonie, Ordnung, Übereinstimmung mit der Welt werden hier entscheidend. Schönheit ist der ästhetische Ausdruck davon und damit die Freude am Erleben von Schönheit.
• Freiheit- Die Welt ist schön, wo Freiheit ist. Wo die Freiheit verschwindet, verschwindet die Schönheit; es kommt zu Steifheit, Taubheitsgefühl und Müdigkeit. Schönheit ist ein Symbol der Freiheit.
• Menschheit- Schönheit begünstigt die Entwicklung des Menschen, die geistige Fülle seiner Existenz. Schönheit ist ein ästhetischer Wert, der die optimale Menschlichkeit der Welt und des Menschen zum Ausdruck bringt, und das ist ihr Wesen.

In der Schönheit kommt der ewig ersehnte Zustand der Harmonie und Freiheit zum Ausdruck, und deshalb wird einem Menschen Schönheit nie genügen. Andererseits ist es schwierig, Schönheit zu erreichen; Platon hatte damit Recht. Der Mensch selbst zerstört den Moment der Harmonie, weil er immer in Bewegung ist und nach etwas Neuem strebt, und diese Bewegung vollzieht sich durch Disharmonie und überwindet die unvermeidlichen Widersprüche der Welt. Schönheit ist schwierig und man muss hart arbeiten, um einen Moment der Schönheit zu erleben!

Betrachten wir die erste Klasse von Voraussetzungen für das Verständnis von Schönheit – ihre objektiven, objektiven Wertgrundlagen. Wir sprechen von einer bestimmten Dimension eines Objekts. Ein Mensch verfügt über geistige Kräfte, mit deren Hilfe er die Form und Bedeutung der Welt wahrnimmt, und die organisch wahrgenommenen Objekte sind schön. Farbe beispielsweise wird vom Auge in gewissen Grenzen wahrgenommen, Infrarotstrahlung- über die Grenzen der normalen menschlichen Wahrnehmung hinaus. Ebenso entspricht das Gefühl der Schwere nicht der Wahrnehmung von Schönheit. Zum Beispiel die Betrachtung der Pyramiden Ägyptens im Gegensatz zum Parthenon, der nach den Merkmalen der visuellen Wahrnehmung errichtet wurde. Eine gewisse Neigung der Säulen, aus denen die Wände des Parthenon bestehen, beseitigt das Gefühl der Schwere und wir fühlen uns wie freie Menschen, wie die Griechen der klassischen Zeit. In informativer und inhaltlicher Hinsicht ist Schönheit die semantische Offenheit einer Sache, ausgedrückt in einer klaren Form. Abrakadabra kann nicht schön sein.

Aber nicht alle Dinge, die im Verhältnis zum Menschen stehen, sind schön. Die nächste Klasse von Räumlichkeiten ist bilden. Nein absolute Formel perfekte Form. Die ästhetische Perfektion einer Form für einen Menschen stimmt nicht immer mit formaler Korrektheit überein: Ein Rechteck ist attraktiver als ein Quadrat, obwohl ein Quadrat eine perfektere Form ist. Dies geschieht, weil eine Person Abwechslung braucht. Lieblingseinstellung Künstler - das Verhältnis des „Goldenen Schnitts“, das die ideale Beziehung zwischen den Teilen jeder Form und dem Ganzen herstellt. Der Goldene Schnitt ist die Aufteilung eines Segments in zwei Teile, wobei der größere Teil zum kleineren Teil in Beziehung steht, während das gesamte Segment zum größeren Teil in Beziehung steht. Der mathematische Ausdruck des Goldenen Schnitts ist die Fibonacci-Reihe. Die Prinzipien des Goldenen Schnitts werden häufig als Kompositionsgrundlage in räumlichen Kunstformen – Architektur und Malerei – verwendet, und der Begriff für diesen Anteil wurde von Leonardo da Vinci eingeführt, der auf dieser Grundlage seine Leinwände schuf. Interessanterweise entspricht in der Musik das System der Konsonanzen diesem mathematischen Verhältnis.
Die Bedeutung der formalen Grundlagen der Schönheit ist so groß, dass die Menschheit die sogenannte formale Schönheit auszeichnet, die den ästhetischen Eigenwert von Formen zum Ausdruck bringt. Künstler der Renaissance verfassten Abhandlungen, in denen sie präzise Berechnungen von Proportionen vorlegten, die die Schönheit der Welt optimal darstellten. In der italienischen Renaissance ist dies das berühmte Werk von Piero della Francesca „Über die malerische Perspektive“, in der nördlichen Renaissance – Albrecht Dürers „Über die Proportionen des menschlichen Körpers“.

Aber das Schöne und das Schöne sind in ihrer Bedeutung nicht identisch: Das Schöne betont die Vollkommenheit der äußeren Form, das Schöne setzt die Einheit der äußeren und inneren Form – die Qualität des Inhalts – voraus. Und hier entstehen besondere Kategorien, die die Schönheit der Form konkretisieren. Anmutig ist die Perfektion des Designs, das seine Leichtigkeit, Schlankheit und „Dünnheit“ zum Ausdruck bringt. Anmutig – Perfektion der Bewegung, ästhetische Optimalität der Bewegung, besondere Harmonie, Geschmeidigkeit, die der Bewegung eines Menschen und eines Tieres und nicht eines Roboters entspricht und einen lebendigen Hintergrund bedeutet. Reizend ist die Perfektion der materiellen Textur selbst, des Materials, aus dem das Objekt „gemacht“ ist. Schönheit ist in diesem Fall schneeweiße Haut, das Rouge des Mädchens, die Pracht und Dichte ihres Haares. „Bin ich der Süßeste, der Rötlichste und der Weißeste auf der Welt?“ – in Puschkin – die Frage der Königin jeden Morgen an den Spiegel, nach einer rhetorischen Antwort, auf die die Königin selbstbewusst die beabsichtigten Taten vollbringt. Aber um ästhetisch schöne Vollkommenheit zu definieren, reicht die Form nicht aus. Die Schönheit der Natur ist die Lebensbedeutung der Natur, die schönste Landschaft ist die Landschaft des Mutterlandes, die einheimische Natur ist wunderschön. Daher sind inhaltliche Prämissen wichtig. Das Schöne an einem Menschen wird in Abhängigkeit von den gesellschaftlich bedeutsamen Eigenschaften eines Menschen bestimmt. Die Kategorie der antiken Ästhetik, Kalokagathia – schön-gut, ist kein Zufall. Wir sprechen also von der Menschlichkeit des Inhalts, die die Grundlage der Schönheit (schön) ist. Und hier passieren erstaunliche Dinge: Eine äußerlich unvollkommene Form kann verwandelt werden, eine unscheinbare Erscheinung kann schön werden. Für den romantischen Hugo ist die menschliche Fülle die Hauptgrundlage für Quasimodos Schönheit. In Dostojewski hat Nastasja Filippowna ein magisches Aussehen, das mit einem gespaltenen Charakter verbunden ist, und daher ist ihre Schönheit nicht unbestreitbar. Für Tolstoi ist die Schönheit von Marya Bolkonskaya offensichtlich, in deren Augen die ganze Tiefe, Wärme und Freundlichkeit ihrer Seele erstrahlt, der nur die äußerlich makellose Helen Bezukhova entgegensteht. Moralische Qualitäten sind die Grundlage menschlicher Schönheit: Reaktionsfähigkeit, Sensibilität, Freundlichkeit, Seelenwärme. Ein Mensch, der böse, egoistisch und feindselig gegenüber seinesgleichen ist, kann nicht schön sein. Aber wenn sowohl äußere als auch innere Perfektion vereint sind, ruft ein Mensch aus: Halten Sie einen Moment inne, Sie sind wunderbar!

Das Erleben von Schönheit, ihr subjektives Attribut, entspricht genau ihrem Wesen: einem Gefühl der Leichtigkeit, der erreichten Freiheit im Umgang mit der Welt, der Freude, Harmonie zu finden.

2. Das Wesen und die Merkmale der ästhetischen Entwicklung des Erhabenen

Das Erhabene wird oft mit der Schönheit in ihrer höchsten Konzentration gleichgesetzt, aber es gibt Bereiche, in denen das Phänomen zwar erhaben, aber nicht schön ist. Es gibt die Vorstellung, dass das Erhabene mit großen Größen verbunden ist. Aber auch hier liegt ein Missverständnis vor: Das Erhabene manifestiert sich nicht immer in Quantität. Bei Rodin beispielsweise repräsentiert „Eternal Spring“ – eine kleinformatige Skulptur – das Erhabene, die Fakten aus dem Guinness-Buch der Rekorde jedoch trotz der erstaunlichen numerischen Parameter nicht.

Das Erhabene ist also eine Frage der Qualität. Die Welt eines Menschen wird durch den Radius seiner eigenen Tätigkeit bestimmt. Alles, was sich innerhalb des Kreises befindet, wird vom Menschen beherrscht, aber der Mensch überwindet ständig die Grenzen, die er für sich selbst setzt, und er ist nicht nur verschlossen, sondern auch offen in der Welt. Der Mensch befindet sich in einem Bereich jenseits der üblichen formalen Möglichkeiten, einem Bereich, den er nicht zu messen weiß. Das raubt einem den Atem. Die Essenz des Erhabenen sind jene Beziehungen zur Welt und zu Aspekten der Realität, die nicht den normalen menschlichen Fähigkeiten und Bedürfnissen entsprechen und als etwas Unermessliches und Unendliches wahrgenommen werden . Subjektiv lässt sich diese Unendlichkeit als Unfassbarkeit formulieren. Das Erhabene ist unermesslich, inkommensurabel mit einfachen menschlichen Fähigkeiten und übertrifft diese bei weitem. Das Herz eines Menschen beginnt schneller zu schlagen, wenn er dem Erhabenen begegnet.

Es ist möglich, das Erhabene nicht so sehr im direkten Sinneskontakt wie im Schönen zu spüren, sondern durch die Vorstellungskraft, denn das Erhabene ist unermesslich. Das Meer, der Ozean, etwas, das nicht erschöpft werden kann, ist ein Beispiel für eine Kraft, die einen gewöhnlichen Menschen herausfordert und die ein Mensch nicht mit seiner eigenen Stärke in Verbindung bringen kann. Berge werden als erhaben wahrgenommen, denn das ist etwas Unbesiegtes, über uns, das ist nicht nur räumlich, sondern auch zeitlich erhaben: Wir sind klein, endlich, die Felsen sind endlos und das ist atemberaubend. Der Horizont, der Sternenhimmel, der Abgrund sind immer erhaben, weil sie in unserem Bewusstsein das Bild der Unendlichkeit hervorbringen. Vertikalität, Bewegung in die endlose himmlische Welt wird zur Grundlage unserer Wahrnehmung des Erhabenen. Die menschliche Wahrnehmung der Welt ist vertikal als Aufstieg zu Wertgrenzen und Idealen. Von Tyutchev:

„Gesegnet ist der, der diese Welt in ihren fatalen Momenten besucht hat

Er wurde vom Allgütigen als Begleiter zu einem Fest berufen!“

Die Seele erhebt sich, wenn man die Bedeutung dieser Ereignisse versteht. Aber das zweite ist das moralische Gesetz, die schwierige Überwindung des anfänglichen Egoismus macht einen Menschen erhaben, erhebt ihn. Das Heroische als eine Tat zum Wohle der Menschheit ist eine Art Erhabenheit.

Bei der Definition des Erhabenen sind zwei Konzepte wichtig: Höhepunkt(die Höhepunkterscheinungen der natürlichen und sozialen Existenz), bemerkt sinnlich(Verkörperung der Vertikalen, zum Beispiel religiöse Gebäude). Ohne kann ein Mann nicht leben absolut Werte, die als ultimative Ziele und ultimative Wertkriterien für eine Person dienen. Diese Absolutheiten gehen natürlich über den gewöhnlichen, sich wiederholenden Alltag hinaus, sie sind daraus nicht ableitbar, das sind Werte, für deren Existenz es keine menschlichen Voraussetzungen gibt.

Im Schönen misst sich ein Mensch an der Welt um ihn herum, und im Erhabenen misst sich ein Mensch an den Absolutheiten der ihn umgebenden Welt, die das Gegenteil von allem Relativen sind, sie sind nicht relativ. Das Erhabene ist das Absolute in der relativen Welt. Es gibt solche Absolutheiten innerhalb der menschlichen Existenz, in denen das Schöne und das Erhabene zusammenfallen, zum Beispiel die Wahrheit. Der Wahrheit und dem Streben nach Wahrheit sind keine Grenzen gesetzt, auch nach Freiheit. Auch die Liebe ist grenzenlos, sie erfordert völlige Hingabe, vollkommenes Leben. Aber die endlose Zuneigung der Landbesitzer der alten Welt ist bei Gogol ein Ausdruck des Schönen, und die Liebe bei Rodin ist erhaben. Und doch gibt es Phänomene, die weit von der ethischen Absolutheit entfernt sind. In Puschkins „Fest zur Zeit der Pest“ aus „Kleine Tragödien“ verkündet der Vorsitzende eines Festes während einer Pestepidemie eine Hymne an die Pest:

Also, gepriesen seist du, Pest!

Wir haben keine Angst vor der Dunkelheit des Grabes,

Wir lassen uns von Ihrer Berufung nicht verwirren.

Wir trinken zusammen Gläser,

Und die Rosenmädchen trinken den Atem –

Vielleicht ... voller Pest.

Ein Mann stellt sich der Pest, die alle zerstört, und stellt sich dieser Katastrophe mit seiner spirituellen Stärke entgegen, die in der Lage ist, die Angst vor der fortschreitenden Pest zu überwinden. Das Erhabene verkörpert das innere Wachstum des Menschen. Das Schöne verkörpert eine freudige Übereinstimmung mit der Welt; im Erhabenen spüren wir innere Unendlichkeit, Unsterblichkeit, Teilhabe an der das Erhabene schenkt.

Schön ist Homogenität, Harmonie, Konsistenz, emotional erlebt. Das Erhabene verkörpert einen psychologischen Widerspruch, der durch spirituelle Anstrengung gelöst werden muss. Durch den Einsatz dieser Kräfte eröffnen sich dem Menschen enorme Kräfte und neue Horizonte. Überwiegt die Angst, kommt es zu einer Willenslähmung und Handlungsunfähigkeit.

Im ästhetischen Bewusstsein siegt das positive Prinzip im inneren Kampf, wir fliegen empor, wir schweben über der Erde und beginnen eine hohe Erregung der Seele zu erleben, in der wir durch einen Durchbruch in die Unendlichkeit unsere Unsterblichkeit spüren. Der Höhepunkt der Wahrnehmung des Erhabenen ist die Verbindung mit dem Himmel und das Gefühl der Übereinstimmung mit dem Unendlichen.

Aber das Schöne und das Erhabene sind gleichermaßen notwendig und ergänzen sich. Der Mensch braucht zwei Welten – eine häusliche, die stabile und notwendige Verbindungen mit der Welt herstellt, und eine himmlische, die die Unermesslichkeit bestätigt, ihn anzieht und erhebt.

3. Das Wesen und die Merkmale des Verständnisses des Tragischen

Seit Aristoteles beschäftigt sich die Ästhetik mit dem Tragischen. Aristoteles denkt in der Poetik, die uns in Fragmenten überliefert ist, über die Tragödie nach.

Lassen Sie uns gleich trennen: Wir sollten das Tragische im alltäglichen Gebrauch nicht mit dem Leben und dem ästhetischen Tragischen verwechseln. Es ist notwendig, unter Berücksichtigung der ästhetischen Tragik einerseits den Inhalt und andererseits die Form seiner Entwicklung zu bestimmen. Im Tragischen hat diese Form eine besondere Bedeutung. Denn allein in dieser Form entsteht die ästhetische Wirkung des Tragischen.

Nicht alle Probleme und Verluste stellen eine Tragödie dar. Es gibt Situationen im Leben, in denen es keinen Tod gibt, aber etwas Tragisches. In Tschechows Stücken „Onkel Wanja“ und „Der Kirschgarten“ gibt es Tragödien, obwohl Tschechow sie Komödien nannte. Und nicht jeder Tod ist tragisch. Der Tod ist möglicherweise nicht tragisch, wenn: 1) es der Tod eines Fremden ist, 2) es natürlich ist, es der Tod einer älteren Person ist. Der Inhalt der Tragik ist komplexer: Der Verlust als unmittelbare Realität der Tragik ist nur an der Oberfläche.

Im Schönen und Erhabenen finden wir Frieden, im Tragischen liegt Verlust. menschliche Werte, und dabei kann es sich auch um Sachwerte handeln. Aber nicht jeder Verlust ist tragisch und nicht alle Tränen sind tragisch. Die Tragödie selbst bestimmt das Ausmaß der Werte, die wir verlieren. In Mozarts „Die Hochzeit des Figaro“ singt Barbarina ein Arioso über den Verlust einer Stecknadel. Die Musik funkelt über den falschen Tränen des Verlustes. Aber die Höhepunkte der Weltoper sind Tragödien: „Othello“, „Il Trovatore“, „Un ballo in maschera“, „La Traviata“, „Aida“ von Verdi; „Der Ring des Nibelungen“ und „Tristan und Isolde“ von Wagner sind die besten tragischen Opern. Also der Kern der Tragik Verlust grundlegend bedeutsamer menschlicher Werte.

Der Verlust solcher Werte ist ein Zusammenbruch, ein Zusammenbruch der menschlichen Existenz in ihren innersten Qualitäten, und es ist unmöglich, solche Verluste zu überleben. Was sind diese Werte?

1. Verlust des Mutterlandes. Im Exil trug Schaljapin für den Rest seines Lebens das Amulett mit seinem Heimatland auf seiner Brust. Das ist der spirituelle und lebenswichtige Wert Ihres Lieblingsraums.

2. Verlust Ihres Geschäfts und im Wesentlichen Ihres Lebens. Eine Aufgabe, ohne die ein Mensch nicht leben kann und die daher ein irreparabler Verlust ist. Das Leben muss neu beginnen (ein Sänger, der seine Stimme verloren hat, ein Künstler, der sein Augenlicht verloren hat, ein Komponist, der sein Gehör verloren hat). Die Tragödie der Unmöglichkeit der Kreativität, die für einen Künstler das Leben ist.

3. Verlust der Wahrheit – ein Wert, ohne den Menschen auch nicht leben können. In einer Lüge zu leben ist für einen Menschen unerträglich, wir lügen ständig, aber der Moment der Wahrheit kommt!

Güte, ein gutes Gewissen sind gleichartige Werte. Gewissen, einen Menschen quälen, ihn bestrafen, einem Menschen das Gefühl geben, ein Henker zu sein. Boris Godunov hat ein schlechtes Gewissen, das ihn zu quälen beginnt, und sein Leben kommt zum Stillstand und bricht zusammen. Das Leben bricht im Moment des Werteverlusts zusammen. Für Raskolnikov folgt die Vergeltung nicht in Form von Verurteilung und Verbannung zur Zwangsarbeit, sondern darin, dass er keinen Platz für sich selbst findet und sich als Ausgestoßener unter anderen Menschen fühlt. Der Mensch zieht den Tod vor, anstatt die moralischen Grundlagen des Lebens mit Füßen zu treten. Von V. Bykov: Rybak und Sotnikov. Der Fischer geht von der ersten Minute an Kompromisse ein, Sotnikow bleibt ein moralisches Wesen, geht zum Galgen und blickt mit einem Lächeln auf die Welt. Der Optimismus der Tragödie: Ein Mensch wählt sein moralisches Wesen frei, ein Leben danach erweist sich als unmöglich. Die Tragödie der Liebe – ein Mensch, der die Liebe gefunden hat, kann ohne sie nicht mehr existieren, nicht ohne seinen geliebten Menschen leben. Freiheit – ein Mensch ist im Wesentlichen frei, der Verlust der Freiheit ist eine kolossale Tragödie. Alles in allem lässt sich dies in einem weiteren Wert zusammenfassen – dem Sinn des Lebens. Wo es nicht da ist, ist das Leben absurd. Laut A. Camus ist die Welt für den Menschen bedeutungslos und daher ist die Hauptfrage des Lebens die Frage des Selbstmordes.

Der Sinn des Lebens ist das Letzte, Intime, das uns mit der Existenz verbindet. Dann, wenn es existiert, ist das Leben lebenswert. Die Situation, die Möglichkeit zu verlieren, mit einer anderen Person zu kommunizieren, ist auch ein Verlust des Sinns des Lebens, der in den Filmen von M. Antonioni treffend zum Ausdruck kommt.

