Valori estetice și artă. Valorile estetice și rolul lor în viața umană

VALOARE ESTETICĂ - un termen care servește la desemnarea unui obiect de atitudine estetică în sensul său pozitiv. Diferența dintre conceptele de valoare estetică constă în modul în care este înțeleasă sursa, baza, esența acesteia. Acesta este fie Dumnezeu (Thomas Aquinas, neo-tomism), idee (Platon, Hegel), sentimente umane (D. Santayana, D. Dewey), „suprareal” (N. Hartman), regularitate naturală (E. Burke, W. Hogarth), esența înțeleasă antropologic a unei persoane (D. Feuerbach), sau relații sociale care se formează în procesul practicii socio-istorice.

Valoarea estetică are obiectivitate în două privințe, în primul rând, reprezintă unele obiecte, lucruri, fenomene cu anumite proprietăți și, în al doilea rând, are o anumită valoare obiectivă pentru individ si societate. Dezvoltarea valorii estetice se realizează în procesul de evaluare, inclusă în experiența estetică, gust, ideal. Conformitatea evaluării estetice cu valoarea estetică determină adevărul judecăţii estetice. Valorile estetice pot fi create în diferite tipuri de activitate umană, deoarece creativitatea se manifestă în ele „tot după legile frumuseții” (K. Marx). Valoarea artistică este un tip special de valoare estetică.

Valoarea estetică este interconectată cu alte valori materiale și spirituale. Specificul său se manifestă în particularitățile structurii și conținutului valorii estetice „se intersectează” cu valorile materiale și practice, în măsura în care acestea din urmă combină nevoile individului și ale societății și exprimă cea mai mare oportunitate. Pe această bază, există o întrepătrundere a acestora și a valorii estetice în produse de înaltă calitate a muncii industriale și artistice (arhitectură, artă aplicată, design). În același timp, valoarea estetică se opune unor astfel de valori utilitare care au un caracter îngust de consumator și o orientare egoistă, deoarece atitudinea estetică se caracterizează prin faptul că este o zonă a celor mai înalte interese ale individului și, în acest sens, dezinteresat. Spre deosebire de valori spirituale precum morală, socio-politică, cognitivă, religioasă, forma joacă un rol foarte important în valoarea estetică. Importanța formei se datorează particularităților conținutului său; valoarea estetică întruchipează multe semnificații diferite: sens psihofiziologic pentru simțurile umane, semnificații asociate cu esența muncii umane, cu diverse relații sociale; valori pentru cunoaștere, autocunoaștere, pentru educație și autoeducare, pentru orientare către valori, pentru comunicare între oameni, ca stimulent pentru activitatea creativă, pentru distracție. Toate aceste semnificații sunt combinate într-un singur complex, unic pentru fiecare fenomen specific. Caracteristicile unice ale formei fenomenului fac posibilă combinarea, unirea, captarea complexelor inimitabile, unice, de diferite valori de valoare estetică. Esența valorii estetice este afirmarea unei persoane în realitate, manifestarea dezvoltării libere și dezvoltării libertății omului și a societății. Potrivit lui F. Engels, „fiecare pas înainte pe calea culturii a fost un pas către libertate” valorile estetice sunt repere pe această cale.

Deținând specificul său, valoarea estetică nu este autonomă în raport cu alte valori. Pe baza comunității sale cu alte valori spirituale, se formează valori estetico-morale, estetico-politice, estetico-cognitive, atunci când umanismul, oportunitatea și libertatea, care stau la baza oricărei valori adevărate, își găsesc expresia și întruchiparea într-o formă senzuală concretă. . Unul dintre scopurile artei este de a descoperi principiul estetic în diverse relații sociale și de a îmbina valorile morale și socio-politice cu valoarea estetică.

Valoarea estetică are diverse forme de manifestare, fixate pe categorii estetice. Frumosul este principala valoare estetică, standardul său. Sublimul este și un fel de valoare estetică. Dacă frumosul și sublimul sunt întruchiparea directă a valorii estetice, atunci urâtul și baza sunt antipozii lui, ele aparțin antivalorilor estetice, adică obiectului unei atitudini estetice care are o valoare negativă. Tragicul și comicul se formează ca urmare a unei împletiri complexe de forțe care apar în contradicție între valoarea estetică și antivaloarea estetică. Tragicul din punct de vedere axiologic poate fi considerat ca o afirmație a valorii unui fenomen care piere sau suferă în confruntarea cu forțele ostile. Comicul, în schimb, este autodezvăluirea fenomenelor și a oamenilor, descoperirea adevăratului lor sens, care se dovedește a fi nesemnificativ, antivaloric, în contrast cu adevărata valoare estetică. Astfel, afirmarea comică a valorii estetice prin negația negației sale.