Dies ist die erste Ebene der Tragödie – der Verlust. Aber was wichtig ist, ist die unvermeidliche, natürliche Natur, das verborgene Wesen dieser Verluste. Wenn der Verlust zufällig ist, gibt es keine Tragödie. Schicksal und Schicksal verkörpern für die Griechen die Unvermeidlichkeit des Verlustes. Warum ist das so? Ein Mensch versucht, Erfahrungen aus dem Leben, in dem er lebt, zu extrahieren. Zufälligkeit ist etwas, das man weder steuern noch vorhersagen kann. In dem, was für einen Menschen tragisch ist, offenbart sich die Wahrheit des Lebens, und das ist es, was wir unweigerlich nicht nur entdecken, sondern auch verlieren. Durch das Tragische werden wir mit den tiefen Gesetzen der Existenz in Einklang gebracht. Der Zufall ist variabel, das Muster ist stabil. Das Tragische führt zum Verlust des Kostbarsten, was wir haben. Warum ist Ödipus der König eine Tragödie? Ödipus tötete seinen Vater und heiratete seine eigene Mutter und verletzte damit zwei grundlegende Lebensmuster, zwei Werte, auf denen der archaische Kosmos der Antike beruht; begeht Mord an einem Verwandten und Inzest, und dann beginnen andere Muster zu wirken. Hier sehen wir nicht nur den objektiven Inhalt, sondern wir gehen der Sache auf den Grund, begreifen die Wahrheit, erleben und überwinden den Konflikt. Diese Tragödie hat die Zuschauer schon immer beunruhigt.

Die Kunst der Tragödie als Genre unterscheidet sich vom Melodram: Melodram ist alles zufällig, alle Ereignisse sind umkehrbar (ersetzbar), der Triumph der Bösewichte ist vorübergehend, die Tragödie ist nichts Zufälliges, alles ist natürlich, der Tod ist unvermeidlich. Das Melodram bringt uns spirituell wenig; die Tragödie ist eine tiefe Erfahrung. A. Bonnard argumentierte, dass tragische Tränen zu weinen bedeutet, zu verstehen, dass es nicht anders sein kann – das ist die Wahrheit, die uns die Tragödie offenbart. Symbolisch bedeutsames Schicksal zieht sich durch die gesamte Menschheitsgeschichte. Die ganze Tragödie drückt sich in einigen Symbolen aus. Dostojewskis Kinderträne ist ein ästhetisches Symbol der Tragödie.

Schließlich verstehen wir das Tragische Ursache des Verlustes. Die Gründe für das Tragische: die Widersprüche der menschlichen Existenz, Widersprüche, die nicht friedlich gelöst werden können, sie werden auch Antagonismen genannt. Solange es in der Welt Feindseligkeiten gibt, wird die Welt in einer Tragödie leben. Und oft drücken Antagonismen das wahre Wesen menschlicher Beziehungen aus, und wenn es viele davon gibt, dann gibt es eine tragische Kultur und ein tragisches Leben. Van Goghs Gemälde ist die Verkörperung einer tragischen Weltanschauung, eines Bewusstseins, das in unlösbarem Antagonismus lebt, in dem das Leben die Abwesenheit der wesentlichsten Werte ist, das Leben seiner Bestandteile – Hoffnung, Sinn, Liebe. Van Gogh liebte die Menschen und hatte zu seinen Lebzeiten keine Anerkennung. „Nachtcafé in Arles“ – eine Atmosphäre, in der man verrückt werden kann.

Welche Antagonismen liegen dem Tragischen zugrunde? Erstens – Mensch – Natur: der ewige Kampf des Menschen mit der Natur. Der Mensch gerät in einen Kampf mit Elementen, mit denen man sich nicht einigen kann, und die Natur zerquetscht den Menschen.

Zweitens der Antagonismus des Menschen mit seiner eigenen Natur, und dieser Antagonismus kann nicht beseitigt werden: die Unendlichkeit des spirituellen Wesens des Menschen, die subjektive Unsterblichkeit des Menschen, die in unversöhnliche Widersprüche mit dem menschlichen Körper, seiner Sterblichkeit und biologischen Einschränkungen gerät. Angst vor dem Tod und Durst, den Tod zu überwinden. Voraussetzung für ein normales Leben ist die Freiheit von der Angst vor dem Tod, die durch unglaubliche spirituelle Anstrengungen erreicht werden muss. Religiöses Bewusstsein hilft dem Gläubigen durch die Idee der Unsterblichkeit der Seele, diese Angst loszuwerden. Jeder Mensch trägt einen tragischen Widerspruch in sich und das Leben eines jeden Menschen ist tragisch.

Drittens, soziale Antagonismen: Die Dynamik des menschlichen Lebens bestimmt soziale Antagonismen. Die soziale Welt ist auf unversöhnlichen Widersprüchen aufgebaut: Völkerkriege um Territorien, Konflikte zwischen Klassen, Clans, Gruppen, Weltanschauungen. Der Widerspruch zwischen Gesellschaft und Individuum ist jedes Mal ein Eingriff in die individuelle Freiheit. Manchmal nimmt dieser Konflikt banalere Formen an, ist aber nicht weniger tragisch: Die Umwelt verschlingt einen Menschen, verbrennt ihn. Doch Konflikte liegen in der menschlichen Persönlichkeit selbst, die in verschiedenen Kulturen unterschiedlich interpretiert wird. In der Kultur des Klassizismus, in der Pflicht ein Gefühl, eine soziale Norm und ein persönlicher Wunsch ist, stirbt Phaedra, weil sie ihre Pflicht nicht erfüllen kann. Ein Mensch muss zwischen zwei Seiten seiner eigenen Persönlichkeit wählen: Fühlen ist eine Pflicht, und das ist unendlich schwer. Bertolucci „Letzter Tango in Paris“ Der Mensch lernt nicht nur durch die Analyse von Mustern, sondern auch durch die Übung, natürliche Widersprüche zu überwinden. Das Schicksal und der Mann, der sich dem Schicksal widersetzt, ist die allererste Konfrontation in der griechischen Tragödie. Unterschiedliche Grade der Unfreiheit gegenüber dem Schicksal: Der Mensch ist zunächst ein Spielzeug in der Hand des Schicksals. Tragische Schuld ist der Ausdruck maximaler menschlicher Freiheit in einer tragischen Situation. Ein Mensch, der sich der Unvermeidlichkeit seines Todes bewusst ist, wählt seinen Tod frei und verantwortungsbewusst. Andernfalls wird es eine Ablehnung Ihres Schicksals sein. Carmen kann nicht lügen, Freiheit ist ihr wichtiger als Lügen. Carmen bekräftigt mit ihrem Tod Freiheit und Liebe. Sie trägt die Schuld an ihrem Tod, es ist eine tragische Schuld. Aber sie kann weder die Liebe noch die Freiheit aufgeben.

Warum müssen Menschen das Tragische in der Kunst nachbilden und wahrnehmen? Dabei handelt es sich um einen komplexen Prozess, bei dem das Rationale mit dem Emotionalen, das Unbewusste mit dem Bewussten verbunden wird. Die Logik der Wahrnehmung des Tragischen: beginnt mit dem Eintauchen in den Abgrund des Grauens, der Angst und des Leidens. Das ist Schock, Dunkelheit, fast verrückt. Aristoteles sagt: Tragödie in der Einheit von Gefühlen der Angst und des Mitgefühls erleben. Plötzlich erscheint Licht in der Dunkelheit: Hier sind ein heller Geist und ein guter Wille im Leben eines Menschen von enormer Bedeutung. Auf der Erfahrungsebene gibt es einen fast mystischen Übergang von Schwäche zu Stärke, von einer Sackgasse zur Morgendämmerung. Die Dunkelheit verlässt die Seele, wir beginnen ein Gefühl zu erleben, das man nicht erleben kann. Die Griechen nannten diese Transformation Katharsis, die Reinigung der Seele. Deshalb gibt es das Tragische.

Wichtige Momente in der Wahrnehmung und Erfahrung des Tragischen: Im Schrecken entsteht Mitleid, ich werde anders, ich erhebe mich zum Leiden eines anderen, ich erhebe mich bereits darin. Zweitens gelangen wir zu einem Verständnis dessen, was geschieht, und dies ist auch ein Ausweg aus der Situation. Wir verstehen nicht nur die Unvermeidlichkeit von Verlusten, sondern auch deren Ausmaß und die Bedeutung der verlorenen Werte. Wir wollen lieben wie Romeo und Julia usw. Es gibt eine Einführung in Grundwerte auf der tiefsten Ebene. Diese Werte entschädigen uns für unser Verständnis für die Ausweglosigkeit der Lage. Laut A. Gramsci führt der Pessimismus des Geistes zu Optimismus des Willens. Und dies ist der Moment der wahren Erhebung des Menschen: Ich bestehe auf Freiheit, Liebe. Wahrhaft menschliche Prinzipien triumphieren im Menschen, geben ihre Positionen nicht auf und leben weiter. Beethoven: Das Leben ist eine Tragödie, Hurra! Für die Person selbst ist dies jedes Mal eine Aussage der Person. Mut als innere Stärke, Treue zu etwas, Lebenswille, die Verbundenheit eines Menschen mit dem Leben und seinen Werten werden im Tragischen jedes Mal bekräftigt. Deshalb ist das Tragische in der normalen menschlichen Kultur unausrottbar und notwendig.

4. Comic: Wesen, Struktur und Funktionen

Es gibt einige Elemente struktureller Ähnlichkeit zwischen dem Tragischen und dem Komischen: Auch im Komischen liegt ein gewisser Widerspruch zugrunde; im Tragischen und Komischen - der Verlust von Werten, aber im Komischen - andere. Der verallgemeinerte Ausdruck des Tragischen sind reinigende Tränen, das Komische ist Lachen.

Oft wird das Komische mit dem Komischen gleichgesetzt. Es ist jedoch wichtig, sich daran zu erinnern, dass Komödie nicht dasselbe ist wie Lachen; Lachen hat unterschiedliche Ursachen. Lachen ist in Comics eine Reaktion auf bestimmte Inhalte.

In gewissem Sinne ist die gesamte Geschichte der Menschheit eine Geschichte des Lachens, aber auch eine Geschichte des Verlustes. Betrachten wir den Comic: Was ist Comic, welche Funktionen und Struktur hat es?

In der Gesellschaft besteht die Notwendigkeit, das, was seine Daseinsberechtigung verloren hat, geistig zu überwinden. In der Welt der menschlichen Werte tauchen falsche Werte oder Pseudowerte, Antiwerte auf, die objektiv als Hindernis für die soziokulturelle Existenz eines Menschen wirken. Der Comic ist eine Möglichkeit, Werte neu zu bewerten, eine Gelegenheit, die Toten von den Lebenden zu trennen und zu begraben, was bereits überholt ist. Doch je weniger ein Phänomen das Existenzrecht hat, desto mehr Ansprüche hat es auf seine Existenz. Die Aufdeckung von Pseudowerten wird durch eine Lachreaktion erreicht. Gogol: Von den Warnungen bis zu den Schauspielern für „Der Generalinspekteur“: Wer vor nichts Angst hat, hat Angst vor Spott.

Schon in alten Kulturen gab es einen Mechanismus für rituelles Lachen. Der Sinn des Comics liegt in der Demütigung und damit in der Aufwertung bestimmter gesellschaftlicher Werte. Es ist kein Zufall, dass es vor gesellschaftlichen Umbrüchen zu einer Explosion komischer Kreativität kommt. Lachen entlarvt veraltete Werte und entzieht ihnen die Ehrfurcht. Der mittelalterliche Karneval hatte die Funktion, den Wert der königlichen Macht und die Unbedingtheit der kirchlichen Institutionen anzuzweifeln, und dies war eine Reserve für die Entwicklung. Hier gibt es einen Mechanismus zur Werteumkehr, der zu einer Veränderung der Proportionen der Weltanschauung beiträgt. In grotesker Lächerlichkeit wurden körperliche Hemmungen aufgehoben, ein Fest des Fleisches gefeiert, was zu seiner furchtlosen Aufwertung beitrug. Der Ursprung des russischen Fluchens liegt in seinem karnevalistischen Charakter. Die Verwendung dieses Vokabulars als Norm in der gegenwärtigen Übergangs- und Krisenphase für Russland ist zumindest unangemessen oder vielmehr destruktiv, wenn alte Werte bereits abgelehnt wurden und neue noch nicht umgesetzt wurden .

Aber in der Komödie läuft nicht alles auf Negation hinaus. Neben der Verneinung findet auch eine Affirmation statt, nämlich die Freiheit des menschlichen Geistes. Lachend und spielend verteidigt ein Mensch seine Freiheit, die Fähigkeit, alle Grenzen zu überwinden. Bei Marx: Die Menschheit trennt sich lachend von ihrer Vergangenheit. Der Komismus ist eine Bekräftigung schöpferischer Kräfte, Neuheiten und Ideale, denn die Leugnung falscher Werte erfolgt mit der Dominanz des positiven Prinzips. Aber es kann das obszöne Lachen eines seelenlosen Menschen geben, der keine Ideale hat, also durch ein Schlüsselloch späht, und Lachen, das einfach durch die Manifestation von Körperlichkeit verursacht wird: vulgäre Witze und zynisches Lachen – über alles, auch über heilige Dinge, aus der Position des Leugnens alles und jeden, und in Bezug auf geliebte Aspekte im Leben anderer Menschen.

Bei der Festlegung der Struktur des Comics ist zu beachten, dass dies der einzige ästhetische Wert ist, bei dem das Subjekt nicht nur Empfänger, Empfänger von Informationen ist; im Comic ist die schöpferische Rolle des Subjekts selbst gefragt. Im Komischen bedarf es keiner gewissen Distanz; das Subjekt muss diese durch das Anprobieren einer komischen Maske zerstören und in ein freies, spielerisches Verhältnis zur Realität eintreten. Wenn das klappt, entsteht etwas Komisches.

Comics entstehen, wenn das Objekt widersprüchlich ist. Um es lustig zu machen, muss sich in der Inkongruenz des Objekts ein gewisser Antiwert manifestieren. In der Ästhetik nennt man das Comic Inkonsistenz. Zunächst besteht eine interne Diskrepanz im Objekt. Im Lichte des Ideals wird die Inkongruenz absurd, absurd, komisch, aufschlussreich. Voraussetzung für eine komische Haltung ist die geistige Freiheit eines Menschen, dann ist er lächerlich.

Die komische Inkongruenz ist eine Existenzform des Komischen, ebenso wie der tragische Konflikt eine Existenzform des Tragischen ist. . Daher zwei miteinander verbundene Fähigkeiten des Subjekts: Witz- Fähigkeit, komische Inkongruenzen zu erzeugen; Verbindung des Unvereinbaren (im Garten gibt es einen Holunder und in Kiew gibt es einen Kerl; schieße Spatzen aus einer Kanone). Hier besteht eine Diskrepanz zwischen Wesen und Erscheinung, Form und Inhalt, Plan und Ergebnis. Dadurch entsteht ein gewisses Paradoxon, das die Seltsamkeit dieses Phänomens offenbart. Der komische Effekt entsteht immer nach dem Prinzip der Metapher, wie im Kinderwitz: Ein Elefant beschmiert sich mit Mehl, betrachtet sich im Spiegel und sagt: „Das ist ein Knödel!“

Die zweite Fähigkeit des Subjekts, die die Facette des ästhetischen Geschmacks bestimmt, ist die Fähigkeit, komische Inkongruenzen intuitiv zu spüren und darauf mit Lachen zu reagieren – Humor. Wenn der Witz erklärt wird, verliert er alles. Es ist unmöglich, das Komische zu erklären; das Komische wird sofort und vollständig erfasst. Ein wesentliches Merkmal ist die Intellektualität des Komischen als Notwendigkeit, geistige Schärfe zu demonstrieren; Für Narren existiert das Komische nicht; es wird nicht von ihnen definiert. Eine häufige Form der Identifizierung komischer Inkongruenzen, bei der es um geistige Schärfe geht, ist der Gegensatz zwischen Bedeutung und Ausdrucksform. In der Literatur zum Beispiel in Tschechows „Notizbüchern“: eine deutsche Frau – mein Mann ist ein großer Liebhaber der Jagd; Küster in einem Brief an seine Frau im Dorf - Ich schicke Ihnen ein Pfund Kaviar, um Ihre körperlichen Bedürfnisse zu befriedigen. Dort bei Tschechow: Der Charakter ist so unentwickelt, dass man kaum glauben kann, dass er an der Universität war; ein kleiner, winziger Schuljunge namens Trachtenbauer.

Wenden wir uns den Modifikationen des Komischen zu, und dabei handelt es sich zunächst einmal um Modifikationen objektiver Natur:

1. Reine oder formale Komödie. Das Erhabene oder das Tragische kann nicht formal sein. Schön, wie wir gesehen haben, ist vielleicht die Form der Schönheit an sich wertvoll. Die formelle Komödie, ohne den geringsten kritischen Inhalt, ist ein Wortspiel, ein Witz, ein Wortspiel. In S. Mikhalkovs Gedicht über einen zerstreuten Helden: „Anstelle eines Hutes setzte er beim Gehen eine Bratpfanne auf.“ Formale Komödie ist ein Paradoxon reiner Form, ein ästhetisches Gedankenspiel, das die „technologische“ Grundlage nachfolgender Formen der Komödie bildet. In diesem Fall lachen sie nicht über etwas, sondern zusammen mit etwas. Auf dieser Grundlage entsteht eine sinnvolle Komödie.

2. Humor- eine der Modifikationen des bedeutungsvollen Comics und nicht nur ein Gefühl. Humor ist eine Komödie, die auf das Phänomen von etwas Positivem in seinem Wesen abzielt: Das Phänomen ist so gut, dass wir nicht versuchen, es durch Lachen zu zerstören, aber nichts kann ideal sein, und Humor enthüllt einige der Widersprüche dieses Phänomens. Humor ist im Kern sanftes, freundliches und mitfühlendes Lachen. Er fügt dem Phänomen Menschlichkeit hinzu, und gegenüber Freunden ist nur Humor möglich. Ein alter Witz aus einer Reihe von Antworten Gottes auf die Ansprüche derer, die nach dem Tod nicht im Himmel, sondern in der Hölle landeten: auf die Bitte des Priesters einer Landgemeinde, der statt eines Nachtschwärmers und Trunkenbolds in der Hölle landete , ein örtlicher Busfahrer, der im Himmel landete, um das begangene Unrecht wiedergutzumachen: Die Antwort ist alles zu Recht, denn als Sie im Tempel ein Gebet vorlasen, schlief Ihre ganze Herde, als dieser Trunkenbold und Nachtschwärmer seinen Bus fuhr - Alle seine Passagiere beteten zu Gott!

3. Satire- Dies ist eine Ergänzung zum Humor, zielt jedoch auf Phänomene ab, die im Wesentlichen negativ sind. Satire drückt eine Haltung gegenüber einem Phänomen aus, das für den Menschen grundsätzlich inakzeptabel ist. Satirisches Lachen ist hartes, böses, aufschlussreiches, destruktives Lachen. In der Kunst sind Satire und Humor untrennbar miteinander verbunden, das eine geht unmerklich in das andere über – wie in den Werken von Ilf und Petrov, Hoffmann. Wenn wir über Zeiten der Krise und der Grausamkeit sprechen, treten die Zeiten des Humors zurück und die Zeiten der Satire intensivieren sich.

4. Grotesk- Komische Inkongruenz in fantastischer Form. Gogols Nase verlässt ihren Besitzer. Das Ausmaß des Lasters gilt als grotesk. Die Groteske basiert auf einer Übertreibung des Lasters und seiner Überführung in kosmische Ausmaße. Das Groteske hat zwei Seiten: eine spöttische Seite, eine spöttische Seite und eine spielerische Seite. Die Extreme des Lebens verursachen nicht nur Entsetzen, sondern auch Freude.

Ironie und Sarkasmus- zwei weitere Kategorien des Komischen, subjektive Modifikationen, die eine bestimmte Art von Position bezeichnen, Merkmale der komischen Haltung. Ironie ist eine Komödie, in der das Subjekt involviert ist, deren Bedeutung jedoch durch das Subjekt selbst verschleiert wird. Ironie hat zwei Ebenen – eine textuelle und eine subtextuelle. Der Subtext scheint den Text zu leugnen und mit ihm eine widersprüchliche Einheit zu bilden. Ironie erfordert auch Intelligenz. Ironie ist versteckte Komödie, Blasphemie unter dem Deckmantel des Lobes.

Pure Komödie, Humor, Satire, Groteske – das ist komisch, wie es wächst.

Sarkasmus ist das Gegenteil von Ironie. Es ist offen Emotionaler Ausdruck Beziehungen und empörtes Pathos, wütende Intonation, die eine empörte Protestposition ausdrückt.

Zusammenfassend ist festzuhalten, dass die Entstehung ästhetischer Werte zutiefst natürlich und notwendig ist, sie intern miteinander verbunden sind und ein System bilden, das eine bestimmte soziokulturelle Situation konkretisiert. Alle ästhetischen Werte sind eine veränderte Ausdrucksform eines Menschen und der Welt seiner Werte. Unser ganzes Leben ist ein Versuch, unsere eigene Welt zu erschaffen und durch ihre Gestaltung Befriedigung zu erlangen. Doch in Wirklichkeit ist es vielschichtig und wird unter anderem durch die ästhetischen Werte des Schönen, des Erhabenen, des Tragischen und des Komischen beschrieben.