Datorită universalității sale, valoarea estetică prin artă și dincolo de aceasta joacă un rol deosebit în formarea calităților sociale ale individului, introducând o persoană nu numai în diferitele comunități de oameni, grupuri sociale și colective, ci și în umanitate, în „esența generică a omului” (K. Marx) și, prin urmare, în timpul percepției și creării sale, evocă cea mai înaltă plăcere umană - sentimentul „fericirii de a fi bărbat” (G. Uspensky).

Estetica este o ramură a cunoașterii filozofice care se ocupă cu studiul conștiinței estetice și cu activitatea creativității artistice, cu dezvoltarea culturii artistice. Prima încercare de fundamentare a categoriilor estetice a fost făcută de Socrate și Platon. De-a lungul istoriei filozofiei s-au creat concepte estetice în care există o schimbare clară către interesul pentru persoana creativă. Între timp, categoriile estetice sunt direct legate de existența unei persoane în ansamblu, de diferența calitativă a acesteia față de viața animală.

Teoria estetică are propriul său aparat categoric. Conceptul central aici este „estetic”. Uneori este identificat cu conceptul de „frumos”. Estetica este înțeleasă ca o latură specifică a ființei umane percepută senzual și care aduce plăcere și plăcere. Se opune esteticului (sau frumosului) - ființă inestetică (sau - urâtă). Ideile despre frumos și urât sunt asociate cu înțelegerea armoniei, corespondența părților cu întregul, consistența, moralitatea, spiritualitatea și sinceritatea.

Categoriile „sublim și josnic”, „eroic și laș”, „comic și tragic” aparțin și ele sentimentelor și valorilor estetice. Valorile estetice sunt strâns legate de valorile morale. Deci, „sublime” sau „scăzute” în societate sunt recunoscute astfel de gânduri, impulsuri, acțiuni sau atitudini ale oamenilor care se bazează pe idei despre perfect, stare limită existența umană, având o evaluare pozitivă sau negativă a societății. În artă, baza poate fi reprezentată ca sublim, iar sublimul ca bază, iar apoi aceste valori estetice sunt actualizate, devin o sursă de reflecție și autodeterminare a unei persoane.

Prin „eroic” se înțelege, de obicei, activitatea altruistă a unei persoane asociată cu sacrificiul de sine sau pregătirea pentru aceasta în scopul de a aduce beneficii altor persoane. Eroismul poate fi nu numai extrem (de exemplu, într-un război), ci și cotidian, obișnuit (de exemplu, eroismul medicilor care operează și alăptează pacienți cu SIDA după răni; eroismul unei mame, în ciuda faptului că

circumstanțe care inspiră bunăvoință copiilor ei defavorizați etc. P.).

Tragicul și comicul sunt categorii antipodale: percepția primei determină o persoană să simtă șoc psihologic și fizic, frică, disperare, creează tensiune emoțională. Tensiunea emoțională provocată de trăirea tragicului, în artă aduce un sentiment de purificare (catharsis). Comicul, creând și tensiune emoțională, îl formează într-un mod pozitiv, aducând plăcere și râs. Râsul este de fapt o manifestare umană a sentimentelor, nu caracteristică altor ființe vii. La fel ca atunci când suferim, ne curățăm interior, atunci când râdem, suntem vindecați de propriile noastre imperfecțiuni. Comicul este una dintre cele mai misterioase categorii estetice (vezi prelegerea despre râs în subiecte opționale din acest ghid de studiu).

Sfera practică pentru realizarea ideilor estetice este activitatea estetică în artă. Recreerea și exaltarea frumosului și condamnarea urâtului este una dintre cele mai importante funcții ale artei. Valorile estetice joacă în viața unei persoane rolul fundamentelor imaginii lumii și principiile structurării acesteia.

Valori religioase și libertate de conștiință

Nu întâmplător religia a apărut în acel stadiu istoric al dezvoltării omenirii, când s-a realizat mortalitatea omului. Misterul morții, problema morții a fost unul dintre primii și principalii stimuli și cercetări filozofice. Silogismul lui Socrate: "Toți oamenii sunt muritori. Socrate este un om. Prin urmare, Socrate este muritor" în Antichitate a fost lăudat ca exemplu de raționament perfect. Se credea că soarta omului, soarta națiunilor și chiar existența lui Dumnezeu depindeau de sensul acestui silogism. Problema morții este astfel strâns legată de conceptul de Dumnezeu și religie.Principalul element psihologic al religiei și unul dintre conceptele de bază ale religiei este credința. Definiția inițială a credinței printre creștini este definiția atribuită apostolului Pavel: „Credința este substanța lucrurilor nădăjduite și dovada lucrurilor nevăzute”. Rectorul Academiei Teologice din Kiev, arhimandritul Anthony, a dat în 1862 următoarea definiție a credinței: „Acestea sunt esența adevărului, inaccesibile experienței și depășind rațiunea umană, care este diferența dintre credință și cunoaștere”. Astfel, „credința” este credința în adevărul a ceea ce este inaccesibil rațiunii și cunoașterii. De aceea, caracterul paradoxal al formulei teologului creștin timpuriu roman Tertulian (160-222): „Credo, quia absurdum” („Cred pentru că este absurd”) este doar aparent. Dacă o persoană are mare nevoie de cunoștințe sau de un adevăr, dar nu are o oportunitate obiectivă de a obține această cunoaștere, ea poate crede doar în prezența cunoștințelor dorite sau în adevărul nedovedit. De exemplu, o persoană nu se poate împăca cu moartea unei persoane dragi și trebuie să știe că chiar și după moarte este posibilă o întâlnire cu persoana iubită. Dar o astfel de cunoaștere este obiectiv imposibil de obținut. Apoi persoana trece la credința în viata de apoi, și devine mai ușor pentru el: la urma urmei, în viața pământească, uneori, ne despărțim pentru un timp de cei dragi. Credința în nemurirea sufletului ajută o persoană să se împace cu pierderea. Această credință nu are nevoie de o explicație rațională; credința este gata să accepte tot ceea ce liniștește sufletul.Tema morții este indisolubil legată de ideea nemuririi. Nemurirea - cu credință. Credința este indisolubil legată de conceptul de speranță și de alte categorii morale. Un zeu drept acordă recompense strălucitoare virtuții după moarte, în timp ce supune răul la pedepse teribile. După cum a remarcat Emerson, în esență, „ne considerăm nemuritori pentru că ne considerăm apți pentru nemurire”. Vorbim despre valoarea individului, a cărei speranță pentru nemurire este proclamată de religie. De fapt, ideea de iad scoate toate manifestările morale negative ale unei persoane din parantezele vieții pământești: egoismul, ura, nedreptatea, răul și își condamnă purtătorii la suferința veșnică; iar ideea de paradis perpetuează altruismul, iubirea, dreptatea, cinstea, bunătatea și promite oamenilor virtuoși pe parcursul vieții recunoştinţa eternă a lui Dumnezeu, frumuseţea, etc. Poruncile religioase învaţă să preţuiască virtuţile umane şi să condamne răul în toate formele sale de bază. Religia ca instituție socială există de mii de ani pentru că pe parcursul existenței sale a dezvoltat mecanisme eficiente de reconciliere aprobate moral de societate cu complexitățile vieții pământești și ale mortalității umane. Dar să crezi sau să nu crezi în Dumnezeu este o chestiune personală pentru fiecare persoană. În conformitate cu legislația Federației Ruse, toți cetățenii au dreptul de a profesa orice religie, de a practica culte religioase sau de a conduce propagandă atee. Dreptul și datoria societății este de a cere un comportament moral de la individ, iar dreptul și datoria individului este de a se comporta în societate în conformitate cu normele morale și cu legea.