Schön- eine Situation der Harmonie eines Menschen mit seiner Wertewelt, die Zone, die einem Menschen zugänglich ist, eine Zone der Freiheit und Verhältnismäßigkeit.

Sublimieren- eine grundlegend andere Wendung des existenziellen Kreises - der Kampf um neue Werte, der Wunsch, sich spirituell zu erweitern, sich auf einer neuen Ebene zu etablieren. Aber hier steht der Mensch nicht nur an der Grenze von Erwerb und Wachstum, sondern auch an der Unvermeidlichkeit des Wertverlusts, der Verkleinerung der menschlichen Welt, und dies ist bereits ein Übergang zu einem anderen ästhetischen Wert:

Tragisch, was die Unvermeidlichkeit des Verlusts grundlegender Werte für eine Person zum Ausdruck bringt, wenn der Sieg des Lebens stattfindet, jedoch in einem begrenzten Bereich.

Comic- der Antipode des Tragischen. Wir kämpfen frei für neue Werte und geben die Lebenswelt freiwillig auf. Das Komische ist die große Ordnung der Kultur.

An den Grenzen gibt es Symbiosen: erhaben-schön (schön, ins Unendliche reichend), tragikomisch – komisch in der Form, tragisch im Wesentlichen, Lachen durch Tränen (Don Quijote, Helden von Charles Chaplin; Unvollkommenheiten der äußeren Ordnung fallen nicht mit Unvollkommenheit zusammen im Grunde kann ein leidender Mensch auch lustig sein).

Diese vier Werte beschreiben den Kreislauf eines Menschen in seinem Wertedasein. Ästhetisches Bewusstsein, das nicht rationaler Natur ist, bewahrt die Orientierung eines Menschen in wichtigen Lebenssituationen, und zwar in dieser ideologische Bedeutung ästhetischer Werte.

Kontrollfragen

1. Was sind die objektiven Grundlagen der Schönheit?
2. Was drückt sich in der Kategorie „schön“ aus?
3. Was ist formale Schönheit?
4. Was ist schöne Natur?
5. Was für einen Menschen nennen wir schön?
6. Was sind die wesentlichen Zeichen des Erhabenen?
7. Warum ist groß nicht erhaben?
8. Was ist das Besondere daran, das Erhabene zu erleben?
9. Was sind die objektiven Grundlagen des Tragischen?
10. Was ist der Kern der tragischen Situation?
11. Was sind die Merkmale der Erfahrung des Tragischen?
12. Was ist der Unterschied zwischen Tragödie und Lebenstragödie?
13. Was ist die Essenz des Comics?
14. Ist alles komisch, was dich zum Lachen bringt? Warum?
15. Was ist die Grundlage für die Einteilung ästhetischer Kategorien?
16. Geben Sie ein Beispiel für das Zusammenspiel ästhetischer Werte.

Literatur

• Bychkov V.V. Ästhetik: Lehrbuch. M.: Gardariki, 2009. - 556 S.
• Kagan M.S. Ästhetik als philosophische Wissenschaft. St. Petersburg, TK Petropolis LLP, 1997. - S.544.

Ästhetische Werte

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Thema des Artikels:	Ästhetische Werte
Rubrik (thematische Kategorie)	Kultur

Ästhetische Werte - ϶ᴛᴏ spirituelle Werte, die mit dem Erkennen, Erleben und Schaffen von Schönheit und Harmonie verbunden sind. Ästhetische Werte sind mit der Fähigkeit einer Person verbunden, tiefe, starke und lebendige emotionale Erfahrungen zu machen und viele Schattierungen von Stimmungen und Gefühlen wahrzunehmen. Der Begriff „Ästhetik“ selbst kommt vom griechischen Wort „aesthesis“ und bedeutet Sinneswahrnehmung. Die Ästhetik als besondere philosophische Wissenschaft untersucht detailliert das Wesen und die Besonderheit ästhetischer Werte.

Schönheit Und Harmonie – grundlegende ästhetische Werte. Οʜᴎ äußern sich im Bedürfnis einer Person, ihre Beziehung zur Welt, zu anderen Menschen und zu sich selbst zu identifizieren, Harmonie aufrechtzuerhalten und eine universelle Harmonisierung zu erreichen.

Zu den ästhetischen Grundwerten zählen auch Schön , sublimieren , tragisch Und Comic . Schön Es ist besonders ausdrucksstark; Harmonie kommt in der Schönheit am deutlichsten zum Ausdruck. Schönheit ist von Natur aus menschlich, ᴛ.ᴇ. ist eng mit humanistischen Werten wie Leben, Freiheit, Güte, Liebe verbunden. Das ist kein Zufall antike Mythologie Schönheit und Liebe wurden im Bild derselben Göttin vereint – Aphrodite (Venus). Schönheit ist an sich attraktiv und wertvoll; in der Schönheit ist der Mensch weltoffen, er ist bereit, Schönheit anzunehmen und ihr zu vertrauen.

Sublimieren führt den Menschen über die Grenzen des Bestehenden, über die Grenzen des Beherrschbaren und Erreichbaren hinaus, lockt in die Unendlichkeit, führt ihn zum Höchsten, Geheimnisvollen, Ewigen. Es erhebt einen Menschen über die Welt des Alltags, des Alltags, der eitlen Kleinigkeiten, der Langeweile und Langeweile. Der Abgrund des Ozeans und der bodenlose Himmel, majestätische Berggipfel und sternenklare Weiten, Heldentaten und Manifestationen menschlichen Genies – all das sind die Gesichter des Erhabenen.

Tragisch– eine Kategorie, die eine Verletzung von Harmonie, Krise, Tod, Feindseligkeit, Konflikt erfasst. Die Menschheitsgeschichte ist voller tragischer Ereignisse – Kriege und Revolutionen, irreparable Verluste und enttäuschte Hoffnungen. Das Tragische entsteht, wenn ein Mensch mit unkontrollierbaren Kräften und Naturgewalten wie Sturm, Feuer, Überschwemmung und vielem mehr zusammenstößt. Der Kampf zwischen Wissen und Glauben, Gefühl und Pflicht, Gut und Böse entfaltet sich auf tragische Weise in der Seele und im Bewusstsein eines Menschen. Das menschliche Leben ist grundsätzlich tragisch, weil es unweigerlich mit dem Tod endet. Die Wahrnehmung einer Tragödie ist mit der Wirkung verbunden Katharsis. Katharsis – Reinigung durch Leiden, starker emotionaler Schock, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ temperiert einen Menschen, flößt ihm Mut und Stärke ein. Es ist wie ein Schmelzen negative Emotionen ins Positive. Wenn wir etwas Tragisches wahrnehmen, empfinden wir Schmerz, Trauer und Angst. Aber es geschieht ein Wunder der Seelenreinigung. Mitgefühl, Empathie und die Überwindung des eigenen Egoismus führen zu Einsicht und Erleuchtung. Ohne diesen Effekt wird die Gefühlswelt des Einzelnen geschädigt. Die harte Schule des Tragischen ist eine Schule der Neubewertung von Werten, der Messung menschlicher Beziehungen und Handlungen.

Gleichzeitig kann im Formular eine Neubewertung von Werten vorgenommen werden Comic . Die Natur des Komischen besteht darin, das wahre Wesen des Unbedeutenden, Mitleidigen, Leeren zu enthüllen, das sich hinter der Maske von Wichtigkeit und Größe verbirgt. Ein häufiger Begleiter des Comics ist das Lachen. Eine Person wird der übermäßigen Ernsthaftigkeit und des Friedens müde. Die komischen Möglichkeiten sind vielfältig: Ironie, Humor, Sarkasmus; Satire, Parodie, Witz usw. Die Fähigkeit, sich selbst mit Humor zu begegnen, ist der erste Schritt zur Überwindung von Defiziten.

Es ist notwendig, die Existenz zweier weiterer Arten spiritueller Werte zu erwähnen. Sie sind diejenigen, die die Synthese und Kombination von Weltanschauung, moralischen und ästhetischen Werten vollziehen. Das sind Werte religiös und Werte künstlerisch , die der Kunst zugrunde liegen. Die Religionsphilosophie untersucht religiöse Werte. Die theoretische Analyse von Kunst und künstlerischen Werten wird von einer Disziplin wie den Kulturwissenschaften durchgeführt.

Darüber hinaus offenbart sich der Inhalt des Begriffs „Spiritualität“ im Verständnis ideologischer, moralischer und ästhetischer spiritueller Werte. In Wirklichkeit bilden diese Werte im Leben eines Menschen und der Menschheit eine unauflösliche Einheit, sind ineinander verflochten und interagieren miteinander.

Ästhetische Werte – Konzept und Typen. Einordnung und Merkmale der Kategorie „Ästhetische Werte“ 2017, 2018.

- Ästhetische Werte und ihre Rolle im menschlichen Leben.

Das Wort „Ästhetik“ kommt vom griechischen aisthetikos – Gefühl, sinnlich. Der Bereich der praktischen Anwendung der Ästhetik ist die künstlerische Tätigkeit, deren Produkte – Kunstwerke – einer Bewertung hinsichtlich ihres ästhetischen Wertes unterliegen. Im Gange... .

- Ästhetik als Zweig der Philosophie. Ästhetische Werte und ihre Rolle im menschlichen Leben. Religiöse Werte und Gewissensfreiheit. Religionsphilosophie.

Ästhetik ist die Wissenschaft von der sinnlichen Einstellung des Menschen zur Welt und den Methoden seiner spirituellen und praktischen Entwicklung. Die Universalität der ästhetischen Einstellung und der ästhetischen Erfahrungssphäre: Natur, Kultur, Gesellschaft, Mensch. Die Dreieinigkeit des Subjekts der Ästhetik: Subjekt - Objekt -... [weiterlesen] .

Der Begriff „Ästhetik“ (vom griechischen Wort „aisthetikos“ – bezogen auf Sinneswahrnehmung) wurde im 18. Jahrhundert vom deutschen Philosophen A. Baumgarten eingeführt. Er bestimmte auch den Platz dieser Wissenschaft im System der Philosophie. Er glaubt, dass Ästhetik die unterste Ebene der Erkenntnistheorie ist, der Wissenschaft des Sinneswissens, deren perfekte Form die Schönheit ist. Sein Zeitgenosse I. Kant sieht in der Ästhetik die Propädeutik aller Philosophie. Das bedeutet, dass das systematische Studium der Philosophie mit der Theorie der Schönheit beginnen sollte, dann werden Güte und Wahrheit vollständiger offenbart. Wenn für Baumgarten der zweite Grundkategorie ist Kunst, dann wandte sich Kant der Ästhetik zu und ging nicht von den Problemen der Kunst, sondern von den Bedürfnissen der Philosophie aus. Kants Verdienst liegt gerade darin, dass er den Geist der Dialektik in die Ästhetik eingeführt hat. Die Definition von „Ästhetik“ ist seit dem 18. Jahrhundert fest in der philosophischen Terminologie verankert. Man beginnt, sie als eine Wissenschaft zu verstehen, die sich mit den Problemen der „Philosophie der Schönheit“ oder der „Philosophie der Kunst“ beschäftigt. In dieser Hinsicht wurde es von Hegel und später von F. Schiller und F. Schelling wahrgenommen.

Die Geschichte der Ästhetik reicht Jahrtausende zurück. Es entstand viel früher, als der Begriff Ästhetik selbst auftauchte. Ästhetische Erfahrung als eine Reihe nicht-utilitaristischer Beziehungen zur Realität ist dem Menschen seit der Antike innewohnend und fand ihren ersten Ausdruck in der protoästhetischen Praxis des archaischen Menschen. Die ursprüngliche protoästhetische Erfahrung verschmolz mit der protoreligiösen heiligen Erfahrung.

Die ersten Erwähnungen der Entstehung ästhetischer Praktiken und Fähigkeiten reichen tief in die Menschheitsgeschichte zurück. Dabei handelt es sich um Felsmalereien in Höhlen von Naturvölkern und um den Inhalt von Mythen zwischen ihnen verschiedene Nationen Frieden.

Wir können zwei Hauptarten der historischen Existenz der Ästhetik unterscheiden: explizit und implizit. Die erste umfasst die philosophische Disziplin der Ästhetik selbst, die sich erst Mitte des 18. Jahrhunderts als eigenständige Wissenschaft selbst definierte. Implizite Ästhetik hat ihre Wurzeln in der Antike und stellt ein freies, unsystematisches Verständnis ästhetischer Erfahrung innerhalb anderer Disziplinen (in der Philosophie, Rhetorik, Philologie, Theologie usw.) dar. Implizite Ästhetik existierte (und existiert auch heute noch) in der gesamten Geschichte der Ästhetik, aber es offenbart sich erst mit der spätmodernen europäischen Periode, im Prozess des Dialogs mit ihr durch explizite Ästhetik. Herkömmlicherweise werden darin drei Stufen unterschieden (protowissenschaftlich (vor der Mitte des 18. Jahrhunderts), klassisch (Mitte des 18. – Anfang des 20. Jahrhunderts) und nichtklassisch (von F. Nietzsche proklamiert, die ihre Reise aber erst in der begann zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts).

Im europäischen Raum brachte die protowissenschaftliche Ästhetik die bedeutendsten Ergebnisse in der Antike, im Mittelalter, in der Renaissance und innerhalb künstlerischer und ästhetischer Strömungen wie Klassizismus und Barock. In der Klassik entwickelte es sich besonders fruchtbar in den Richtungen Romantik, Realismus und Symbolismus. Die nichtklassische Ästhetik, deren Grundlage die Neubewertung aller Werte der traditionellen Kultur war, drängte die theoretische (explizite) Ästhetik in den Hintergrund. Ästhetisches Wissen entwickelte sich im 20. Jahrhundert am aktivsten in anderen Wissenschaften (Philosophie, Philologie, Linguistik, Psychologie, Soziologie, Kunstgeschichte, Semiotik usw.). Die Identifizierung impliziter Ästhetik ist mit gewissen methodischen Schwierigkeiten verbunden, da wir unter Berufung auf antike Primärquellen versuchen, in ihnen Vorstellungen zum Thema Ästhetik zu finden, die zu diesem Zeitpunkt noch nicht existierten. Laut V.V. Bychkov: „Diese Schwierigkeit besteht, aber sie hängt nicht nur damit zusammen, dass die Antike die Wissenschaft der Ästhetik auf der Ebene der „Rationalität“ nicht kannte, denn schon damals gab es eine ästhetische Realität, die später eine besondere Wissenschaft hervorbrachte für sein Studium. Im 20. Jahrhundert Dieses Problem wurde von G. Gadamer gelöst und überzeugend gezeigt, dass bei der Interpretation eines traditionellen Textes durch einen modernen Forscher ein gleichberechtigter Dialog zwischen dem Text und dem Forscher stattfindet, auf den beide Dialogteilnehmer gleichermaßen Einfluss nehmen einander im Hinblick auf das Erreichen modernes Verständnis Problem zur Diskussion.“

Die Ästhetik untersucht das sensorische Wissen über die umgebende Realität und beschäftigt sich mit ihren verschiedenen Aspekten: Natur, Gesellschaft, Mensch und seine Aktivitäten in verschiedenen Lebensbereichen. Unter dem Gesichtspunkt des ästhetischen Wertes im Alltag bewerten wir schöne Blumen, majestätische Gebäude, hohe moralische Handlungen der Menschen, wunderbare Werke der künstlerischen Kultur. Die unterschiedlichen ästhetischen Einstellungen, die beim Menschen zum Alltag entstehen, lassen sich auf die allgemeine Definition von „Ästhetik“ zurückführen. Laut V. Bychkov, Ästhetik - Dies ist eine Wissenschaft philosophischer Natur, die sich mit einigen eher subtilen und schwer fassbaren Angelegenheiten auf rationaler Ebene befasst und gleichzeitig mehr als Wissenschaft im üblichen modernen europäischen Sinne des Wortes ist. Genauer gesagt handelt es sich hierbei um eine Art besonderes, spezifisches Seinserlebnis – Wissen, in dem ein Mensch, der sich gezielt darauf konzentriert, verweilen, eine Art nicht dauerhaftes, sondern vorübergehend unterbrechendes – Zeitsein haben kann, als ob sie für eine Weile darin versunken wäre, und dann wieder die Ebene des Alltagslebens erreichen – des gewöhnlichen Gebrauchslebens. Wie die Geschichte der Ästhetik zeigt, erwies sich die verbale Definition dieses Themas als problematisch. Dennoch ignorieren fast alle großen Philosophen die ästhetische Sphäre nicht. Die Ästhetik in ihren Werken war das letzte Glied des philosophischen Systems. Hegel schreibt dazu: „Ich bin davon überzeugt, dass der höchste Akt der Vernunft, der alle Ideen umfasst, ein ästhetischer Akt ist und dass Wahrheit und Güte nur in der Schönheit durch Familienbande vereint sind.“ Ein Philosoph muss wie ein Dichter eine ästhetische Begabung haben. Philosophie des Geistes ist ästhetische Philosophie.“

Aufgrund des grundsätzlich begrenzten Formalisierungsgrades des Faches Ästhetik und seiner Vielseitigkeit, die vom Forscher mindestens grundlegende Kenntnisse in den Bereichen Kunstgeschichte, Religion, Philosophie und fast allen Geisteswissenschaften sowie ein gesteigertes künstlerisches Niveau erfordert Trotz ihres ausgeprägten Sinns und hochentwickelten Geschmacks bleibt die Ästhetik in jeder Hinsicht die komplexeste, zeitaufwändigste, umstrittenste und am wenigsten geordnete aller Disziplinen.

Heute wie zur Zeit ihrer Entstehung liegt der Fokus der Ästhetik auf zwei Hauptphänomenen: der Gesamtheit aller als ästhetisch bezeichneten Phänomene, Prozesse und Zusammenhänge, d. h. die Ästhetik selbst als solche und die Kunst in ihren wesentlichen Grundlagen. In der klassischen Ästhetik wurden die bedeutendsten Begriffe und Kategorien berücksichtigt: ästhetisches Bewusstsein, ästhetische Erfahrung, ästhetische Kultur, Spiel, schön, hässlich, erhaben, tragisch, komisch, ideal, Katharsis, Vergnügen, Mimesis, Bild, Symbol, Zeichen, Ausdruck. Kreativität, Methode, Stil, Form und Inhalt, Genie, künstlerische Kreativität usw. Die nichtklassische Ästhetik, die sich im Einklang mit Freudianismus, Strukturalismus und Postmodernismus entwickelte, lenkte die Aufmerksamkeit auf Randprobleme und Kategorien (z. B. Absurdität, Schock, Gewalt, Sadismus, Entropie, Chaos, Körperlichkeit usw.). All dies zeugt von der Vielfalt des Themas Ästhetik.

Die Besonderheit der Ästhetik als Wissenschaft besteht darin, dass sie keine eigene empirische Grundlage hat, sondern Material aus anderen Wissenschaften nutzt. Tatsache ist, dass Ästhetik eine besondere Art von Wissenschaft ist und nicht nur Wissenschaft: In gewisser Weise fällt sie mit der Wissenschaft zusammen. Und in mancher Hinsicht geht es über seine Grenzen hinaus. Wenn wir über Ästhetik als Wissenschaft sprechen, dürfen wir ihre Originalität nicht vergessen. „Ästhetik ist die Wissenschaft vom historisch bedingten Wesen universeller menschlicher Werte, ihrer Entstehung, Wahrnehmung, Bewertung und Entwicklung.“ (Yu. Borev). Im Laufe der Entwicklung dieser Wissenschaft änderten sich die Ansichten über die Probleme der Ästhetik. So war es in der Antike: Teil der Philosophie und half bei der Gestaltung eines Weltbildes (Naturphilosophen); beschäftigte sich mit den Problemen der Poetik (Aristoteles), kam in engen Kontakt mit der Ethik (Sokrates). Im Mittelalter war sie einer der Zweige der Theologie. Während der Renaissance beschäftigte sie sich mit der Beziehung zwischen Natur und künstlerischer Tätigkeit. So wurden im Laufe vieler Jahrhunderte ästhetische Probleme im Rahmen des einen oder anderen philosophischen Systems gestellt. Tatsächlich ist es unmöglich, eine Epoche der Ästhetik zu nennen, in der ästhetische Fragen nicht mit Philosophie verbunden waren. Der moderne Forscher Bychkov V.V. schreibt: „Ästhetik ist die Wissenschaft der nicht-utilitaristischen Subjekt-Objekt-Beziehungen, durch die das Subjekt durch das Medium eines Objekts absolute persönliche Freiheit und Fülle des Seins erlangt, und ganz kurz: Ästhetik ist die Wissenschaft vom Harmonie des Menschen mit dem Universum.“

All dies bestätigt, dass die Ästhetik eine philosophische Wissenschaft ist, da sie in den Tiefen der Philosophie auftaucht, nämlich in ihren Abschnitten wie Erkenntnistheorie und Axiologie. Wenn die Philosophie die allgemeinsten Gesetze der Natur, der gesellschaftlichen Entwicklung und des Denkens untersucht, dann untersucht die Ästhetik die allgemeinsten Gesetze der Entwicklung der Kunst sowie das ästhetische Verhältnis des Menschen zur Welt. Auch nachdem die Ästhetik eine eigenständige Wissenschaft geworden ist, bezieht sie weiterhin methodische Grundprinzipien aus der Philosophie. Es interagiert auch: mit der Ethik, da Moral zum Wesen des ästhetischen Verhältnisses eines Menschen zur Realität gehört; ist eng mit der Psychologie verbunden, da die ästhetische Wahrnehmung der Realität sensorischer und emotionaler Natur ist; mit Pädagogik, Soziologie, Geschichte, Logik usw.