Cultura societății umane

Cultura îndeplinește mai multe funcții vitale, fără de care însăși existența omului și a societății este imposibilă. Principalul dintre ei este funcția de socializare sau creativitatea umană, adică formarea si educarea omului. Pe măsură ce separarea omului de regnul naturii a mers odată cu apariția unor elemente mereu noi ale culturii, tot așa și reproducerea omului are loc prin cultură. În afara culturii, fără a o stăpâni, un nou-născut nu poate deveni persoană.Asta poate fi confirmat de cazurile cunoscute din literatură când un copil a fost pierdut de părinți în pădure și a crescut și a trăit într-o haită de animale câțiva ani. . Chiar dacă a fost găsit ulterior, acești câțiva ani au fost suficienți pentru ca el să fie pierdut în societate: copilul găsit nu mai putea stăpâni nici limbajul uman, nici alte elemente ale culturii. Numai prin cultură o persoană stăpânește toată experiența socială acumulată și devine membru cu drepturi depline al societății. Aici, tradițiile, obiceiurile, deprinderile, ritualurile, ritualurile etc. joacă un rol deosebit, care formează o experiență socială colectivă și un mod de viață. Cultura acționează de fapt ca „ereditatea socială”, care se transmite omului și a cărui semnificație nu este cu nimic mai mică decât ereditatea biologică. A doua funcție a culturii, strâns legată de prima, este educațional, informațional. Cultura este capabilă să acumuleze o varietate de cunoștințe, informații și informații despre lume și să le transmită din generație în generație. Acționează ca o memorie socială și intelectuală a omenirii.Nu mai puțin important este de reglementare, sau normativ, func cultura, prin care stabilește, organizează și reglementează relațiile dintre oameni. Această funcție se realizează în primul rând printr-un sistem de norme, reguli și legi de moralitate, precum și reguli, a căror respectare constituie condițiile necesare existenței normale a societății. funcția de comunicare, care se realizează în primul rând cu ajutorul limbajului, care este principalul mijloc de comunicare între oameni. Alături de limbajul natural, toate domeniile culturii - știință, artă, tehnologie - au propriile limbaje specifice, fără de care este imposibil să stăpânești întreaga cultură în ansamblu. Cunoașterea limbilor străine deschide accesul la altele culturi nationaleși întreaga cultură a lumii.O altă funcție - valoros, sau axiologice, este, de asemenea, de mare importanță. Contribuie la formarea nevoilor și orientării valorice ale unei persoane, îi permite să facă distincția între bine și rău, bine și rău, frumos și urât. Criteriul pentru astfel de diferențe și aprecieri sunt în primul rând valorile morale și estetice. funcție creativă, inovatoare cultură care își găsește expresie în crearea de noi valori și cunoștințe, norme și reguli, obiceiuri și tradiții, precum și în regândirea critică, reformarea și actualizarea unei culturi existente. functie compensatorie cultura, care este asociată cu restabilirea forței fizice și spirituale a unei persoane, activități de petrecere a timpului liber, relaxare psihologică etc. Sociologul occidental modern Per Monson a identificat patru abordări principale pentru înțelegerea societății. Prima abordare decurge din primatul societăţii în raport cu individul. Societatea este înțeleasă ca un sistem care se ridică deasupra indivizilor și nu poate fi explicat prin gândurile și acțiunile acestora, întrucât întregul nu se reduce la suma părților sale: indivizii vin și pleacă, se nasc și mor, dar societatea continuă să existe. Această tradiție își are originea în conceptul lui E. Durkheim și chiar mai devreme - în opiniile lui O. Comte. Dintre tendințele moderne, include în primul rând școala de analiză structural-funcțională (T. Parsons) și teoria conflictului (L. Kose și R. Dahrendorf). A doua abordare, dimpotrivă, va încurca focalizarea atenției către individ, argumentând că fără a studia lumea interioară a unei persoane, motivele și semnificațiile sale, este imposibil să se creeze o teorie sociologică explicativă. Această tradiție este asociată cu numele sociologului german M. Weber. Printre teorii moderne care corespund acestei abordări, putem numi: interacţionism simbolic (G. Blumer) şi etnometodologie (G. Garfinkel, A. Sikurel). A treia abordare se concentrează pe studierea însuși mecanismului procesului de interacțiune dintre societate și individ, luând o poziție de mijloc între primele două abordări. P. Sorokin timpuriu este considerat unul dintre fondatorii acestei tradiții, iar printre conceptele sociologice moderne ar trebui să se numească teoria acțiunii, sau teoria schimbului (J. Homans). A patra abordare- Marxist. În ceea ce privește tipul de explicație a fenomenelor sociale, aceasta este similară cu prima abordare. Cu toate acestea, există o diferență fundamentală: în conformitate cu tradiția marxistă, sociologia ar trebui să intervină activ în transformarea și schimbarea lumii înconjurătoare, în timp ce primele trei tradiții consideră rolul sociologiei mai degrabă ca o recomandare. se disting mai multe tipuri de societate și culturi înrudite. Primul tip- societatea si cultura primitiva. Se caracterizează prin sincretism - neizolarea individului de structura socială principală, care era consanguinitatea. Toate mecanismele de reglare socială - tradiții și obiceiuri, rituri și ritualuri - erau justificate în mit, care era forma și modul de existență al culturii primitive. Structura sa rigidă nu permitea abateri. Prin urmare, chiar și în absența unei supravegheri speciale structuri sociale Toate regulile și reglementările au fost respectate foarte precis. Adiacent societății și culturii primitive societate şi cultură arhaică- popoarele moderne care trăiesc la nivelul epocii de piatră (sunt cunoscute astăzi aproximativ 600 de triburi). Al doilea tip societatea este asociată cu procesele de stratificare socială și diviziune a muncii, care au dus la formațiunea statului, unde au fost legalizate relațiile ierarhice dintre oameni. Nașterea statului a avut loc în țările din Orientul Antic. Cu toată varietatea formelor sale - despotisme orientale, monarhii, tiranii etc. cu toții au scos în evidență conducătorul suprem, ai cărui supuși erau toți ceilalți membri ai societății. În astfel de societăți, reglementarea relațiilor, de regulă, se baza pe violență. În cadrul acestui tip de societate, este necesar să se facă distincția societatea si cultura preindustriale unde au prevalat formele de viață de clasă-ideologice și politico-confesionale, iar violența folosită a primit o justificare religioasă. O altă formă a fost societatea si cultura industriala, unde rolul principal l-au avut formațiunile național-statale și specializate grupuri socialeîn societate, iar violența a fost economică. Al treilea tip societatea își are originea în Grecia antică și Roma, dar s-a răspândit încă din New Age, în special în secolul al XX-lea. Într-o democrație care formează o societate civilă, oamenii sunt conștienți de ei înșiși ca cetățeni liberi, acceptând anumite forme de organizare a vieții și activităților lor. Este acest tip de societate care se caracterizează prin cea mai înaltă formă de manifestare a culturii economice, politice și juridice, fundamentată ideologic de filozofie, știință și artă. Într-o astfel de societate, cetățenii au drepturi egale bazate pe principiul cooperării, comunicării, schimburilor comerciale și dialogului. Desigur, acesta este încă un ideal și, în practică, nu se poate face fără violență, dar scopul a fost deja stabilit. În multe privințe, acest lucru a devenit posibil odată cu formarea unei noi societăți post-industriale, cu procesele de globalizare care se desfășoară în ea și formarea culturii de masă.