Ästhetik ist am engsten mit der Kunst verbunden und dient als Methodik für kunsthistorische Disziplinen. Kunst als Frucht künstlerischen Schaffens wird zum Forschungsgegenstand der ästhetischen Wissenschaft. Die Ästhetik untersucht das Verhältnis der Kunst zur Realität, die Widerspiegelung der Realität in der Kunst, das künstlerische Schaffen und enthüllt die Gesetze, die alle Arten von Kunst regeln. Auch neue Richtungen basieren auf den methodischen Grundlagen der Ästhetik, wie zum Beispiel: technische Ästhetik, Ästhetik des Alltags, Ästhetik des Verhaltens.

Ästhetik ist also die Wissenschaft vom Ästhetischen, dem Wesen und den Gesetzen der ästhetischen Erkenntnis und des ästhetischen menschlichen Handelns, die Wissenschaft von den allgemeinen Gesetzen der Entwicklung der Kunst.

Die Struktur des ästhetischen Wissens. Z.B. Jakowlew schreibt: „Die moderne Definition des Themas der theoretischen Ästhetik umfasst das Studium von: der objektiven Ästhetik, verstanden als die natürlich-soziale und objektive Grundlage des ästhetischen Bewusstseins und des ästhetischen Bedürfnisses; kreative und transformative Praxis des ästhetischen Subjekts, ausgedrückt durch ästhetische Aktivität und Bewusstsein sowie durch Theorie und ein Kategoriensystem; die allgemeinsten Muster künstlerischen Schaffens und der Kunst.“ Somit ist Ästhetik ein integrales System wissenschaftlicher Erkenntnisse und umfasst drei Hauptabschnitte:

• 1. über die Natur des Gegenstandes der ästhetischen Bewertung und die Arten des ästhetischen Wertes;
• 2. über die Natur des ästhetischen Bewusstseins und seine Formen;
• 3. über das Wesen ästhetischer Tätigkeit und ihre Arten.

Die Struktur ästhetischen Wissens setzt auch das Vorhandensein eines Systems ästhetischer Kategorien und Definitionen voraus. Betrachten wir die verschiedenen Prinzipien der Organisation des Systems ästhetischer Kategorien, das in der modernen russischen wissenschaftlichen Literatur existiert. So zum Beispiel M.S. Kagan glaubt, dass die Kategorie des ästhetischen Ideals (in ihrem axiologischen Aspekt) an die Spitze des Systems gestellt werden muss. N.I. Kryukovsky behauptet, dass „in der Ästhetik die Kategorie der Schönheit im Zentrum des Kategoriensystems stehen sollte ...“. V.M. Zharikov stützt dieses System auf die Korrelation der „Anfangskategorien: Perfektion und Unvollkommenheit“ von A.Ya. Zis identifiziert drei Gruppen ästhetischer Kategorien: spezifisch (heroisch, majestätisch usw.), strukturell (Maß, Harmonie usw.) und negativ (hässlich, niedrig). Z.B. Krasnostanov und D.D. Der Durchschnitt bietet außerdem drei Gruppen ästhetischer Kategorien: Kategorien ästhetischer Aktivität, Kategorien des sozialen Lebens, Kategorien der Kunst T.A. Savilova behauptet, dass „die Grundlage der Ästhetik der spielerische Vergleich des Maßes der umfassenden Entwicklung einer Person … und eines Phänomens ist.“ I.L. Für Matza sind Harmonie und Schönheit die wesentlichen ästhetischen Kategorien, die im Laufe der Evolution modifiziert und verändert wurden. Die Prinzipien der Systematisierung sollten in ihren ersten Momenten philosophischer und ästhetischer Natur sein. Bei der Bestimmung der Struktur des Systems sind dann folgende Aspekte erforderlich: ontologische-phänomenologische und sozial-erkenntnistheoretische Aspekte; es ist notwendig, die Prinzipien der Unterordnung und Koordination ästhetischer Kategorien zu bestimmen; Heben Sie die wichtigste universelle ästhetische Kategorie hervor, um die herum das gesamte System organisiert ist.

In der Ästhetik gibt es eine Kategorie, die als Metakategorie der Ästhetik fungiert – die Kategorie des Ästhetischen. Die Ästhetik ist auf ihre Weise perfekt. Perfektion ist ein lebenswichtiges Bedürfnis der Natur. Es ist spontan, daraus entsteht die Idee der universellen Perfektion. Die Eigenschaft des Ästhetischen besitzt nicht nur das Harmonische (schön, ästhetisches Ideal, Kunst), sondern auch das Disharmonische (erhaben, schrecklich, hässlich, niederträchtig, tragisch), da in beiden das Wesen dieser Art von Wesen liegt kommt am vollständigsten zum Ausdruck. Diese Herangehensweise an das Ästhetische erweitert die Grenzen des Faches Ästhetik, da es das Studium aller Phänomene der Realität umfasst, die Vollkommenheit aufweisen. In der traditionellen Ästhetik ist jedoch die Schönheit die grundlegende Kategorie. Es ist schwierig, dieser Position zuzustimmen, da die Kategorie der Schönheit schon immer einen streng historischen Inhalt hatte, und dies hat V. Tatarkevich in seinem Werk „Geschichte der Ästhetik“ deutlich gezeigt. Folglich liegt die ontologische Bedeutung des Ästhetischen darin, dass es das Sein des Vollkommenen ist, des Phänomenologischen – in der Vielfalt der Phänomene, die diese Eigenschaft als Fülle des Daseins haben, des Soziologischen – darin, dass es das Subjekt der Ästhetik ist in diesem Fall gewinnt es an Breite und Tiefe und wird im übertragenen Sinne demokratischer. Betrachten wir nun den erkenntnistheoretischen Aspekt der Kategorie der Ästhetik. Das Ästhetische als Vollkommenes erscheint als Ergebnis der materiellen und spirituellen Praxis der Menschheit. Es ist nicht nur eine Projektion eines Ideals auf eine „ausgestorbene“ Natur, es ist eine völlig neue, reale, spezifische Formation, eine Art „zweite Natur“, die als organische Mischung aus Objektivem und Subjektivem entstanden ist. Das Ästhetische wird nicht nur im Prozess der künstlerischen Tätigkeit, die die Grundlage der Kunst ist, entdeckt, beherrscht und wirkt, sondern in allen spirituellen, praktischen und materiellen menschlichen Aktivitäten. Darin werden die Eigenschaften des Objekts entdeckt und die Fähigkeiten des Subjekts erkannt, objektiviert in der materiellen und spirituellen Praxis der Menschheit durch die vollständigste Offenlegung ihrer Eigenschaften und Fähigkeiten. Das ist die wahre Existenz des Perfekten.

Die Dialektik des Verhältnisses von objektiv-ästhetischem und ästhetischem Erkennen liegt auch darin, dass die gesellschaftliche Praxis der einzige Prozess ist, den Menschen auf die objektiv-ästhetischen Aspekte der Wirklichkeit und deren Offenlegung und Transformation nach den Gesetzen der Schönheit zu beeinflussen. Die im Prozess dieser Praxis auftretende „zweite Natur“ existiert auch unabhängig vom Menschen und wird zum Gegenstand ästhetischer Erkenntnis und Transformation. Der Mensch, der nach den Gesetzen der Schönheit erschafft, objektiviert und verwandelt gleichzeitig alles Geschaffene in ein Objekt ästhetischer Erkenntnis und Verbesserung. Die Ästhetik ist in der Tat nichts Eingefrorenes und Unveränderliches; sie verändert und verbessert sich im Verlauf der historischen Entwicklung der Natur und vor allem der menschlichen Gesellschaft. Die Objektivität des Ästhetischen wird nicht nur durch die Praxis der gesellschaftlichen Entwicklung, sondern auch durch die großen Errungenschaften der gesellschaftlichen Entwicklung bewiesen moderne Wissenschaft. Ein besonderes Merkmal ästhetischer Tätigkeit besteht darin, dass sie sich an die gesamte menschliche Persönlichkeit richtet. In der Struktur des Handelns: Ziel – Handeln – Wirken entfaltet sich ästhetisches Handeln universell, da es vom Individuum zur Gesellschaft geht.

Das Studium des Themas und der Struktur der Ästhetik ermöglicht es uns, sie aufzudecken Funktionen , die wichtigsten davon sind Weltanschauung, kognitiv, formativ, methodisch.

Für den Künstler ist zunächst einmal Ästhetik notwendig. Es ist die ideologische Grundlage seiner Aktivitäten. Aber ein Künstler kann auch ohne Kenntnisse der Ästhetik ihre Gesetze anwenden und sich dabei auf seine Intuition und Erfahrung verlassen. Ein solches Verständnis, das nicht durch eine theoretische Verallgemeinerung der künstlerischen Praxis gestützt wird, wird jedoch keine tiefgreifende und eindeutige Lösung kreativer Probleme ermöglichen. Die Weltanschauung leitet nicht nur Talent und Können, sie bildet sich unter ihrem Einfluss im Prozess der Kreativität selbst. Die Originalität der Weltanschauung und die Auswahl des künstlerischen Materials werden durch die Weltanschauung bestimmt und reguliert. Gleichzeitig ist der direkteste Einfluss auf die Kreativität die Seite der Weltanschauung, die im ästhetischen System zum Ausdruck kommt und bewusst oder spontan in Bildern umgesetzt wird. Die ästhetischen Prinzipien, auf die sich der Künstler verlässt, sind für uns interessant, da Künstler ihre Werke in erster Linie für Menschen schaffen. Die Anwendung der Gesetze der Ästhetik in der Kreativität fördert eine bewusste Haltung gegenüber künstlerischem Schaffen, das Begabung und Können vereint.

Ästhetik braucht nicht nur der Künstler, sondern auch das wahrnehmende Publikum – Leser, Betrachter, Zuhörer. Kunst bietet eine der höchsten spirituellen Erfahrungen – Vergnügen. Es ist diese Wissenschaft, die es den Menschen ermöglicht, ästhetische Ansichten, Ideale und Ideen zu entwickeln. Das bedeutet, dass sich die Ästhetik mit dem Prozess der Bildung befasst.

Es erfüllt auch eine methodische Funktion. Durch die Zusammenfassung der Forschungsergebnisse in einem Fachgebiet, beispielsweise der Kunstgeschichte, wirkt es sich umgekehrt auf dessen Entwicklung aus. Es ermöglicht das Studium der vorherrschenden Prinzipien der Erkenntnistheorie ästhetischer Objekte und bestimmt den Weg ihrer Forschung. Unter den Geisteswissenschaften nimmt die Ästhetik einen besonderen Platz ein. „Der sinnliche Wertcharakter des ästhetischen Wissens, sein Kriteriumscharakter in Bezug auf laufende kulturelle und künstlerische Forschungen geben Anlass, Ästhetik als eine spezifische Axiologie der Kultur zu behandeln, als ihr Selbstbewusstsein, das in direktem Zusammenhang mit der Bildung kultureller Werte steht.“ Standards und Prioritäten.“ In der Welt der Kultur existiert die Menschheit in einer Vielzahl ästhetischer Werte und Antiwerte. Ästhetische Normen und Werte der Kultur sind eine sehr wichtige Leitlinie für die Entwicklung der menschlichen Gesellschaft und schützen sie vor kultureller Expansion.

Im 20. Jahrhundert wurde die Fähigkeit der Kultur offensichtlich, sich der menschlichen Kontrolle zu entziehen und sich in ein Element neuen Typs zu verwandeln. Es sind zahlreiche Bedrohungen für die menschliche Existenz entstanden, darunter eine Umweltkatastrophe, die Erschöpfung natürlicher Ressourcen und die Ausbreitung der „Massenkultur“, begleitet von einem allgemeinen Rückgang des kulturellen Niveaus der Menschen, der Standardisierung ihres Lebens und der Entpersönlichung der Einzelne. „Im Phänomen des „Massenmenschen“, dem Schönheit, Wahrheit und Güte gleichgültig sind, liegen die Gefahren neuer Kriege, Massenvernichtungen und von Menschen verursachter Katastrophen.

Unser herausragender Wissenschaftler-Enzyklopädist V.I. Wernadski Wernadski V.I. Verfahren am allgemeine Geschichte Wissenschaften. - M., 1988. Vorlesungen 1 - 3. Über wissenschaftliche Weltanschauung). glaubte, dass das Wissen des Menschen über die Welt um ihn herum in drei sich gegenseitig bereichernden Richtungen erfolgt: durch Wissenschaft, Kunst und Religion. Die einzige Realität der Existenz, die der Mensch im übertragenen Sinne zu verstehen versucht, kann in Form eines vielschichtigen Kristalls dargestellt werden, von dem einige Facetten durch die Wissenschaft, andere durch die Kunst und wieder andere durch die religiöse Erfahrung der Menschheit bekannt sind. Um dieser Realität näher zu kommen, reicht es nicht aus, ihre Facetten getrennt zu betrachten, man muss auch sozusagen ihre gegenseitige Anordnung erkennen können. Die Kenntnis der umgebenden Welt und die Erweiterung des menschlichen Bewusstseins verlaufen wie in einer Spirale. Zuerst kommt es zu einer Anhäufung von Wissen und Erfahrung, dann zur Synthese dieses unterschiedlichen Wissens zu einer einzigen Vorstellung von der Welt um uns herum, dann, basierend auf dieser qualitativ neuen Idee, zur Ansammlung tieferen Wissens und Erfahrungen usw.

Heute ist die Zeit der Synthese. Gerade jetzt ist es notwendig, das gesamte Wissen und die gesamte Erfahrung der Menschheit zu einem Ganzen zu vereinen und so ein qualitativ neues, erweitertes Verständnis der Welt und der Gesetze ihrer Existenz zu erlangen. Gleichzeitig kann keine einzige Erfahrung menschlichen Wissens über die Einheitliche Realität ignoriert werden, ohne die ganzheitliche Idee der Welt zu beschädigen – weder wissenschaftlich noch philosophisch noch ästhetisch noch religiös. Wir können also sagen, dass das Problem des Themas der spezifischen Ästhetik ständig im Blickfeld der Wissenschaftler liegt. Zum Beispiel im zwanzigsten Jahrhundert. In den Diskussionen rund um das Thema Ästhetik gab es den Standpunkt, dass „Ästhetik nicht Kunst studieren sollte, da diese Gegenstand der Kunsttheorie ist, Ästhetik die Wissenschaft des Schönen ist, des Ästhetischen sowohl in der Realität als auch.“ in der Kunst“ Pospelova G.N. Ästhetisch und künstlerisch. - M., 1965. Dieser Standpunkt ist nicht allgemein akzeptiert, hat jedoch in letzter Zeit aufgrund der weit verbreiteten Verwendung verschiedener Arten angewandter und informationskommunikativer künstlerischer und ästhetischer Aktivitäten, die keine Kunst sind, zusätzliche Bedeutung und Argumente erhalten traditionelle Bedeutung des Wortes. Wenn wir also nicht an abstrakte Strukturen und nicht an hoffnungslos codierte semiotische Systeme denken, sondern an gesunde realistische Kunst im Kontext der globalen Entwicklung von Medien, Design, Ästhetisierung der Umwelt und auch an Fortschritte im Bereich Computer und Ist virtuelle Kunst dann von einer Entwicklung ohne Kunst auszugehen? im wahrsten Sinne des Wortes.

Ästhetisches Bewusstsein. Ästhetisches Bewusstsein ist eine Form des Wertbewusstseins, eine Widerspiegelung der Realität und deren Beurteilung unter dem Gesichtspunkt eines ästhetischen Ideals. Gegenstand der Reflexion des ästhetischen Bewusstseins ist wie alle anderen Formen des gesellschaftlichen Bewusstseins die natürliche und gesellschaftliche Realität, die bereits durch die soziokulturelle Erfahrung der Menschheit beherrscht wird. Gegenstand der Reflexion ist die Gesellschaft als Ganzes, anhand einzelner Individuen und sozialer Gruppen.

In seiner erkenntnistheoretischen Natur ähnelt das Ästhetische der Wahrheit, unterscheidet sich jedoch in seinem Wesen. Wenn Wahrheit rationales Wissen ist, dann ist ästhetisches Wissen weniger Wissen als vielmehr emotionales Erlebnis beim Wahrnehmen eines Objekts. Daher können wir zu Recht behaupten, dass das geistige Äquivalent des Ästhetischen ist Erfahrungen .

Erlebnisse sind immer emotional, lassen sich aber nicht auf Emotionen reduzieren. Erfahrungen sind immer ein Produkt, das Ergebnis subjektiv-objektiver Beziehungen. In Bezug auf die organische Struktur und den Inhalt der Erfahrung ist „diese Formation in ihrer Zusammensetzung komplex; es ist immer, bis zu einem gewissen Grad, in der Einheit zweier gegensätzlicher Komponenten enthalten – Wissen und Einstellung, intellektuelle und affektive.“ Rubinshtein S.L. Sein und Wissen. - M, 1957. S.264. .

Das Ästhetische als Erfahrung beruht nicht unbedingt auf intellektuellem Wissen. Der Grund für das Affektive darin kann sowohl intuitiv als auch unbewusst sein, aber es geht immer um etwas. Die spezifische Natur ästhetischer Erfahrungen lässt sich aus zwei Gründen erklären: den Eigenschaften des Objekts der ästhetischen Einstellung und der Korrelation des Objekts mit den ästhetischen Vorlieben, Ansichten und Idealen einer Person, die als „ästhetisches Bewusstsein“ bezeichnet werden. Beispielsweise bestimmt die Farbe an sich als Quelle ästhetischer Erfahrungen noch nicht die Bedeutung dieser Erfahrungen.

Besonderheiten des ästhetischen Bewusstseins im Vergleich zu anderen Formen des spirituellen Lebens der Menschheit besteht darin, dass es einen ganzen Komplex von Gefühlen, Ideen, Ansichten, Ideen darstellt; Hierbei handelt es sich um eine besondere Art spiritueller Bildung, die die ästhetische Einstellung eines Menschen oder einer Gesellschaft zur Realität charakterisiert: Auf der Ebene des Seins existiert ästhetisches Bewusstsein in Form eines sozialen Bewusstseins, das die Ebene des Ästhetischen widerspiegelt, auf der Ebene der Individualität - in Form der persönlichen Merkmale einer Person; wird nur auf der Grundlage der Praxis gebildet (je reicher die ästhetische Praxis eines Individuums oder einer Gesellschaft, desto reicher und komplexer ist ihr ästhetisches Bewusstsein).

Die Struktur des ästhetischen Bewusstseins. Wie jede Form des sozialen Bewusstseins ist auch das ästhetische Bewusstsein auf vielfältige Weise strukturiert. Forscher identifizieren die folgenden Ebenen:

• · gewöhnliches ästhetisches Bewusstsein;
• · spezialisiertes ästhetisches Bewusstsein.

Gewöhnliches ästhetisches Niveau, basiert auf verallgemeinerten empirischen Erfahrungen: ästhetischen Erfahrungen, Gefühlen usw. Unsere täglichen Erfahrungen sind unterschiedlich und manchmal widersprüchlich.

Theoretisches Niveau basiert auf allgemeinen philosophischen Vorstellungen über die Welt, den Menschen und seinen Platz in dieser Welt: ästhetische Einschätzung, Urteile, Ansichten, Theorien, Ideale usw. Wir müssen bedenken, dass die Grenzen zwischen diesen Ebenen bedingt sind, da sich die Besonderheit des ästhetischen Bewusstseins auf jeder Ebene manifestiert – überall finden wir sowohl sinnliche als auch rationale Elemente. Am deutlichsten manifestiert sich dieses Merkmal als ästhetisches Bedürfnis und ästhetischer Geschmack, bei dem sowohl das Emotionale als auch das Rationale gleichermaßen wichtig sind, weil sie im Einklang mit dem ästhetischen Ideal verwirklicht werden.

Um die Struktur des ästhetischen Bewusstseins genauer zu verstehen, betrachten wir das Zusammenspiel seiner Elemente in der am weitesten entwickelten Form, nämlich der spezialisierten Betrachtung des Künstlers. Die Grundlage des Bewusstseins ist ein ästhetisches Bedürfnis, das Interesse des Menschen an ästhetischen Werten, sein Durst nach Schönheit und Harmonie, der sich historisch als gesellschaftliches Bedürfnis für das Überleben des Menschen in der Welt entwickelt hat. Von hier aus werden die entsprechenden Ideale aufgebaut. Das Phänomen des Ideals ist auf allen Stufen der kulturellen Entwicklung deutlich zu erkennen. Ausgehend vom „Guten“ von Platon, Plotin und Augustinus wird das Ideal als „spirituelles Klima der Zeit“ oder „moralische Temperatur“ (I. Taine) untersucht; oder " generelle Form Betrachtung einer bekannten Zeit“ (Wölfflin); oder einfach „der Geist der Zeit“ (M. Dvorak), „die Wahrheit des Lebens“ (V. Solovyov), „asketische Wahrheit“ (P. Florensky); oder globaler in Form eines „kulturellen Musters“ oder Wertestandards“ (Munro), „Proto-Symbol der Kultur“ (O. Spengler) usw. In einigen Fällen werden komplexere Definitionen verwendet, um das Ideal zu bezeichnen, wie „Über-Ich“ (S. Freud), „Archetyp“ (C. Jung), „Meme“ (Mono), „Lebenshorizont“ (Husserl, Gadamer usw. .) usw.

Laut dem modernen russischen Forscher V.E. Davidovich, Wert ist mit dem Konzept des Ideals verbunden; darüber hinaus ist es das Ergebnis der Umsetzung eines bestimmten Ideals. Weitere Einzelheiten finden Sie unter: Davidovich V.E. Ideale Theorie. - Rostow am Don, 1983. . Das System der idealen Standards ist eine Reihe allgemeiner Anforderungen („Kanons“), die jede Transformation der Realität beim Übergang vom Tatsächlichen zum Gewünschten erfüllen muss.

Merkmale des ästhetischen Ideals: Anders als jedes gesellschaftliche Ideal existiert es nicht in abstrakter, sondern in sinnlicher Form, weil es eng mit Emotionen, der sinnlichen Einstellung eines Menschen zur Welt, verbunden ist; bestimmt durch unterschiedliche Arten der Korrelation des ästhetischen Ideals mit der Realität; verbunden mit der Art der Reflexion der Realität im Idealfall; besteht darin, die objektiven Qualitäten der Realität und die Merkmale der inneren Welt einer Person in Beziehung zu setzen; bestimmt die Entwicklungsperspektiven der Gesellschaft, ihre Interessen und Bedürfnisse sowie die Interessen und Bedürfnisse des Einzelnen; trägt zur Mythenbildung im Bewusstsein einer Person oder Gesellschaft bei und ersetzt so gewissermaßen die Realität selbst.

In der Gesellschaft erfüllt das ästhetische Ideal folgende Funktionen: mobilisiert die menschliche Gefühls- und Willensenergie und zeigt die Richtung des Handelns an; schafft die Möglichkeit, der Realität einen Schritt voraus zu sein, zeigt den Trend der Zukunft an; fungiert als Norm, als Modell und als selbstverständlich; dient als objektives Kriterium für die Beurteilung von allem, was einem Menschen in der Welt um ihn herum begegnet. Somit ist das ästhetische Ideal als Maßstab für das Erwecken und Kodieren künstlerischer Emotionen praktisch nichts anderes als eine Vorstellung davon, wie ein Kunstwerk beschaffen sein sollte, damit es einem bestimmten ästhetischen Ideal einer Person entspricht.

Das ästhetische Ideal manifestiert den ästhetischen Geschmack, der auf einer ästhetischen Haltung beruht, die die gesamte Bild- und Gefühlsstruktur des Künstlers prägt und die Grundlage des künstlerischen Stils eines bestimmten Autors bildet. Im ästhetischen Sinne wurde der Begriff „Geschmack“ erstmals vom spanischen Denker Baltasar Gracian („Taschenorakel“, 1646) verwendet und bezeichnete eine der Fähigkeiten der menschlichen Erkenntnis, die sich speziell auf das Verständnis von Schönheit und Kunstwerken konzentrierte. Es wurde dann von Denkern in Frankreich, Italien, Deutschland und England von ihm übernommen.

„Geschmack“, schrieb Voltaire, „das heißt der Instinkt, die Gabe, die Eigenschaften von Lebensmitteln zu unterscheiden, hat in allen uns bekannten Sprachen zu einer Metapher geführt, in der das Wort „Geschmack“ die Sensibilität für das Schöne und das Schöne bezeichnet hässlich in der Kunst: Der künstlerische Geschmack ist ebenso schnell zu analysieren, was der Reflexion vorausgeht, wie die Zunge und der Gaumen, ebenso sinnlich und gierig nach dem Guten, ebenso intolerant gegenüber dem Schlechten …“ Voltaire. Ästhetik. Artikel. Briefe. Vorworte und Diskussionen. - M., 1974. S. 67-268. In Analogie zum Lebensmittelgeschmack unterscheidet er künstlerischen Geschmack, schlechten Geschmack und perversen Geschmack. Wenn wir ein Kunstwerk sehen oder hören, sagen wir am Ende sehr oft: „Gefällt mir – Gefällt mir nicht“, „Schön – Hässlich“. Die emotionale Reaktion auf ein Werk drückt sich sprachlich in Form einer ästhetischen Bewertung aus. Dabei handelt es sich um eine Aussage, die das ästhetische Empfinden des Betrachters bei der Wahrnehmung des Werkes beschreibt. Eine solche ästhetische Aussage erscheint erstmals in den Werken von Immanuel Kant („Kritik der Urteilskraft“) und wird als „Geschmacksurteile“ bezeichnet.

Existiert vier Sorten ästhetische Beurteilung: positiv, negativ, widersprüchlich, unsicher. Betrachten wir die Entwicklung der Geschmacksurteile, sowohl in positiver als auch in negativer Form, und analysieren wir dann die Wirkung des Geschmacks. Die Geschichte der bildenden Kunst zeigt, dass es sieben Hauptstadien in der Entwicklung einer negativen Bewertung gibt: „kalt und leblos“ („berührt nicht“); „knisternd und pompös“; „unprofessionell und unglaubwürdig“; „schlechter Geschmack und Vulgarität“, „Unsinn“, „Pathologie“, „ideologische Sabotage“. Es gibt auch positive und negative Auswirkungen des Geschmacks. Ein Beispiel für die positive Wirkung des Geschmacks können Extremfälle sein: Fälschungen, Diebstähle, „künstlerische Angriffe“ (1985, Eremitage, UdSSR, Rembrandts Gemälde „Danae“ wurde mit Säure übergossen). Die negative Wirkung des Geschmacks kann sich in der Verweigerung der Zulassung eines Gemäldes zu einer Ausstellung äußern. Die höchste Form Der negative Effekt des Geschmacks ist das „künstlerische“ Autodafé, d.h. Verbrennung von Gemälden auf dem Scheiterhaufen, der Erfinder dieses Phänomens ist die religiöse Figur Savonarola (Italien, 15. Jahrhundert)

Kategorie „schön“. Seit langem sucht die Menschheit nach einer Antwort auf die Frage: Was ist Schönheit? Platon hat es erstmals in dieser Form formuliert. Was ist Schönheit überhaupt? Wir kennen einen schönen Korb, eine schöne Stute, eine schöne Frau, aber was ist überhaupt schön? Und das ist das Verdienst Plato. Er übertrug diese Frage aus dem Bereich der Phänomene auf den Bereich der Muster. Gibt es ein Muster in der Existenz von Schönheit? Schon die Formulierung der Frage legt nahe, dass die alten Griechen die Welt als etwas Natürliches wahrnahmen. Es stimmt, Platon hat eine wunderbare Vorstellung von einer Sache. Ein Ding als solches erreicht niemals die Vollkommenheit und Fülle, die der Welt der Ideen innewohnt.“ Daher ist wahre Existenz die Existenz der Ideenwelt. Schon vor Platon Heraklit sah Schönheit in Harmonie. Harmonie ist der Kampf gegensätzlicher Prinzipien. Die Verhältnismäßigkeit der Gegensätze darin ewiger Kampf und bringt Harmonie hervor. Heraklit stellte sich die Welt als eine Art harmonisches Ganzes vor, d.h. Die Welt als Ganzes ist eine Art Einheit gegensätzlicher und ewig kämpfender Prinzipien. Der Mensch lebt in dieser Harmonie der Welt. Flüssigkeit, nach den Maßen der Zünd- und nach den Maßen der Löschwelt. Pythagoräer stellte die Welt als eine Art numerische Harmonie dar. Zahlen sind die Seele dieser Welt. Es sind Zahlenverhältnisse, die diese Welt bestimmen. Pythagoras schuf sogar ein Werkzeug zum Studium musikalischer Intervalle. Und ich entdeckte die Klangharmonie. Die Welt als Ganzes wurde nach den gleichen Prinzipien der musikalischen Harmonie erschaffen, und die sieben Sphären scheinen den harmonischen Klang der Welt zu erzeugen. Es stimmt, wir können dieses Geräusch nicht mit unseren Ohren hören. Aber der Musiker bringt diesen Klang zu uns und so fügt sich der Mensch gewissermaßen in die Harmonie der gesamten Welt ein. Aristoteles definiert Schönheit als Ordnung, Größe, Übereinstimmung. Weder zu groß noch zu klein kann schön sein. Es muss Verhältnismäßigkeit zur Welt der Dinge bestehen. Aber warum empfinden wir diese Verhältnismäßigkeit, diese Harmonie als schön?

IN Mittelalter Als die religiöse Ideologie vorherrschte, wurde der Gegensatz zwischen Geist und Fleisch verabsolutiert. Die Abtötung des Fleisches im Namen der Erhebung des Geistes, im Namen des Aufstiegs zur göttlichen Spiritualität galt damals als die höchste Manifestation des menschlichen Geistes. Und doch hatte der Standpunkt der Wahrheit spiritueller Schönheit, wenn auch schmerzhaft, eine gewisse Grundlage. Die Ideen, die ein Mensch entwickelt, beeinflussen ihn. Daher war die Welt der Vorstellungen darüber, was die menschliche Seele sein sollte und wie sie sich in der Welt manifestieren sollte, von erheblicher Bedeutung. Religiöse Vorstellungen vom Ideal eines schönen Menschen hatten den Nachteil, dass sie nicht der Realität entsprachen, sondern eine mystische Form hatten. Dies trug jedoch sogar dazu bei, dass die Religion Einfluss auf Musik, Malerei und Architektur hatte. In all diesen Bereichen beeinflusste der Aufstieg zur Erhabenheit des Geistes die Ernsthaftigkeit dieser Künste und die Entdeckung geeigneter Ausdrucksmittel.

IN Renaissance das bestehende Bild von Schönheitsvorstellungen blieb erhalten. Die Kunst dieser Zeit spricht davon. Aber gleichzeitig sucht der Mensch der Renaissance Schönheit in der Natürlichkeit, in der Existenz des Menschen selbst. Unter den Denkern und Künstlern dieser Zeit wird Gott nicht geleugnet, sondern er scheint sich in dieser Welt aufzulösen, menschlich zu werden, Mensch zu werden. Und die Vorstellungen vom Menschen scheinen sich den Vorstellungen von Gott und seinen Fähigkeiten anzunähern. Pico della Mirandola sagt: „Gott hat für den Menschen nicht festgelegt, was er sein soll, welchen Platz er in dieser Welt einnehmen soll. Er überließ die Entscheidung ganz dem Mann selbst.“ Im Zeitalter des Klassizismus geraten Vorstellungen von Schönheit wieder in den Bereich des Geistes. Nur das, in dem sich die Rationalität manifestiert, in dem sich der Geist manifestiert, kann schön sein. Und der Geist dieser Zeit wird rationalistischer verstanden. Wie etwas Ausgelegtes, Geordnetes. Im Zeitalter des Klassizismus, wenn der Kapitalismus seine ersten Schritte unternimmt, entsteht auf einem riesigen Territorium ein Markt, es bilden sich starke Zentralstaaten, wenn der Adel noch nicht aufgehört hat, die Rolle des Führers der Gesellschaft zu spielen, aber die bürgerlichen Beziehungen bereits beginnen Um Gestalt anzunehmen, werden in dieser Zeit Vorstellungen über Ehre, Patriotismus und Dienst am König und an der Nation geformt. Ein sehr ritterlicher und rationaler Anfang.

IN Zeitalter der Erleuchtung Vorstellungen über die Natürlichkeit des Menschen werden neu geformt. Denn die Bourgeoisie hat bereits an Stärke gewonnen und braucht nun nicht mehr die Schirmherrschaft der Könige, nicht mehr das geregelte Leben der feudalen Gesellschaft. Und die Aufklärung dient in dieser Hinsicht als Übergangsbrücke zwischen allem Vorhergehenden und der deutschen klassischen Philosophie. I. Kant glaubt, dass eine Person beim Betrachten eines Objekts durch die koordinierte Arbeit von Vernunft und Vorstellungskraft Freude empfindet. Er verbindet Schönheit mit dem Begriff „Geschmack“. Seine Schönheitsphilosophie basiert auf der subjektiven Fähigkeit, den Geschmack zu beurteilen. „Schön ist das, was ohne Begriff als Objekt notwendiger Freude erkannt wird.“ Gleichzeitig unterscheidet Kant zwei Arten von Schönheit: die freie Schönheit und die zufällige Schönheit. Freie Schönheit wird nur durch die Form und das reine Geschmacksurteil charakterisiert. Eingehende Schönheit basiert auf dem spezifischen Zweck des Objekts und Zwecks. In ethischer Hinsicht ist das Schöne für ihn „ein Symbol des moralisch Guten“. Daher stellt er die Schönheit der Natur über die Schönheit der Kunst. Schönheit war für Schiller, Herder, Hegel und andere vor Heidegger und Gadamer ein sinnliches Abbild der Wahrheit. So erkannte Hegel, der als Erster die Begriffe Objektivierung und Desobjektivierung in die Philosophie einführte, Schönheit außerhalb der Kunst nicht an. Daher erkannte er nicht, dass das Schöne seiner Ansicht nach eine sinnlich dargestellte Idee ist. Aber die Idee liegt nicht in der Natur selbst. Allerdings ändert Hegel hier etwas seine Ansichten, wonach er alles objektiv hat materielle Welt ist die Andersartigkeit der absoluten Idee. Nach Hegel macht der Mensch in einem künstlerischen Bild sein eigenes Bild Innere. Und deshalb ist die Idee oder das Ideal, die in einem künstlerischen Bild sinnlich dargestellt werden, tatsächlich ein aktiver menschlicher Charakter, ein menschlicher Charakter, der für seine wesentlichen Interessen kämpft. historischer Typ. Aber ein Mensch verdoppelt sich in der Kunst, weil er sich im Allgemeinen in der alltäglichen Realität sinnlich verdoppelt. Daher passt die menschliche Tätigkeit als solche zu der Vorstellung von Schönheit, die Hegel in Bezug auf die Kunst entwickelt. Wenn es das in der Realität, in der alltäglichen Kommunikation der Menschen, nicht gäbe, woher käme es dann in der Kunst? N. Chernyshevsky vertrat in einer Polemik mit der Hegelschen Ästhetik die These: „Das Schöne ist das Leben.“ Heidegger sah in der Schönheit eine der Formen der „Existenz der Wahrheit als Unverborgenheit“ und betrachtete die Wahrheit als „die Quelle künstlerischer Kreativität“. K. Marx schreibt: „Ein Tier baut nur nach den Maßstäben und Bedürfnissen der Art, zu der es gehört, während der Mensch nach den Maßstäben jeder Art zu produzieren weiß und überall das inhärente Maß anzuwenden weiß.“ ein Objekt; Aus diesem Grund baut der Mensch auch nach den Gesetzen der Schönheit.“

V.V. Bychkov unterscheidet zwischen den Kategorien „schön“ und „Schönheit“. Er glaubt, dass „wenn Schönheit eine der wesentlichen Modifikationen des Ästhetischen (charakteristisch für Subjekt-Objekt-Beziehungen) ist, dann Schönheit eine Kategorie ist, die zum semantischen Feld der Schönheit gehört.“ und ist nur ein Merkmal eines ästhetischen Objekts. Die Schönheit eines ästhetischen Objekts ist ein grundsätzlich nicht verbalisierter, angemessener Ausdruck oder eine Darstellung der tiefen Wesensgesetze des Universums, des Wesens, des Lebens, einer spirituellen oder materiellen Realität, die dem Empfänger in der entsprechenden visuellen, akustischen oder prozeduralen Organisation oder Struktur offenbart wird , Gestaltung, Form des ästhetischen Objekts, die im ästhetischen Subjekt das Gefühl, das Erleben des Schönen, das Erkennen des Geschehens des Schönen hervorrufen kann.“ Die Schönheit des Gegenstandes der ästhetischen Beziehung ist in der Regel eine notwendige Bedingung für die Verwirklichung des Ästhetischen in der Art der Schönheit. Wenn es keine Schönheit gibt, gibt es keine Schönheit.

Kategorie „erhaben“. Zum ersten Mal habe ich versucht, diese Kategorie theoretisch zu konzeptualisieren Ära des Römischen Reiches Autor, der unter dem fiktiven Namen Pseudo-Longinus in der Abhandlung „Über das Erhabene“ in die Wissenschaft eintrat. Er schreibt: „Schließlich hat die Natur uns Menschen nicht dazu bestimmt, unbedeutende Geschöpfe zu sein – nein, sie führt uns wie zu einer Art Feier in das Leben und in das Universum ein, damit wir Zuschauer des Ganzen sind.“ Als Integrität und respektvoller Eiferer hat sie unseren Seelen sofort und für immer eine unauslöschliche Liebe für alles Große eingeflößt, weil es göttlicher ist als wir.“ Daraus wird deutlich, dass es dem Autor gelingt, den Moment der Beziehung zwischen Mensch und Welt im Erhabenen klar zu erfassen. Er ist ein brillanter Beobachter der menschlichen Natur. Eine unauslöschliche Liebe zu allem Großen ist wahrlich in die menschliche Seele eingedrungen. Jetzt bleibt noch zu erklären, warum das so sein sollte.

IN Mittelalter Das Problem des Erhabenen tauchte auf und sein Verständnis war natürlich mit Gott und jenen Gefühlen und Schöpfungen verbunden, die unter dem Einfluss von Gedanken über Gott entstanden. IN Renaissance der Aufstieg des Menschen findet statt. In Alberti steht der Mensch „in voller Höhe und erhebt sein Gesicht zum Himmel ... er allein wurde geschaffen, um die Schönheit und den Reichtum des Himmels zu kennen und zu bewundern.“ Und wir begegnen dem nächsten Schritt in dem Versuch, ihn nur zu begreifen In XVIII Jahrhundert. Edmund Burke hat es geschafft. Laut Burke, sublimieren Es gibt etwas Großes, Unendliches, das unser übliches Verständnis übersteigt. Dieses riesige Ding ruft in uns ein Gefühl des Entsetzens hervor, lässt uns zittern, lässt uns vor unserer eigenen Ohnmacht erschaudern. Es verbindet in unserer Wahrnehmung die Außenwelt und unsere menschliche Reaktion darauf mit einigen Erscheinungsformen dieser Außenwelt.

Etwas später als Burke im selben Jahrhundert versucht auch I. Kant in seinem Werk „Beobachtungen über das Gefühl des Schönen und Erhabenen“ (1764), die Natur dieses Gefühls beim Menschen zu bestimmen. Seine Arbeit zum Verständnis der Natur dieses Gefühls beim Menschen schließt er in seinem Werk „Kritik der Urteilskraft“ ab. Nach Kant müssen wir die Grundlage für die Schönheit der Natur außerhalb von uns selbst suchen. Aber für das Erhabene ist es nur in uns und in der Denkweise, die das Erhabene in die Vorstellungen über die Natur einbringt. Kant unterscheidet zwei Arten des Erhabenen in unserer Beziehung zur Welt: mathematisch und dynamisch. Im ersten trifft die Fähigkeit des Wissens auf die Unermesslichkeit des Universums, und im zweiten trifft unsere Fähigkeit des Verlangens auf die Unermesslichkeit der moralischen Kräfte des Menschen, seines Willens. Und er schreibt: „...zwei Dinge erfüllen die Seele immer mit neuer und immer stärkerer Überraschung und Ehrfurcht, je öfter und länger wir darüber nachdenken – das ist der Sternenhimmel über mir und das moralische Gesetz in mir.“ Ich muss nicht nach beidem suchen und es nur als etwas annehmen, das in Dunkelheit gehüllt ist oder außerhalb meines Horizonts liegt; Ich sehe sie vor mir und verbinde sie direkt mit dem Bewusstsein meiner Existenz.“

In Hegels Philosophie bedeutet das Erhabene auch die Überwindung der Unmittelbarkeit der individuellen Existenz und den Eintritt in die Welt der Freiheit im Wirken des Geistes. Für den Menschen ist das Erhabene selbstverständlich, wie Brot und Wasser. Und Kultarchitektur und Kultkunst im Allgemeinen sprechen darüber.