Omul și natura

Natura este una dintre sferele existenței umane. În sensul larg al cuvântului, acesta este tot ceea ce există, o varietate infinită de manifestări concrete ale lumii. Conceptul de „natura” caracterizează fiecare ființă, inclusiv omul, este un fel de nucleu al unui lucru, un set de trăsături esențiale, aspecte ale unui lucru. Natura în sens restrâns este o parte naturală a lumii, habitatul natural al omului.

ÎN antichități forțele naturii erau personificate în imaginile zeilor, omul își simțea slăbiciunea în a se opune lor. anticîn gândire, natura era înțeleasă ca un întreg în mișcare, iar omul ca una dintre părțile sale. Era considerat ideal să trăiască în armonie cu natura Evul mediu natura a fost pusă mai jos decât omul, căci acesta din urmă a fost conceput ca chipul și asemănarea lui Dumnezeu, ca coroana creației și rege al naturii. Se credea că planul divin era întruchipat în natură. renaştere omul a descoperit frumusețea în natură. A fost subliniată unitatea omului și a naturii. Această idee a fost dezvoltată în continuare în timp nou. Uman- un produs al naturii, el există în natură, este supus legilor sale.Clasicii marxismului au subliniat legătura dintre om, natură și societate, natură și istorie, rolul producției materiale în asigurarea unității lor contradictorii, a subliniat scopul natura impactului asupra naturii, a avertizat că este imposibil să se exagereze începutul conștient.S-a discutat problema unității omului și a cosmosului. Cosmiști ruși din secolele XIX-XX. Omul modern, conform K. E. Ciolkovski , nu este veriga finală în evoluție. „Rațiunea și creativitatea îl vor ridica pe om în spațiu, unde, în timp, îi va fi a lui natura fizica, se va apropia de organismele superioare care locuiesc în spațiul interstelar. Știința secolului XX formulat principiul antropic, conform căreia ritmurile Universului și ale omului sunt apropiate sau coincid. Principiul antropic presupune a considera Universul ca un sistem complex de auto-organizare, cel mai important element al căruia este o persoană. Astfel, decalajul dintre obiect și subiect este depășit, iar lumea naturii și lumea omului se apropie.Filosofii notează rolul dublu al naturii în raport cu omul. La sfârşitul secolului XX. natura a fost luată în considerare A. A. Bogdanov ca duşman şi în acelaşi timp – ca prieten al omului plin de secrete şi mistere. În opinia sa, un plus necesar la „cooperarea tovarășească” este cooperarea cu natura.

Pe baza metodologiei, este greșit să exagerăm atât rolul naturii, cât și să subestimăm factorii ei geografici. A doua jumătate a secolului XX afirmă necesitatea co-evoluției, adică a evoluției comune a naturii și a omului, precum și nevoia de a compara scopurile, mijloacele și consecințele unor astfel de activități.

Ideea de co-evoluție se concentrează nu pe lupta pentru existență și selecția naturală, ci pe procesele de cooperare, schimbul reciproc de energie. Aceasta este cea mai realistă și solidă idee de a depăși diferența dintre natură și societate, le combină într-un singur întreg, dezvoltând conceptul de echilibru dinamic, dezvoltare stabilă a omenirii. Datorită acestui concept, o persoană apare ca purtătoare a co-evoluției, a integrității naturii și a societății.