Religion ist seit vielen Jahrtausenden eine harte Realität. Und das Bild Gottes darin ist erhaben. Dies ist der Geisteszustand, wenn ein Mensch auf das Kleinliche, Unbedeutende, Unbedeutende verzichtet, wenn er die Welt in ihrer Substanzialität, in ihrem substantiellen Pathos wahrnimmt, d.h. in universellen Leidenschaften. Durch die Anbetung Gottes in der Religion steigt der Mensch zu seinem wahren Selbst auf, auch in mystifizierter Form. Auf jeden Fall spürt der Mensch durch Gott seine Beteiligung an den Angelegenheiten des Universums. In der sowjetischen Kunst stieg der Mann der Arbeit zum Erhabenen auf, egal wie sehr man ihn heute zu demütigen und herabzusetzen versucht. Und das ist das wahre Pathos der damaligen Kunst. Sie können sich auch an N. Ostrovsky mit „Wie der Stahl gehärtet wurde“, an S. Eisensteins „Panzerkreuzer Potemkin“ und vieles mehr erinnern.

Kategorie „tragisch“. Arbeiten zur Ästhetik weisen darauf hin, dass das Tragische vor allem die Dialektik von Freiheit und Notwendigkeit zum Ausdruck bringt. Tatsächlich wird die menschliche Natur durch das Gesetz der Freiheit bestimmt. Aber diese Natur verwirklicht sich nach den Gesetzen der Freiheit unter bestimmten historischen Bedingungen, deren objektiver Rahmen es uns nicht erlaubt, die menschliche Natur zu offenbaren und in ihrer Gesamtheit zu verwirklichen. Es ist offensichtlich, dass dieser oder jener Zustand der Gesellschaft dieser oder jener Zustand des Subjekts, der Person, ist. Es ist auch offensichtlich, dass der Widerspruch zwischen Freiheit und Notwendigkeit im menschlichen Handeln aufgelöst wird. In diesem Widerspruch vollzieht sich die Tätigkeit des Subjekts, der Person. Und deshalb lebt jedes Subjekt in diesem Widerspruch, jeder lebt in der Auflösung dieses Widerspruchs. Folglich ist das Tragische der menschlichen Gesellschaft objektiv inhärent. I. Kant glaubt, dass die Kluft zwischen dem, was soll, und dem, was ist, niemals überwunden werden wird. Er verabsolutiert die Kluft zwischen Freiheit und Notwendigkeit. Natürlich ist die Überwindung dieses Widerstands ein Prozess, dessen Ende nicht in Sicht ist. Aber es wäre ein Fehler, diesen Widerspruch zu verabsolutieren. Denn es ist ein Fehler, dass es im menschlichen Handeln einen Prozess der Bildung seiner Freiheit gibt. Es ist, als würde er von einer Stufe zur nächsten aufsteigen. Tragischerweise ist der Konflikt objektiv. Das ist richtig. Denn die Kräfte der alten Weltordnung unternehmen alle Anstrengungen, um sie zu bewahren und ihre privilegierte Stellung in dieser Welt zu behaupten. Und diese Form muss zerstört werden; sie behindert die wirtschaftliche, soziale, moralische und spirituelle Entwicklung der Menschen. Und sehr oft unterliegen diejenigen, die für etwas Neues, für Fortschritt kämpfen, besiegt. Das ist eine Tragödie.

Die tragische Persönlichkeit gewöhnt sich an den allgemeinen Zustand der Welt und lebt aktiv in den wichtigsten Widersprüchen der Zeit. Sie stellt sich Aufgaben, die das Schicksal der Völker beeinflussen. Hegel betont, dass ein Mensch, der in einen tragischen Konflikt verwickelt wird, das substanzielle Pathos der Epoche, die Hauptleidenschaften, die sie prägen, in sich trägt. Diese Person verstößt durch ihre Handlungen vorhandener Zustand Frieden. Und in diesem Sinne ist sie schuld. Hegel schreibt, dass es für einen großen Mann eine Ehre sei, schuldig zu sein. Er ist schuldig an dem, was noch lebt, was aber schon sterben muss. Durch sein Handeln trägt er zum Gelingen der Zukunft bei. Die Einheit von Ästhetik und Menschheitsgeschichte zeigt sich auch darin, dass Menschen für spezifische Interessen kämpfen, nicht nur materieller, sondern auch sozialer, menschlicher Natur. Aber in Wirklichkeit ist jeder Schritt der Menschheitsgeschichte, wie K. Marx ihn definiert, ein Prozess der Humanisierung der Menschheit.

In der Ästhetik gibt es mehrere Konzepte des Tragischen .

Tragödie des Schicksals. Einige Forscher definieren die antike griechische Tragödie als Schicksalstragödie oder Schicksalstragödie und charakterisieren sie als Schicksalstragödie. Sie betonen, dass all diese Ereignisse und mit ihnen die Erfahrungen der Helden sozusagen im Voraus vorgeschrieben sind , stellte fest, dass der Held nicht in der Lage ist, den Lauf der Dinge zu ändern. Dieser Ablauf ist auch dem Publikum und den Lesern der Tragödien bekannt. Die Unterordnung des Willens der Menschen unter den vorgegebenen Ablauf bedeutet zugleich nicht, dass der Wille und die Energie der Menschen hier keine Rolle mehr spielen. Durch ihr Handeln scheinen Menschen auf einen vorherbestimmten Lauf der Dinge zu stoßen. Sie können sogar alle Konsequenzen ihres Handelns im Voraus kennen, da Prometheus wusste, dass er von den Göttern dafür bestraft werden würde, dass er den Menschen Feuer gab und ihnen Handwerk beibrachte, aber dennoch das tun würde, was ihren Vorstellungen von Pflicht und Ehre entspricht. Die Tragödie des Schicksals entbindet den Einzelnen nicht von seiner Verantwortung und verweigert ihm nicht einmal die Wahl. Wir können sagen, dass es hier um eine bewusste Entscheidung über das eigene Schicksal geht.

Die Tragödie der Schuld. Hegel definiert das Tragische als das Zusammentreffen von Schicksal und Schuld. Ein Mensch ist schuldig, weil er in der Gesellschaft lebt, für sein Handeln verantwortlich ist, die volle Verantwortung dafür trägt und es seine Verantwortung ist, die seine Freiheit und ihr Maß beweist. Nur ein großer Charakter kann die volle Verantwortung übernehmen. Er konzentriert in sich die wahren Widersprüche des Jahrhunderts, er ist eine Persönlichkeit, die in ihrer Leidenschaft den Trend der Zeit trägt. Das Pathos ist erheblich. Dieser Mensch mischt sich in den Lauf der Dinge ein, stört ein gewisses Gleichgewicht der Welt, obwohl er von guten und edlen Motiven geleitet wird.

Die Philosophie des Existentialismus interpretiert das Problem der tragischen Schuld unterschiedlich. Für sie ist ein Mensch allein deshalb schuldig, weil er geboren wurde. Das Schicksal löst sich in universeller Schuld auf. Der Mensch ist zur Freiheit verurteilt; es ist seine Natur. Aber diese Freiheit ist von der Notwendigkeit losgelöst und steht ihr entgegen. Und diese Isolation wird absolut. Daher ist der Mensch subjektiv frei, aber objektiv ist er blinden und mächtigen natürlichen und sozialen Kräften hilflos ausgeliefert. Der Held ist von vornherein der fatalen Unvermeidlichkeit der Welt zum Scheitern verurteilt. Es gibt wirklich einen Widerspruch, aber im menschlichen Kampf gibt es keinen Todesfall. Durch ihren Kampf erlangen Menschen, Völker, Klassen und Stände die Freiheit, zerstören den alten Staat und errichten eine neue Weltordnung. Der Mensch erlangt Freiheit durch seine praktische Tätigkeit. In diesem Sinne spiegelt die tragische Figur die wahren Widersprüche der Epoche wider, ist dafür verantwortlich, lebt in Einheit mit der Epoche. Der Mensch ist sich seiner selbst im ästhetischen Bewusstsein bewusst. Wir nehmen den tragischen Inhalt des Lebens wahr. Zum ästhetischen Empfinden gehört die sinnliche Wahrnehmung des Tragischen. Aber das Verständnis für die Natur des Tragischen wird nicht sinnlich vermittelt.

Das christliche Bewusstsein interpretiert das Tragische auch als die Schuld eines von Geburt an sündigen Menschen. Der Tod und die Wiedergeburt Christi, ein Mythos, der seinen Ursprung in älteren Mythen über die ständige Wiedergeburt des Lebens in Pflanzen hat, ist eine optimistische Tragödie. Hoffnung, die Ungerechtigkeit der bestehenden Weltordnung zu überwinden. Nachdem er Leid durchgemacht hat, bringt der Tod Christus Hoffnung und spirituelle Heilung in die Welt.

Die Wahrnehmung des Tragischen ist widersprüchlich. Trauer über den Tod und Vertrauen in den Sieg, Angst vor der Gemeinheit und Hoffnung auf ihre Zerstörung. Aristoteles machte auf die Widersprüchlichkeit der ästhetischen Wahrnehmung des Tragischen aufmerksam. Die Erfahrung des Tragischen ist laut Aristoteles eine Reinigung der Seele, die durch die Konfrontation von Mitgefühl und Angst erreicht wird. Durch Mitgefühl für die schrecklichen, schwierigen Erfahrungen, die den Helden der Tragödie widerfahren, werden wir vom Kleinlichen, Unbedeutenden, Zweitrangigen, Selbstsüchtigen gereinigt und erheben uns zum Wesentlichen, Bedeutenden, Herausragenden. Aristoteles entwickelt eine Theorie der kathartischen Wirkung der Kunst, d.h. Erfahrungen, in denen die Widersprüchlichkeit der Existenz reproduziert wird. Dadurch tritt die menschliche Seele in einen neuen Zustand ein. Es ist, als würde sie von Kleinigkeiten befreit und in einen Zustand der Einheit mit dem Schicksal der Helden eintreten. Diese Helden sind das Schicksal des Volkes. Und die Seele tritt in einen Zustand der Überwindung ein. Humanisiert. Erhöht.

Kategorie „Comic“. Die Kategorie Comic erfasst auch die Konfrontation zwischen den Parteien. Auch hier gibt es einen Konflikt. Aber dieser Konflikt ist das Gegenteil von tragisch. Das ist ein freudiger Konflikt. Es repräsentiert den Sieg des Subjekts über das Objekt, seine Überlegenheit über das, was außerhalb von ihm geschieht. Hier hat das Subjekt gewonnen, noch bevor es das Objekt angesprochen hat. Er fühlt sich dem, was er sieht und womit er zu tun hat, überlegen. Seine innere Welt ist lebendiger, korrekter, wahrer im Gegensatz zu dem, was vor seinen Augen geschieht. Er spürt intuitiv die Leblosigkeit, Unzuverlässigkeit und Unrichtigkeit davon und spürt intuitiv seine Überlegenheit, freut sich intuitiv über seine menschliche Wahrheit. In der ästhetischen Literatur wird dieser Konflikt als Widerspruch zwischen einem unbedeutenden und falschen Inhalt und einer bedeutungsvoll erscheinenden Form beschrieben. Wie wir sehen, erfasst diese ästhetische Kategorie auch den Prozess, der dem Subjekt, dem Menschen selbst, seiner innerlich subjektiven menschlichen Logik, der Logik ganzheitlicher Subjektivität und der Bewegung der menschlichen Realität entspricht. Bewegung, in der das Subjekt mit allen Fasern seiner Seele verweilt. Man kann das Komische in der Struktur des menschlichen Bewusstseins wahrscheinlich als eines der Momente der Logik der Selbstbestimmung, als einen der Mechanismen der sinnlichen Selbstbestimmung in dieser grenzenlosen Welt des Menschen definieren. Das Gefühl des Subjekts für das, was als Subjekt falsch, unwahr ist, und gleichzeitig ein Mechanismus zur intuitiven Überwindung der Raserei und Unbeweglichkeit des Seins, ein Mechanismus zur sinnlichen Begradigung der eigenen Subjektivität. Daher ist der Lachmechanismus der komplexeste psychologische Mechanismus, der in einer sozialen Person gebildet wird.

Was ist der Schlüssel zum kathartischen Mechanismus? Was ist der grundlegende Unterschied zwischen Lachen und Weinen? Aristoteles hat darauf deutlich hingewiesen. „Lustig ist ein Fehler oder eine Hässlichkeit, die weder Leid noch Schaden verursacht“, definiert er Komödie. Lassen Sie uns auch die wichtige und selten in Erinnerung gebliebene Schlussfolgerung von A.F. zitieren. Losev vergleicht das aristotelische Verständnis von Komödie und Tragödie: „Wenn wir unter Struktur eine einzige Integrität verstehen, in Abstraktion vom Inhalt, dann ist diese Struktur bei Aristoteles sowohl für Komödie als auch für Tragödie absolut gleich.“ Hier und da ist nämlich eine abstrakte und unberührte Idee unvollkommen, erfolglos und fehlerhaft in der menschlichen Realität verkörpert. Aber nur in einem Fall ist dieser Schaden endgültig und führt zum Tod, und im anderen Fall ist er alles andere als endgültig und verursacht nur eine heitere Stimmung.“

Mit anderen Worten: Das Wichtigste beim Auftreten von Lachen oder Weinen ist das Erkennen der Umkehrbarkeit oder Irreversibilität des Geschehens. Es ist die Beteiligung am kathartischen Mechanismus des Lachens, der semantischen Identifikation (die die Reversibilität der Lücke herstellt), die das Lachen zu einem spezifisch menschlichen Phänomen macht. Die Wiederherstellung der semantischen Integrität ist eine notwendige Voraussetzung für die kathartische Befreiung. Dies kann die Situation eines „missverstandenen Witzes“ erklären. Eine Person nimmt eine Anekdote als Lücke wahr, kann sie aber nicht beseitigen, „umkehren“; Statt Lachen entsteht Fassungslosigkeit. Somit hat die Erfahrung des Lustigen eine vierteilige Struktur: in Bezug auf die Bedeutung, die Reaktion auf die Lücke, die Identifizierung der Reversibilität; Freude, Entspannung im äußeren Ausdruck, Erstarren der Gesichtsmuskulatur; Hemmung des Erstarrens, Lächelns, Lachens und in Bezug auf die Lokalisierung stellt das Erlebnis eine Einengung der Bedeutung der Quelle des Erlebnisses dar.

Die Dauer und Intensität des Lachens wird durch die Semantik, Syntaktik und Pragmatik des Lustigen bestimmt. Sie können variieren, je nachdem, welche Bedeutung die entstehende semantische Lücke im Unbewussten der Person hat. In vielen Fällen ist eine rationale Erklärung nicht möglich. Eine Person, die von einem Stuhl fällt, löst oft eine stärkere Reaktion aus als ein subtiles Wortspiel.

Die Existenz archetypischer Quellen für die Entstehung des Komischen wird durch die bloße Existenz der ästhetischen Kategorie des Komischen und seiner Genres angezeigt. C. Jung bemerkte, dass das Archetypische an der ungewöhnlich starken emotionalen Reaktion erkannt wird, die es begleitet. Die Wirkung von Witzigkeit kann durch die strukturelle Spannungsverteilung innerhalb eines einzelnen lustigen Ereignisses oder durch dessen Einbindung in eine Kette lustiger Ereignisse oder durch kontrastierende kontextuelle Umgebungen verstärkt werden.

Schließlich ist der bloße Akt, das Lustige wahrzunehmen, von großer Bedeutung. In einer Gruppe von Menschen tritt beispielsweise die Wirkung der Ansteckung durch Lachen auf, wenn sich das Objekt des Lachens ausdehnt oder wechselt, weil ein lachender Mensch an sich lustig ist, weil er auch einen Bruch in der semantischen Integrität darstellt. Am schwierigsten zu analysieren sind komplexe, historische, soziokulturelle Phänomene, bei denen „Systemeffekte“ auftreten, die Ursache-Wirkungs-Beziehungen verzerren und es unmöglich machen, eindeutig zu erklären, warum Menschen lachen. Systemische Wirkungen erfordern spezielle Methoden der Beschreibung und Analyse.

Das bekannteste Beispiel für „systemisches Lachen“ ist die „Volkslachkultur“, die im klassischen Werk von M.M. untersucht wird. Bachtin über Rabelais. Das Lustige im Leben ist nicht künstlerisch, aber zu einem großen Teil bereits potenziell künstlerisch. Die genialste Nacherzählung eines lustigen Ereignisses im Alltag ist eine Aktualisierung des Talents und Könnens des Geschichtenerzählers. Und wenn wir die Fälle außer Acht lassen, in denen ein Werk gegen den Willen des Autors lustig ist, kann jedes Werk, das zum Lachen führt, bereits als mehr oder weniger erfolgreich angesehen werden. Im gesamten Arsenal an künstlerischen Mitteln, die von der Vorautoren- und Autorenkultur der Welt geschaffen wurden, hat das Lachen in seiner Fähigkeit, ein Publikum anzuziehen und zu binden, keine Konkurrenz.

Das Komische ist ein Kampfmittel, ein Weg zum Sieg über das, was das Leben behindert, ein Mittel zur Erkenntnis dessen, was bereits überholt ist oder noch voller Leben ist, aber kein Recht auf Leben hat. Man könnte sogar sagen, ein Mittel, um dieses veraltete Ding, das kein Recht auf Leben hat, in etwas Fühlbares, Wahrgenommenes zu verwandeln und gleichzeitig ein Mittel, um etwas wahrhaft Menschliches zu bekräftigen, das den höchsten Idealen entspricht. Erinnern wir uns an N.V. Gogol definierte das Genre „ Tote Seelen„Wie ein Gedicht. Der verspottete Feind wurde bereits besiegt. Er ist geistig besiegt, überwunden als etwas Niedriges, Unwürdiges und kein Recht auf Leben. Erinnern wir uns an „Wassili Terkin“ von A.T. Twardowski. Seine wahre Bedeutung liegt gerade im spirituellen Sieg über den Feind. Ein freudiges Bewusstsein der eigenen Authentizität, der eigenen Wahrheit in diesem harten Kampf. In einem Kampf, der in der Geschichte der Menschheit seinesgleichen sucht. „Terkin“ ist einer der Bestandteile des Großen Sieges. Der Comic zeichnet sich durch nationale Färbung aus. Sie können über französisches, englisches, georgisches, tatarisches, russisches Lachen sprechen ... Denn die spirituelle Verfassung jeder Nation ist einzigartig und einzigartig.

Die ästhetische Natur der Kunst. Die Vielfalt der Welt und der menschlichen sozialen Bedürfnisse führt zu vielfältigen Formen des sozialen Bewusstseins. Kunst schien spezifische Probleme der Beherrschung und Umgestaltung der Welt zu lösen. Der Schlüssel zum Verständnis der Besonderheiten des künstlerischen Denkens und der Merkmale der Kunst muss in der Struktur der sozialen Praxis, in der Struktur der soziohistorischen Erfahrung der Menschen gesucht werden. Kunst ist während ihrer gesamten Existenz und Entwicklung ein unverzichtbarer Bestandteil der Zivilisation. Indem die Kunst die Geschichte der Menschheit und ihre vergangenen Erfahrungen in ihrem „Gedächtnis“ festhält, offenbart sie ein Bild ihres Schicksals, das durch seine Authentizität besticht.

Es gibt viele Definitionen von Kunst. Lassen Sie uns die wichtigsten Ansätze zum Verständnis dieser Definition auflisten.

Erstens, Kunst - Dies ist eine besondere Art der spirituellen Reflexion und Beherrschung der Realität, „mit dem Ziel, die Fähigkeit eines Menschen zu formen und zu entwickeln, die Welt um ihn herum und sich selbst gemäß den Gesetzen der Schönheit kreativ zu verändern.“ Die Tatsache, dass Kunst einen Zweck hat, ist umstritten, und der Begriff der Schönheit ist relativ, da der Schönheitsstandard in verschiedenen kulturellen Traditionen stark variieren, durch den Triumph des Hässlichen bestätigt oder sogar völlig geleugnet werden kann.

Zweitens, Kunst - Dies ist eines der Elemente der Kultur, in denen künstlerische und ästhetische Werte angesammelt werden.

Drittens, Kunst - Dies ist eine Form der sensorischen Kenntnis der Welt. Es gibt drei Arten der menschlichen Wahrnehmung: rational, sensorisch und irrational. In den Hauptmanifestationen der spirituellen Kulturaktivität des Menschen, im Block des gesellschaftlich bedeutsamen Wissens, sind alle drei vorhanden, aber jede der Sphären hat ihre eigenen Dominanten: Wissenschaft – rational, Kunst – sinnlich, Religion – intuitiv.

Viertens, in Kunst erscheinen Kreative Fähigkeiten Person.

Fünftens, Kunst kann als ein Prozess der Beherrschung künstlerischer Werte durch einen Menschen betrachtet werden, der ihm Freude und Vergnügen bereitet.

Wenn wir versuchen, kurz und bündig zu definieren, was Kunst , dann können wir sagen, dass es sich um ein „Bild“ handelt – ein Bild der Welt und des Menschen, verarbeitet im Kopf des Künstlers und von ihm in Tönen, Farben und Formen ausgedrückt.

Von Leuten, die nicht zeichnen, spielen oder singen können, hört man oft, dass sie keine Begabung für Kunst hätten. Gleichzeitig fühlen sich diese Menschen gierig zu Musik, Theater, Malerei hingezogen und lesen eine Vielzahl literarischer Werke. Erinnern wir uns an unsere Kindheit: Fast jeder versucht zu zeichnen, zu singen, zu tanzen, Gedichte zu schreiben. Und das alles ist der Anfang der Kunst. In der Kindheit versucht sich jeder an verschiedenen Arten von Kunst. Nicht umsonst sagt man, dass in jedem Menschen ein Künstler steckt. Wo beginnt Kunst? Die Antwort auf diese Frage liegt, so paradox es auch klingen mag, nicht in der Kunst selbst, sondern im Leben jedes Menschen, in seiner Einstellung gegenüber anderen Menschen und sich selbst. Kunst wird normalerweise anhand des fertigen Produkts beurteilt. Aber stellen wir uns die Frage: Was bringt einen Menschen dazu, Kunstwerke zu schaffen? Welche Kraft treibt ihn, den Schöpfer, und die Kunstliebhaber an, die sich so sehr von seinen Kreationen angezogen fühlen? Wissensdurst, Bedürfnis, mit anderen Menschen zu kommunizieren. Aber der Wunsch, die Geheimnisse des Lebens zu entdecken, sowie der Wunsch, sich selbst und andere kennenzulernen, ist die eine Seite der Sache. Die andere Seite liegt in der Fähigkeit des Künstlers, das Leben auf besondere Weise zu erleben und sich auf seine ganz eigene Art und Weise darauf zu beziehen – leidenschaftlich, interessiert, emotional. Nur so kann er laut L.N. Tolstoi, andere Menschen mit Gefühlen anzustecken, seine Kunst wahrzunehmen, das Leben mit den Augen eines Künstlers zu betrachten. Das Leben ist eine Art Brücke zwischen Künstler und Betrachter, Kunst und Publikum. Und der Beginn der Kunst liegt darin, wie wir mit ihr umgehen, wie wir unsere Umgebung verstehen, wie wir die Handlungen und Taten anderer Menschen bewerten.

Die wichtigsten sozialen Funktionen der Kunst. Kunst ist multifunktional. Lassen Sie uns die Funktionen der Kunst auflisten und kurz beschreiben, die aufgrund der Tatsache, dass Kunstwerke als integrales Phänomen existieren, miteinander verbunden sind: sozial transformativ Und kompensatorisch Funktionen (Kunst als Aktivität und als Trost); kognitiv-heuristisch Funktion (Kunst als Wissen und Aufklärung); künstlerisch und konzeptionell Funktion (Kunst als Analyse des Zustands der Welt); Antizipationsfunktion(„Kassandrisches Prinzip“ oder Kunst als Vorhersage); Information und Kommunikation Funktionen (Kunst als Botschaft und Kommunikation); lehrreich Funktion (Kunst als Katharsis; Bildung einer ganzheitlichen Persönlichkeit); suggestiv Funktion (Kunst als Suggestion, Wirkung auf das Unterbewusstsein); ästhetisch Funktion (Kunst als Bildung des schöpferischen Geistes und der Wertorientierungen); hedonistisch Funktion (Kunst als Vergnügen).

Der Gegenstand der Kunst lässt sich weder auf einen Reflexionsgegenstand noch auf eine apriorische Erfindung des Künstlers reduzieren – er ist das Ergebnis, das Produkt des Zusammenspiels von Objektivem und Subjektivem im Bewusstsein und Erleben des Künstlers selbst. So verstanden hat der Kunstgegenstand ein ästhetisches Wesen.

Laut M.S. Grundlage für die Erklärung von Kunst in ihrem Realitätsbezug ist laut Kagan Lenins Reflexionstheorie, in deren Licht sie als „eine besondere gesellschaftliche Form der Reflexion und Bewertung der Realität“ verstanden werden kann. Aber wir werden hier nicht aufhören. Wir brauchen diese Theorie, um die Merkmale der Kunst als gesellschaftliche Form der Reflexion der Realität, die Besonderheiten ihrer Funktionen als praktisch spirituelle Entwicklung der Welt in Bezug auf die Zivilisation im Vergleich zu anderen Arten solcher Entwicklung aufzudecken. Dazu verwenden wir das Konzept von M.M. Bachtin. Eine grundlegende Analyse der Kunst des Mittelalters und des klassischen Erbes des 19. Jahrhunderts, ein tiefer historischer Rückblick ermöglichte es dem Wissenschaftler, mit wissenschaftlicher und philosophischer Gründlichkeit den sukzessiven Zusammenhang in ihrer Entwicklung zu verfolgen, den invarianten Kern der Kunst zu identifizieren, die trotz aller „Verbundenheit“ mit ihrer Zeit erhalten bleibt. MM. Bachtin definiert es als ein „Ereignis des Seins“ (Koexistenz des Seins). Sein Konzept besteht aus einer Analyse der Kunst aus der Perspektive: der Reflexionstheorie, der gesellschaftlichen Bedeutung der Kunst, ihrer Einheit und historischen Bedingtheit.

Versuchen wir, die Lapid-Formel von M.M. zu überprüfen. Bakhtin für seine Universalität und Anwendbarkeit sowohl auf die repräsentativsten Kunsttheorien der Vergangenheit und Moderne als auch in Bezug auf außereuropäische Konzepte. Die ereignisreiche Welt der Kunst ist laut Bakhtin die reflektierte Welt der alltäglichen Realität, jedoch geordnet und vervollständigt um den Menschen als seine Werteumgebung. „Ästhetische Tätigkeit sammelt die in Bedeutung zerstreute Welt und verdichtet sie zu einem vollständigen und autarken Bild, findet für das Vergängliche in der Welt (für ihre Gegenwart, Vergangenheit, ihre Präsenz) ein emotionales Äquivalent, das sie belebt und schützt, findet einen Wert.“ Die Position, von der aus das Transitorische ein wertbasiertes Ereignisgewicht erhält, erhält Bedeutung und stabile Gewissheit. Ein ästhetischer Akt bringt das Sein in einer neuen Werteebene der Welt hervor, ein neuer Mensch und ein neuer Wertekontext werden geboren – eine Ebene des Denkens über die menschliche Welt“ (M. M. Bakhtin).

Diese Art der Verdichtung der Welt um den Menschen und ihrer Wertorientierung auf den Menschen bestimmt die ästhetische Realität der Welt der Kunst, die sich von der kognitiven Realität unterscheidet, dieser aber natürlich nicht gleichgültig ist.“ Die ästhetische Stellung des Künstlers beschränkt sich nicht auf seine Teilnahme an den Angelegenheiten und Errungenschaften der existenziellen Welt, sondern setzt eine außerpraktische Tätigkeit in Bezug auf diese voraus. Diese Tätigkeit drückt sich in der „Wertvollendung der Welt“ aus, d.h. bei der Umgestaltung der Welt im Einklang mit dem Ideal. Die Grundlage einer solchen Wertetransformation des Seins ist die Haltung „dem Anderen gegenüber“, bereichert durch den Überschuss an Vision dieses „Anderen“ aus der Position des „Extra-Standorts“ des Künstlers.

Der Künstler ist in beide Welten eingebunden – die Welt des Seins und die Welt der Ereignisse seiner Helden; in der Welt des Seins agiert er selbst als „Anderer“, dessen Existenz ihm völlig unbekannt bleibt. Aber in dieser Welt begreift er die Fülle des Lebens und die Unvollständigkeit der Existenz, und die Unzufriedenheit damit lässt in ihm den Wunsch entstehen, ihr Bild zu rationalisieren und zu vervollständigen. „Die Welt befriedigt den Menschen nicht, und der Mensch beschließt, sie durch sein Handeln zu verändern“ (W. I. Lenin). In diesem Fall geht der praktischen Veränderung der Welt das Bewusstsein ihrer Unvollkommenheit, eine klare Vorstellung davon, was sie notwendigerweise oder wahrscheinlich sein könnte usw. voraus. schließlich Entschlossenheit, Bereitschaft zum praktischen Handeln. Aber nur indem der Künstler für eine Weile der Welt, dem unvollständigen Sein entflieht und die Position der „Außenseite“ einnimmt, kann er auf der Grundlage seiner eigenen Erfahrung und seines Wissens „über den Anderen“ diese Unvollständigkeit des Seins überwinden und es vervollständigen ein ganzheitliches Weltbild, das, losgelöst vom Künstler, eine objektive Bedeutung erhält. Die Vollständigkeit der ereignisreichen Welt der Kunst verleiht ihr eine objektive Bedeutung, die universeller und der direkten Betrachtung zugänglicher ist als die Bedeutung der fließenden Existenz eines unvollendeten Lebens, in das ein Individuum versunken ist. Ein Beispiel hierfür ist Hegels Analyse von Dantes Göttlicher Komödie in der Ästhetik.

An der Entstehung dieser neuen Welt der Kunst, des ereignisreichen Daseins, sind immer zwei beteiligt: ​​der Künstler (Betrachter) und der Held, d.h. „ein anderer Mensch“, um den sich die bewegte Welt der Kunst konzentriert. Aber ihre Positionen sind grundlegend unterschiedlich. Der Künstler weiß mehr über seinen Helden und sein Schicksal als über sich selbst, denn der Künstler kennt das „Ende“ des Ereignisses, während die menschliche Existenz immer unvollständig ist. Darüber hinaus sieht und weiß der Künstler seinen Helden nicht nur in der Richtung, in die der Held selbst, ein praktisches Subjekt, sieht, sondern auch in einer anderen Projektion, die grundsätzlich unzugänglich ist. Der Künstler sieht die Handlungen und das Schicksal des Helden nicht nur im wirklichen Leben, sondern auch in der Vergangenheit, die unbekannt existiert (die Situation des Ödipus), und in der Zukunft, die noch nicht existiert hat. Die Stellung des „Extra-Ortes“ des Künstlers in Bezug auf die Existenz der Welt ermöglicht es ihm, ein Ereignis von unwichtigen Momenten eines einzelnen, zufälligen (existentiellen) Erlebnisses zu befreien und es zu einem Ideal zu erheben, dem in der Antike eine magische Bedeutung zukommt Bedeutung zugeschrieben wurde. Der Künstler kann so die Stellung eines Menschen in der Welt, das Spiegelbild der Welt im Bewusstsein eines Menschen (Helden), seine Selbstreflexion über seine eigene Stellung erfassen und in Form eines ganzheitlichen Weltbildes darstellen in der Welt, die Reaktion auf diese Position der „Anderen“ und die Reaktion dieser „Anderen“ auf sein Selbstwertgefühl.

Diese sehr unterschiedlichen Projektionen der Welt jedoch zu einem ganzheitlichen Gesamtbild zu verbinden, das für alle von universeller Bedeutung ist, und gleichzeitig die Betrachtung auf eine der Schichten zu fokussieren, ohne die anderen aus den Augen zu verlieren, was diesem Bild Mehrdimensionalität und objektive Bedeutung verleiht, ermöglicht es dem Künstler, seine eigene Sicht auf die Welt auszudrücken. Gleichzeitig beschränkt sich der Künstler keineswegs auf die Nachahmung der Natur (des Wesens), insbesondere nicht in dem verfälschten Sinne dieses Wortes, den Gegner des Realismus oder seiner Vulgarisierer ihm geben. Er übernimmt eine aktive und produktive Rolle bei der Mitgestaltung der koexistenten Welt der Kunst. Diese Sonderstellung des Künstlers in Bezug auf die Welt der Kunst kann für den Betrachter unsichtbar sein, wenn sich das Ereignis scheinbar von selbst entwickelt, oder offen, wenn der Künstler in seiner Einstellung zum Ereignis offen tendenziös ist und es vom Standpunkt des Geschehens aus beurteilt ein Ideal oder deklarativ ausgedrückt, wenn der Künstler bewusst seine Macht über das Material demonstriert, bis hin zur Absurdierung des Ereignisses, was charakteristisch für die moderne Kunst der Moderne ist. Die Redundanz der Vision versetzt den Künstler in die Position eines Schöpfers, eines Demiurgen seiner Helden und ihrer Welt. Allerdings erweist er sich nur dann als wahrhaftig, wenn er nicht auf der „Reinheit“ und Überlegenheit seiner Wertvorstellung in Bezug auf die Welt besteht und das Übermaß seines Wissens über die Welt nicht in Willkür umschlägt. Somit ist die „Extra-Location“ des Künstlers, so Bachtin, eine Sonderstellung, die es ihm ermöglicht, Übergänge von der existenziellen Welt in die ereignisreiche Welt der Kunst zu vollziehen und so „eine besondere Art der Teilhabe am Geschehen der Existenz“ zu verwirklichen .“

Künstlerisches Bild. Kunst ist in erster Linie die Frucht harter Arbeit, das Ergebnis kreativen Denkens, kreativer Vorstellungskraft, die nur auf Erfahrung basiert. Es wird oft gesagt, dass ein Künstler in Bildern denkt. Ein Bild ist eine reale Sache oder ein reales Objekt, das im Kopf eingeprägt ist. Ein künstlerisches Bild entsteht in der Fantasie des Künstlers. Der Künstler offenbart uns alle wesentlichen Inhalte seiner eigenen Vision. Bilder entstehen nur im Kopf, und Kunstwerke sind künstlerische Bilder, die bereits im Material verkörpert sind. Aber damit sie entstehen, muss man künstlerisch denken – im übertragenen Sinne, d.h. in der Lage sein, mit Eindrücken aus dem Leben zu arbeiten, die den Stoff für ein zukünftiges Werk bilden würden.

Imagination als psychologischer Prozess ermöglicht es Ihnen, sich das Ergebnis der Arbeit vor ihrem Beginn vorzustellen, nicht nur das Endprodukt, sondern auch alle Zwischenstadien, die einen Menschen im Prozess seiner Tätigkeit orientieren. Im Gegensatz zum Denken, das mit Konzepten operiert, nutzt die Vorstellungskraft Bilder, und ihr Hauptzweck besteht darin, Bilder umzuwandeln, um die Schaffung einer neuen, zuvor nicht existierenden Situation oder eines neuen Objekts, in unserem Fall eines Kunstwerks, sicherzustellen. Die Vorstellungskraft wird dann aktiviert, wenn die notwendige Vollständigkeit des Wissens fehlt und es nicht möglich ist, mit Hilfe eines organisierten Begriffssystems den Ergebnissen der Tätigkeit zuvorzukommen. Die Arbeit mit Bildern ermöglicht es Ihnen, über einige nicht ganz klare Denkphasen zu „springen“ und sich dennoch das Endergebnis vorzustellen. Das bedeutet, dass die Arbeit ein wahrgewordener Traum ist. Ein verkörpertes Gefühl, eine Erfahrung, es vereint Lebensbeobachtungen und kreative Fantasie, Bilder der Realität und Bilder der Kunst. Realität, Aufrichtigkeit - Hauptmerkmal Kunst, und Kunst ist eine Eigenschaft der menschlichen Seele. Um in der Kunst etwas Neues zu sagen, muss man dieses Neue ertragen, es mit dem Verstand erleben, fühlen, besitzen. Natürlich die Fähigkeit zur Ausführung.

In jeder Kunstgattung hat das künstlerische Bild seine eigene Struktur, die einerseits durch die Eigenschaften des darin zum Ausdruck gebrachten spirituellen Inhalts und andererseits durch die Beschaffenheit des Materials, in dem dieser Inhalt verkörpert ist, bestimmt wird. So ist das künstlerische Bild in der Architektur statisch, in der Literatur jedoch dynamisch, in der Malerei figurativ und in der Musik intonatorisch. In manchen Genres erscheint das Bild im Bild einer Person, in anderen erscheint es als Abbild der Natur, in anderen erscheint es als Ding, in anderen vereint es die Darstellung menschlichen Handelns und der Umgebung, in der es sich entfaltet.

Phasen künstlerischen Schaffens. Lassen Sie uns die Hauptphasen künstlerischen Schaffens auflisten: Die erste Phase ist die Bildung eines künstlerischen Konzepts, das letztlich als Folge einer figurativen Reflexion der Realität entsteht; Die zweite Stufe ist die direkte Arbeit am Werk, seine „Herstellung“. Die Kunst, die als Existenzmittel für die geistige Welt des Menschen entsteht, trägt das gleiche Muster in sich. Unser Bewusstsein ist in seiner Interaktion mit der Welt eine gewisse Integrität und gleichzeitig gibt es jedes Mal eine bestimmte abgeschlossene spirituelle Handlung, die die objektive Handlung des Subjekts in der objektiven Welt reproduziert. Nehmen wir also an, wir lesen in einem Gedicht eine klar definierte Stimmung, genau diese, definiert und zugleich zeitlich abgeschlossen. V.G. Belinsky stellt fest, dass in einem Kunstwerk alles Form und alles Inhalt ist. Und dass ein Kunstwerk nur durch die Perfektion der Form den einen oder anderen tiefen Inhalt zum Ausdruck bringen kann. I. Kant schreibt, dass uns ästhetisches Vergnügen vor allem durch die Form geschenkt wird. Ihm wird vorgeworfen, dass seine Aussage als Grundlage für alle möglichen formalistischen Bewegungen gedient habe. Aber Kant ist hier nicht schuld. Ja, Formular. Aber welches und warum? Wenn wir bedenken, dass einer der wesentlichen Momente menschlicher objektiver Aktivität die Bildung von Formen ist, dann sollte jede Form als subjektive Manifestation dieses Moments menschlicher objektiver Aktivität einem Menschen eine gewisse Freude bereiten. Als Manifestation seiner subjektiven Fähigkeit in Bezug auf einen objektiven Prozess. Aber Kant spricht hier nicht von Kunst, sondern nur von der Ästhetik als solcher.

Das Element unserer Existenz, dieser für uns elementare, natürliche Prozess, in dem sich die Menschheit und mit ihr auch ich selbst befinden, ist der Prozess der Bildung. Doch was ist der Inhalt? - das ist sehr schwierige Frage. Nehmen wir die gesamte objektive Welt des Menschen, so können und müssen wir hier den Inhalt der Gestaltung durch die abstrakteste Darstellung offenbaren. Der Inhalt wird das Leben der Menschheit sein. Bezüglich jedes einzelnen Artikels, den wir erstellen. Ein Stuhl, ein Tisch, ein Bett, eine Säule, ein Parkettboden, ein Innenraum ... Aber in einem Kunstwerk wird dieses grenzenlose Meer der Formbildung konkretisiert: Der Inhalt wird der Prozess der Erfahrung des Subjekts sein die objektive menschliche Welt. Mit anderen Worten: die semantische Unmittelbarkeit des Subjekts als Prozess.

L.S. Vygotski schreibt in seiner „Psychologie der Kunst“, dass in der Kunst die Form den Inhalt überwiegt. Sowohl bei der Schaffung eines künstlerischen Bildes als auch bei der Wahrnehmung von Kunstwerken. Diese Schlussfolgerung gilt auch für die Existenz der geistigen Welt des Menschen. Bei jedem Schritt unserer Interaktion mit der Welt der Menschen erzeugen wir Bilder und sind gezwungen, etwas Vollständiges zu schaffen, um die Bedeutung des Geschehens zu erfassen. Natürlich formen wir in unserem Bewusstsein Bilder der Realität, führen die Formungsaktion durch und überwinden Inhalte mit Form. Es kann sein, dass wir gleichzeitig etwas außerhalb des subjektiven Bildes, das in unserem Kopf erscheint, zurücklassen. Dies hängt aber bereits von der Tiefe des semantischen Inhalts unseres Bewusstseins ab. Oder um es in der Computersprache auszudrücken: Das Programm, auf dessen Grundlage Bilder in uns entstehen, ist noch lange nicht perfekt. Der gesamte kreative Prozess ist geprägt von einer dialektischen Interaktion zwischen Inhalt und Form. Die künstlerische Form ist die Materialisierung von Inhalten. Ein wahrer Künstler geht bei der Offenlegung des Inhalts eines Werkes immer von den Möglichkeiten des Kunstmaterials aus. Jede Kunstart hat ihr eigenes Material. In der Musik sind das also Töne, zum Beispiel Ton, Dauer, Tonhöhe, Tonstärke, und in der Literatur ist das ein Wort. Ausdruckslosigkeit, „abgedroschene“ Wörter und Ausdrücke mindern die Kunstfertigkeit eines literarischen Werkes. Die richtige Materialauswahl des Künstlers gewährleistet ein wahrheitsgetreues Bild des Lebens, das der ästhetischen Wahrnehmung der Realität durch den Menschen entspricht. Im Allgemeinen erscheint jedes Kunstwerk als eine harmonische Einheit von künstlerischem Bild und Material.