Societatea și structura ei

În literatura științifică și educațională sunt date multe definiții și caracteristici ale societății umane, dar toate sunt de acord asupra unui singur lucru: societatea este un produs al interacțiunii oamenilor, o anumită organizare a vieții lor, un organism contradictoriu intern, esența care constă în conexiuni și relații diverse (economice, morale, religioase etc.) între oameni, asociațiile și comunitățile acestora. Acesta este un sistem complex, care se dezvoltă singur, de conexiuni între oameni uniți prin relații și interese economice, familiale, de grup, etnice, patrimoniale, de clasă. În primul rând, în societate funcționează nu legile biologice, ci cele sociale Considerând societatea ca un sistem de relații sociale, a cărui bază sunt relațiile economice (materiale), permite, în primul rând, să o abordăm în mod concret istoric, să evidențiem diverse formațiuni economice (societate sclavagista, feudală, capitalistă, socialistă); în al doilea rând, să dezvăluie specificul principalelor sfere ale vieții publice (economic, politic, spiritual); în al treilea rând, pentru a defini clar subiectele comunicării sociale (individ, familie, națiune etc.) Societatea a apărut atunci când oamenii s-au separat de lumea animală. Omul este premisa sa principală și celula primară, deoarece, așa cum spunea Aristotel, omul este o ființă socială. Prin urmare, cea mai importantă trăsătură a societății este că este un sistem de interrelații ale ființelor raționale. Interacționând cu societatea, o persoană se dezvoltă pe sine și își dezvoltă proprietățile și forțele sociale, esențiale și, prin aceasta, devine o persoană și stimulează progresul societății.În diferite perioade de dezvoltare istorică, societatea a îmbrăcat diferite forme, gradul de maturitate, intern. structura, adică structura economică, de clasă socială, politică. Societatea primitivă, de exemplu, a fost multă vreme colectivistă mai mult sau mai puțin omogenă, nu a cunoscut stratificarea socială și de altă natură. Treptat, structura societății a devenit mai complexă: odată cu schimbările în relațiile economice, au apărut comunități sociale, grupuri, clase etc., având propriile interese și caracteristici.

OBIECTIVE:

• învață să identifice valorile estetice de bază;
• dezvoltarea capacității de a distinge între aceste valori în realitatea estetică și artistică;
• să dobândească competenţe iniţiale în analiza valorilor estetice de bază.

PLAN:

1. Frumos ca din punct de vedere istoric prima și principala valoare estetică.
2. Esența și trăsăturile dezvoltării estetice a sublimului.
3. Esența și trăsăturile înțelegerii tragicului.
4. Comic: esență, structură și funcții.

1. Frumusețea ca din punct de vedere istoric prima și principală valoare estetică

Ce înseamnă pentru estetică studiul valorilor estetice de bază? Este, în primul rând, să analizăm următoarele fundamente ale fenomenelor:

1. O analiză a bazelor obiective subiect-valoare, întrebarea ce trebuie să aibă un obiect pentru a fi, de exemplu, frumos?
2. Fundamentele subiective ale valorilor estetice sunt modalitatea de stăpânire a sensului, de actualizare a valorii, fără de care aceasta nu există. Fiecare dintre modificările esteticii - frumosul, urâtul, sublimul, baza, tragicul și comicul - diferă în modul în care este trăit. Conform acestor doi parametri, vom avea în vedere valorile estetice indicate.

Prima distinsă istoric și apoi până în secolul al XX-lea principala valoare estetică este frumusețea sau frumusețea, pentru estetica clasică acestea sunt sinonime. Frumusețea este, s-ar putea spune, o valoare îndrăgită pentru estetică, care se manifestă empiric nu doar într-o percepție constantă a vieții, admiratoare a frumuseții, ci și în mitologizarea acestei valori de către conștiința ca având o putere deosebită care aduce armonie și beatitudine. viaţă. C. Baudelaire, celebrul poet al simbolismului francez, a cărui viață a fost foarte sumbră și rareori armonioasă, în poezia sa din ciclul „Florile răului” creează „Imnul frumuseții” (1860), al cărui final este următorul:

Fie că ești un copil al raiului sau un copil al iadului,
Indiferent dacă ești un monstru sau un vis pur
Ai o bucurie necunoscută, teribilă!
Deschizi porțile imensității.

Esti Dumnezeu sau Satana? Ești un înger sau o sirenă?
Este tot la fel: numai tu, Regina Frumusețe,
Eliberezi lumea dintr-o captivitate dureroasă,
Trimiți tămâie și sunete și culori!

F.M. Dostoievski atunci întâlnim o convingere fermă că frumusețea va salva lumea, deși Dostoievski a înțeles complexitatea și inconsecvența frumuseții.

Pe de altă parte, în istoria artei, pe lângă percepția mitologică, vedem dorința de a înțelege rațional frumusețea, de a-i oferi o formulă, un algoritm. Pentru un anumit timp, această formulă funcționează, deși atunci devine necesară revizuirea ei. Un răspuns absolut nu se poate obține în principiu, pentru că frumusețea este o valoare, ceea ce înseamnă că fiecare cultură și fiecare națiune are propria imagine și formulă a frumosului.

Paradox: frumusețea și frumusețea este ceva simplu, imediat perceput și, în același timp, frumusețea este schimbătoare și greu de definit.