Eine künstlerische Form ist also keine mechanische Verbindung von Elementen des Ganzen, sondern ein komplexes Gebilde, das zwei „Schichten“ umfasst – eine „innere“ und eine „äußere“ Form. Die auf der „unteren“ Ebene liegenden „Elemente“ der Form bilden die innere Form der Kunst, und die auf der „oberen“ Ebene liegenden Elemente bilden ihre äußere Form. Die innere Form umfasst: Handlung und Charaktere, ihre Beziehung – es gibt eine figurative Struktur des künstlerischen Inhalts, die Methode seiner Entwicklung. Die äußere Form umfasst alle Ausdrucks- und Bildmittel der Kunst und dient der materiellen Verkörperung des Inhalts.

Formelemente: Komposition, Rhythmus – das ist das Skelett, das Rückgrat des künstlerisch-figurativen Gefüges eines Kunstwerks, sie verbinden alle Elemente der äußeren Form. Der Prozess der Materialisierung künstlerischer Inhalte in Form erfolgt aus der Tiefe an die Oberfläche; der Inhalt durchdringt alle Ebenen der Form. Die Wahrnehmung eines Kunstwerks geht den umgekehrten Weg: Zuerst erfassen wir die äußere Form und dann, indem wir in die Tiefen des Kunstwerks eindringen, erfassen wir die Bedeutung der inneren Form. Dadurch beherrschen wir die Gesamtheit der künstlerischen Inhalte. Folglich ermöglicht uns die Analyse der Formelemente, die Form eines Kunstwerks klarer zu definieren. Form ist die innere Organisation, die Struktur eines Kunstwerks, die mit Hilfe der Ausdrucks- und Bildmittel dieser Kunstgattung geschaffen wird, um künstlerische Inhalte auszudrücken.

Jede Epoche bringt ihre eigene Kunst, ihre eigenen Kunstwerke hervor. Sie weisen ausgeprägte Besonderheiten auf. Dazu gehören die Thematik, die Prinzipien der Wahrnehmung der Wirklichkeit, ihre ideologische und ästhetische Interpretation sowie das System der künstlerischen und ausdrucksstarken Mittel, mit deren Hilfe die Welt um den Menschen in Kunstwerken nachgebildet wird. Solche Phänomene in der Kunstentwicklung werden üblicherweise als künstlerische Methode bezeichnet.

Künstlerische Methode - Dies ist eine bestimmte Art, die Realität zu verstehen, eine einzigartige Art, sie einzuschätzen, eine Art, das Leben umgekehrt zu modellieren. Der ursprüngliche und entscheidende Faktor für die Entstehung und Verbreitung einer künstlerischen Methode ist die konkrete historische Realität; sie bildet sozusagen ihre objektive Grundlage, auf der diese oder jene Methode entsteht. Hegel argumentierte auch, dass „der Künstler seiner eigenen Zeit angehört und nach ihren Sitten und Gewohnheiten lebt“. Die materialistische Ästhetik vertritt jedoch eine andere Meinung: Der Reichtum der Kreativität hängt von der Integrität der Weltanschauung ab. Daher können im Rahmen einer sozioökonomischen Formation unterschiedliche Methoden künstlerischen Schaffens nebeneinander existieren. Die zeitlichen Grenzen künstlerischer Methoden sollten nicht wörtlich genommen werden. Die Keime neuer Methoden tauchen meist in Werken auf, die auf der Grundlage alter Methoden entstanden sind. Gleichzeitig ist noch etwas anderes offensichtlich: Gruppen von Künstlern innerhalb derselben künstlerischen Methode sind einander in Bezug auf eine Reihe grundlegender Merkmale der Kreativität und ihrer praktischen Ergebnisse näher. Dieses Phänomen in der Kunst nennt man Stil.

Kunst Stil ist eine ästhetische Kategorie, die eine relativ stabile Gemeinschaft der wichtigsten ideologischen und künstlerischen Merkmale der Kreativität widerspiegelt, die durch die ästhetischen Prinzipien der künstlerischen Methode bestimmt wird und für einen bestimmten Kreis von Kunstschaffenden charakteristisch ist. Yu. Borev stellt eine Reihe stiltypischer Faktoren fest: den Faktor des kreativen Prozesses; Faktor der sozialen Existenz des Werkes; künstlerischer Prozessfaktor; Faktor der Kultur Faktor des künstlerischen Einflusses der Kunst

Der Begriff „Kunstschule“ wird am häufigsten zur Bezeichnung nationaler und provinzieller Zweige einer künstlerischen Bewegung verwendet. Eine wichtige ästhetische Kategorie, die die künstlerische Praxis widerspiegelt, ist künstlerische Leitung . Diese Kategorie wird in der Literatur praktisch nicht entwickelt und wird oft mit der Methode der Kreativität und des Stils gleichgesetzt. Allerdings ist die kreative Methode eine Möglichkeit, die Realität und ihre künstlerische Modellierung zu verstehen, aber an sich noch keine ästhetische Realität. Nur die Früchte künstlerischen Schaffens, Kunstwerke, die mit der einen oder anderen kreativen Methode geschaffen wurden, haben Realität.

Folglich ist die Haupteinheit der Dynamik der Entwicklung der Kunstgeschichte nicht die schöpferische Methode, sondern die künstlerische Ausrichtung, d.h. eine Reihe von Werken, die in einer Reihe bedeutender ideologischer und ästhetischer Merkmale nahe beieinander liegen. Mit anderen Worten: Die künstlerische Methode materialisiert sich in der künstlerischen Richtung. Die Entwicklung, Gestaltung und Auseinandersetzung künstlerischer Methoden wird in der künstlerischen Leitung gebrochen. Aber es hängt eng mit dem Stil zusammen.

Eine künstlerische Leitung ist die größte und umfassendste Einheit des künstlerischen Prozesses, die Epochen und Kunstsysteme umfasst. Es ermöglicht uns, eine ganze historische Epoche der künstlerischen Kultur und eine ganze Gruppe von Künstlern zu beurteilen. Es bricht die künstlerischen, ideologischen, weltanschaulichen und ästhetischen Merkmale der künstlerischen Entwicklung. Eine künstlerische Bewegung ist eine künstlerische Bewegung, die sich unter bestimmten nationalen und historischen Bedingungen bildet und Gruppen von Künstlern vereint, die im Rahmen einer künstlerischen Methode und einer Kunstart auf unterschiedlichen ästhetischen Prinzipien stehen, um spezifische kreative Probleme zu lösen. Die Unterschiede innerhalb einer künstlerischen Bewegung sind relativ. ZU Hauptkünstlerische Richtungen Dazu gehören: mythologischer Realismus der Antike, mittelalterlicher Symbolismus, Renaissance-Realismus, Barock, Klassizismus, pädagogischer Realismus, Sentimentalismus, Romantik, kritischer Realismus des 19. Jahrhunderts, Realismus des 20. Jahrhunderts, sozialistischer Realismus, Expressionismus, Surrealismus, Existentialismus, abstrakte Kunst, Pop Kunst, Hyperrealismus usw. Somit erscheint die historische Entwicklung der Kunst tatsächlich als ein historischer Prozess der Entstehung und Veränderung künstlerischer Methoden, Stile und Trends.

Morphologie der Kunst. Das Problem, Kunstarten zu identifizieren und ihre Eigenschaften zu klären, beschäftigt die Menschheit seit langem. Viele Philosophen, Kulturschaffende und Künstler versuchten, dieses Problem endgültig zu lösen. Der aktuelle Stand dieses Problems ist jedoch nicht klar genug. Die erste Klassifizierung von Kunstarten durch Platon und Aristoteles ging nicht über die Untersuchung der Besonderheiten einzelner Kunstarten hinaus. Die erste ganzheitliche Klassifikation wurde von I. Kant vorgeschlagen, jedoch nicht auf praktischer, sondern auf theoretischer Ebene. Das erste System zur Darstellung der Beziehung zwischen bestimmten Kunstgattungen lieferte Hegel in seinem Vortrag „Das System der Einzelkünste“, in dem er die Beziehung zwischen Idee und Form begründete und eine Klassifikation der Kunstgattungen von der Skulptur bis zur Skulptur erstellte Poesie.

Im 20. Jahrhundert klassifizierte Fechner Kunstformen aus psychologischer Sicht: vom Standpunkt des praktischen Nutzens der Kunstform aus. So ordnete er sowohl das Kochen als auch die Parfümerie als Kunst ein, d. h. Arten ästhetischer Aktivitäten, die neben ästhetischen Werten auch andere praktische Funktionen erfüllen. T. Munro vertrat ungefähr die gleichen Ansichten und zählte insgesamt etwa 400 Kunstarten. Im Mittelalter vertrat Al Farabi ähnliche Ansichten. Die Vielfalt der Kunst hat sich historisch als Spiegelbild der Vielseitigkeit der Realität und der individuellen Merkmale der menschlichen Wahrnehmung derselben entwickelt. Wenn wir also jede Art von Kunst hervorheben, meinen wir die historisch gewachsene Kunstform, ihre Hauptfunktionen und Klassifizierungseinheiten.

Arten von Kunst- Literatur, Bildende Kunst, Musik, Choreografie, Architektur, Theater usw. eine Beziehung zur Kunst als etwas Besonderes zu etwas Allgemeinem haben. Spezifische Merkmale, die eine spezifische Manifestation des Allgemeinen darstellen, bleiben im Laufe der Kunstgeschichte erhalten und manifestieren sich in jeder Epoche in verschiedenen Kunstkulturen unterschiedlich.

Im modernen Kunstsystem gibt es zwei Tendenzen: den Wunsch nach Synthese und den Erhalt der Souveränität einzelner Kunstgattungen. Beide Trends sind fruchtbar und tragen zur Entwicklung des Kunstsystems bei. Die Entwicklung dieses Systems wird maßgeblich von den Errungenschaften der Moderne beeinflusst wissenschaftlicher und technischer Fortschritt, ohne die die Entstehung von Kino, Holographie, Rockoper usw. unmöglich gewesen wäre.

Qualitative Merkmale der Künste und ihr Zusammenwirken

Die Architektur ist eine Kunstform, deren Zweck darin besteht, Strukturen und Gebäude zu schaffen, die für das Leben und die Aktivitäten der Menschen notwendig sind. Es erfüllt nicht nur eine ästhetische Funktion im Leben der Menschen, sondern auch eine praktische. Architektur als Kunstform ist statisch und räumlich. Das künstlerische Bild entsteht hier auf ungegenständliche Weise. Es zeigt bestimmte Ideen, Stimmungen und Wünsche durch die Beziehung von Maßstäben, Massen, Formen, Farben und Verbindungen zur umgebenden Landschaft, also durch gezielte Ausdrucksmittel. Als Tätigkeitsfeld hat die Architektur ihren Ursprung in der Antike. Als Kunstfeld nahm die Architektur in den Kulturen Mesopotamiens und Ägyptens Gestalt an; im antiken Griechenland und Rom blühte sie auf und erlangte Urheberschaft. Während der Renaissance war L.B. Alberti schreibt seine berühmte Abhandlung „Über die Architektur“, in der er die Entwicklung der Renaissance-Architektur definiert. Vom Ende des 16. bis zum 19. Jahrhundert. In der europäischen Architektur ersetzen sie sich gegenseitig, z Architekturstile wie zum Beispiel: Barock, Rokoko, Empire, Klassizismus usw. Ab dieser Zeit wurde die Architekturtheorie zur Leitdisziplin der Akademie der Künste Europas. Architektur im 20. Jahrhundert erscheint in einer neuen Funktion. Im Zusammenhang mit der Entstehung neuer Gebäudetypen zeichnen sich Richtungen und Trends ab: Verwaltungsgebäude, Industriegebäude, Sportgebäude usw. All dies erforderte von den Architekten neue Lösungen: die Schaffung eines Gebäudes, das einfach zu nutzen ist, ein wirtschaftliches Design aufweist und eine ästhetisch vollständige künstlerische und ausdrucksstarke Form enthält. Es tauchen auch neue Typen auf: „Architektur der kleinen Formen“, „Architektur der monumentalen Formen“, „Garten- und Parkkultur oder grüne Architektur“.

Bildende Kunst. Bildende Kunst ist eine Gruppe künstlerischer Schaffensformen (Malerei, Grafik, Bildhauerei, künstlerische Fotografie), die bestimmte Lebensphänomene in ihrer sichtbaren objektiven Form wiedergeben. Kunstwerke sind in der Lage, die Dynamik des Lebens zu vermitteln und die spirituelle Erscheinung eines Menschen wiederzugeben. Seine Hauptgattungen sind Malerei, Grafik und Skulptur.

Malerei - das sind Werke, die auf einer Ebene mit Farben und farbigen Materialien entstehen. Das wichtigste visuelle Mittel ist ein System von Farbkombinationen. Die Malerei ist in Monumentalmalerei und Staffeleimalerei unterteilt. Die Hauptgenres sind: Landschaft, Stillleben, thematische Gemälde, Porträt, Miniatur usw.

Grafik. Es basiert auf einer monochromatischen Zeichnung und Verwendung Konturlinie. Punkt, Strich, Punkt. Je nach Verwendungszweck wird es in Staffelei und angewandten Druck unterteilt: Gravur, Lithographie, Radierung, Karikatur usw.

Skulptur. Es gibt die Realität in volumetrisch-räumlichen Formen wieder. Die Hauptmaterialien sind: Stein, Bronze, Marmor, Holz. Dem Inhalt nach wird es in Monumental-, Staffelei- und Kleinskulpturen unterteilt. Je nach Bildform werden unterschieden: dreidimensionale dreidimensionale Skulpturen, Relief-konvexe Bilder auf einer Ebene. Das Relief wiederum ist unterteilt in: Flachrelief, Hochrelief, Gegenrelief. Grundsätzlich entwickelten sich in der Antike alle Gattungen der Bildhauerei.

Foto . Heutzutage ist ein Foto nicht nur eine Kopie der äußeren Erscheinung eines Phänomens auf Film. Ein Künstlerfotograf kann durch die Wahl des Fotomotivs, der Beleuchtung und der besonderen Neigung der Kamera ein authentisches künstlerisches Erscheinungsbild erzeugen. Am Ende des 20. Jahrhunderts nahm die Fotografie zu Recht einen besonderen Platz unter den bildenden Künsten ein.

Kunst und Handwerk. Dies ist einer von älteste Art menschliche kreative Tätigkeit bei der Herstellung von Haushaltsgegenständen. Diese Kunstform verwendet eine Vielzahl von Materialien: Ton, Holz, Stein, Metall, Glas, Stoffe, natürliche und synthetische Fasern usw. Abhängig vom gewählten Kriterium wird es in Fachbereiche unterteilt: Keramik, Textilien, Möbel, Geschirr, Malerei usw. Der Höhepunkt dieser Kunstform ist die Schmuckherstellung. Einen besonderen Beitrag zur Entwicklung dieser Kunst leistet das Volkshandwerk.

Literatur. Literatur ist eine schriftliche Form der Wortkunst. Mit Hilfe von Worten erschafft sie ein echtes Lebewesen. Literarische Werke werden in drei Typen unterteilt: epische, lyrische und dramatische Werke. Zur epischen Literatur gehört das Genre des Romans. Erzählung, Kurzgeschichte, Essay. Lyrische Werke umfassen poetische Genres: Elegie, Sonett, Ode, Madrigal, Gedicht. Drama soll auf der Bühne aufgeführt werden. Zu den dramatischen Genres gehören: Drama, Tragödie, Komödie, Farce, Tragikomödie usw. In diesen Werken wird die Handlung durch Dialoge und Monologe offenbart. Das wichtigste Ausdrucks- und Bildmittel der Literatur ist das Wort. In der Literatur ist es das Wort, das das Bild entstehen lässt; hierfür werden Tropen verwendet. Das Wort offenbart die Handlung, zeigt literarische Bilder in Aktion und formuliert auch direkt die Position des Autors.

Musik. Musik ist eine Kunstform, die verschiedene emotionale Zustände zum Ausdruck bringt und mit Hilfe speziell arrangierter Klangkomplexe einen Menschen beeinflusst. Die Natur der Intonation ist das wichtigste Ausdrucksmittel der Musik. Weitere Bestandteile der musikalischen Ausdruckskraft sind: Melodie, Modus, Harmonie, Rhythmus, Metrum, Tempo, dynamische Schattierungen, Instrumentierung. Musik enthält auch eine Genrestruktur. Hauptgenres: Kammermusik, Oper, Symphonie, Instrumentalmusik, Vokal-Instrumentalmusik usw. D. Kabalevsky nannte auch die Musikgenres Lied, Tanz und Marsch. Allerdings gibt es in der Musikpraxis viele Genrevarianten: Choral, Messe, Oratorium, Kantate, Suite, Fuge, Sonate, Symphonie, Oper usw.

Zeitgenössische Musik wird aktiv in das System der Synthese einbezogen Kunstarten: Theater und Kino.

Theater. Das grundlegende Element eines Theaterspektakels ist das Bühnengeschehen. V. Hugo schrieb: „Das Theater ist das Land des Wahren: Auf der Bühne gibt es Menschenherzen, hinter den Kulissen gibt es Menschenherzen, im Saal gibt es Menschenherzen.“ Laut A.I. Herzens Theater ist „die höchste Autorität für die Lösung von Lebensproblemen.“ Seit seinem Erscheinen im antiken Griechenland hatte das Theater eine so große gesellschaftliche Bedeutung, dass die Bürger öffentliche Probleme in Theateraufführungen lösten. Theater ist eine Kunstform, die dabei hilft, die Widersprüche der Zeit, der inneren Zeit der menschlichen Welt, aufzudecken. Ideen werden durch dramatische Aktionen – Performances – bestätigt. Im Prozess der Theaterhandlung entfalten sich Ereignisse in Zeit und Raum, aber die Theaterzeit ist bedingt und nicht gleich der astronomischen Zeit. Die Performance gliedert sich in ihrer Entwicklung in Akte, Aktionen und diese wiederum in Inszenierungen, Bilder etc.

Das Theater vereint verschiedenste Genres der darstellenden Künste – sei es Schauspiel oder Ballett, Oper oder Pantomime. Die Hauptfigur im Theater war lange Zeit der Schauspieler, dem Regisseur war eine Nebenrolle zugedacht. Doch die Zeit verging, das Theater entwickelte sich und die Anforderungen an es wuchsen. Es brauchte im Theater eine besondere Person, die für alles verantwortlich war. Diese Person wurde der Regisseur. Das erste Theater für reife Regisseure entstand in Russland. Seine Gründer waren K.S. Stanislavsky und V.I. Nemirovich-Danchenko, dann V. Meyerhold und E. Vakhtangov. Im 20. Jahrhundert Die Theaterpraxis wurde durch viele experimentelle Formen ergänzt: Das Theater des Absurden, Kammertheater, politisches Theater, Straßentheater usw. erschienen.

Kino . Das Kino gilt als die wirkungsvollste Kunstform, denn die Realität, die das Kino schafft, unterscheidet sich äußerlich nicht vom wirklichen Leben. Das Kino ähnelt dem Theater in vielerlei Hinsicht: synthetisch, spektakulär und kollektiv. Aber nachdem sie den Schnitt gefunden hatten, waren Filmkünstler in der Lage, ihre eigene Filmzeit, ihren eigenen Filmraum zu schaffen; im Theater sind diese Möglichkeiten auf die Bühne und die Echtzeit beschränkt. Es gibt verschiedene Genres des Kinos: Fiktion, Dokumentarfilm, Populärwissenschaft, Tierfilm.

Ein Fernseher- der Jüngste der Künste. Sein sozialer Wert liegt in der Informativität von Audio und Video. Ein Fernsehbildschirm setzt das Bild dem Licht aus, daher hat es eine etwas andere Textur und andere Kompositionsgesetze als im Kino. Licht ist das stärkste Ausdrucksmittel im Fernsehen. Das Fernsehen birgt mit seiner Faktizität und Naturnähe ein großes Potenzial zur Auswahl und Interpretation der Realität. Gleichzeitig birgt es eine Gefahr für die Standardisierung des Denkens der Menschen. Ein wichtiges ästhetisches Merkmal des Fernsehens ist die Übertragung der Synchronizität der Ereignisse, die direkte Berichterstattung vom Ort des Geschehens und die Einbindung des Zuschauers in den modernen Geschichtsfluss. Das Fernsehen birgt einerseits vielfältige soziale Möglichkeiten, andererseits aber auch Bedrohungen und gute Aussichten. Es könnte sich als Trojanisches Pferd und großer Lehrer der Menschheit erweisen.