Reacția externă la frumusețe constă în întregime în emoții pozitive acceptare, admirație. La nivelul obiectului, acest lucru se datorează faptului că frumusețea - semnificația pozitivă a lumii pentru om. Orice valoare estetică are scopul de a armoniza lumea și omul. Frumusețea are de-a face cu esența ei. Mai multe categorii pot dezvălui esența relației din care crește frumusețea:

• proporționalitatea obiectează la nevoile și capacitățile subiectului, determinate de stăpânirea lumii, de corespondența dintre lume și om;
• armonie, mai precis, unitate armonică omul și realitatea. Armonia, ordinea, armonia cu lumea de aici devin decisive. Frumusețea este expresia estetică a acestui lucru și, prin urmare, bucuria de a experimenta frumusețea.
• libertate- Lumea este frumoasă acolo unde există libertate. Acolo unde libertatea dispare, frumusețea dispare; există rigiditate, amorțeală, oboseală. Frumusețea este un simbol al libertății.
• umanitatea- frumusețea favorizează dezvoltarea omului, plinătatea spirituală a existenței sale. Frumusețea este o valoare estetică care exprimă umanitatea optimă a lumii și a omului, iar aceasta este esența ei.

În frumusețe, situația veșnic dorită de armonie și libertate își găsește expresie și, prin urmare, frumusețea va lipsi întotdeauna unei persoane. Pe de altă parte, găsirea frumuseții este dificilă, iar Platon avea dreptate în privința asta. Omul însuși distruge momentul armoniei, pentru că el este mereu în mișcare, luptă spre ceva nou, iar această mișcare se realizează prin dizarmonie, depășind inevitabila inconsecvență a lumii. Frumusețea este dificilă și o persoană trebuie să muncească din greu pentru a experimenta momentul frumuseții!

Să luăm în considerare prima clasă de condiții prealabile în înțelegerea frumuseții - bazele sale obiective subiect-valoare. Este vorba despre o anumită dimensiune a obiectului. O persoană are puteri psihice, cu ajutorul cărora percepe forma și sensul lumii, iar acele obiecte care sunt percepute organic sunt frumoase. Culoarea, de exemplu, este percepută de ochi în anumite limite, Radiatii infrarosii- dincolo de sfera percepției umane normale. În același mod, sentimentul de greutate nu corespunde percepției frumuseții. De exemplu, contemplarea piramidelor Egiptului, în contrast cu Partenonul, care a fost ridicat în conformitate cu particularitățile percepției vizuale. O anumită înclinare a coloanelor care alcătuiesc zidurile Partenonului înlătură senzația de greutate, iar noi ne simțim oameni liberi, precum grecii din perioada clasică. În ceea ce privește informațiile, conținutul, frumusețea este deschiderea semantică a unui lucru, exprimată într-o formă clară. Abracadabra nu poate fi frumoasă.

Dar nu toate lucrurile proporționale cu bărbatul sunt frumoase. Următoarea clasă de premise este formă. Nu formula absolută formă perfectă. Perfecțiunea estetică a formei pentru o persoană nu coincide întotdeauna cu corectitudinea formală: un dreptunghi este mai atractiv decât un pătrat, deși un pătrat este o formă mai perfectă. Acest lucru se datorează faptului că o persoană are nevoie de varietate. Atitudine favorită artiști - proporția „secțiunii de aur”, care stabilește raportul ideal al părților de orice formă între ele și întreg. Secțiunea de aur este o astfel de împărțire a unui segment în două părți, în care partea mai mare este legată de cea mai mică, deoarece întregul segment este legat de partea mai mare. Expresia matematică a raportului de aur este seria Fibonacci. Principiile secțiunii de aur sunt utilizate pe scară largă ca bază a compoziției în artele spațiale - arhitectură și pictură, iar termenul pentru această proporție a fost introdus de Leonardo da Vinci, care și-a creat pânzele pe baza acestuia. Interesant este că în muzică, sistemul de consonanțe corespunde acestei proporții matematice.
Semnificația fundamentelor formale ale frumosului este atât de mare încât omenirea evidențiază așa-numita frumusețe formală, care exprimă valoarea estetică a formelor în sine. Artiștii Renașterii au creat tratate în care prezentau calcule exacte ale proporțiilor care reprezentau în mod optim frumusețea lumii. În Renașterea italiană, aceasta este celebra lucrare a lui Piero della Francesca „În perspectiva pitorească”, în Renașterea de nord – „Despre proporțiile corpului uman” a lui Albrecht Durer.

Dar frumosul și frumosul nu au sens identic: frumosul subliniază perfecțiunea formei exterioare, frumosul implică unitatea formei exterioare și interioare - calitatea conținutului. Și aici apar categorii speciale care concretizează frumusețea formei. Grațios - perfecțiunea designului, exprimându-și ușurința, armonia, „subțirea”. Grațios - perfecțiunea mișcării, optimitatea estetică a mișcării, armonie deosebită, netezime, care corespunde mișcării unei persoane și a unui animal, și nu a unui robot, și înseamnă un fundal vital. Fermecător este perfecțiunea texturii materialului în sine, materialul din care este „facut” obiectul. Frumusețea în acest caz este pielea albă ca zăpada, fardul fetei, fastul și densitatea coafurii. „Sunt mai dulce decât toată lumea din lume, tot mai fard de obraz și mai alb” - Pușkin are întrebarea în fiecare dimineață a reginei la oglindă, după un răspuns retoric la care regina face cu încredere lucrurile planificate. Dar forma nu este suficientă pentru a determina frumusețea estetică a perfecțiunii. Frumosul în natură este sensul vital al naturii, cel mai frumos peisaj este peisajul Patriei, natura nativă este frumoasă. Prin urmare, cerințele preliminare legate de conținut sunt importante. Frumosul unei persoane este determinat în funcție de calitățile semnificative din punct de vedere social ale unei persoane. Nu este o coincidență că categoria de estetică antică kalokagatiya - frumos. Este, așadar, despre umanitatea conținutului, care stă la baza frumuseții (frumosului). Și aici se întâmplă lucruri uimitoare: o formă imperfectă în exterior poate fi transformată, un aspect discret poate deveni frumos. Pentru romanticul Hugo, plinătatea umană este baza principală a frumuseții lui Quasimodo. În Dostoievski, Nastasya Filippovna are un aspect magic, care este combinat cu un caracter bifurcat și, prin urmare, frumusețea ei nu este incontestabilă. Pentru Tolstoi, frumusețea Mariei Bolkonskaya este evidentă, în ai cărei ochi strălucește toată profunzimea, cordialitatea și bunătatea sufletului ei, căruia i se opune numai impecabila Helen Bezukhova în exterior. Calitățile morale stau la baza frumuseții umane: receptivitatea, sensibilitatea, bunătatea, căldura sufletului. O persoană care este răutăcioasă, egoistă, ostilă față de propriul său fel nu poate fi frumoasă. Dar atunci când atât perfecțiunea externă, cât și cea internă sunt combinate, o persoană exclamă: oprește-te o clipă, ești frumoasă!

Experiența frumuseții, semnul ei subiectiv, este în concordanță exactă cu esența sa: un sentiment de lejeritate, libertate dobândită în relațiile cu lumea, bucuria de a găsi armonie.

2. Esența și trăsăturile dezvoltării estetice a sublimului

Sublimul este adesea identificat cu frumusețea la concentrația sa maximă, dar există zone în care fenomenul este sublim, dar nu frumos. Există ideea că sublimul este asociat cu dimensiunile mari. Dar și aici există o concepție greșită: sublimul nu se manifestă întotdeauna în cantitate. Pentru Rodin, de exemplu, „Primăvara veșnică” - o sculptură de dimensiuni mici reprezintă sublimul, iar faptele din Cartea Recordurilor Guinness, în ciuda parametrilor numerici care uimesc imaginația, nu.

Deci sublimul este o chestiune de calitate. Lumea omului este dată de raza propriei sale activități. Totul din interiorul cercului a fost stăpânit de om, dar omul depășește constant granițele pe care le crede pentru el însuși și nu este doar închis, ci și deschis în lume. O persoană intră într-o zonă dincolo de posibilitățile formale obișnuite, un domeniu pe care nu știe să-l măsoare. Acest lucru taie respirația. Esența sublimului sunt acele relații cu lumea și aspectele realității care sunt incomensurabile cu capacitățile și nevoile umane normale, care sunt percepute ca ceva incomensurabil și nesfârșit. . Subiectiv, acest infinit poate fi formulat ca incomprehensibilitate. Sublimul este incomensurabil, incomensurabil cu simplele capacități umane și le depășește cu mult. Inima unei persoane începe să bată mai repede atunci când întâlnește sublimul.

Este posibil să simțiți sublimul nu atât în ​​contact senzual direct, cât și în frumos, ci prin imaginație, căci sublimul este incomensurabil. Marea, oceanul, ceea ce nu poate fi epuizat este un exemplu de astfel de forță care provoacă o persoană obișnuită și pe care o persoană nu o poate raporta la propria sa forță. Munții sunt percepuți ca sublimi, pentru că este ceva necucerit, deasupra noastră, este sublim nu doar în spațiu, ci și în timp: suntem mici, finiți, stâncile sunt nesfârșite și asta e uluitor. Orizontul, cerul înstelat, abisul sunt mereu sublime, pentru că dau naștere imaginii infinitului în mintea noastră. Verticalitatea, mișcarea în lumea cerească infinită devine baza percepției noastre asupra sublimului. Percepția umană asupra lumii este verticală ca o ascensiune către limitele valorice, idealuri. Tyutchev:

„Binecuvântat este cel care a vizitat această lume în momentele ei fatale

A fost chemat de atotcuminte ca interlocutor la ospăţ!

Sufletul se ridică atunci când înțelegi sensul acestor evenimente. Dar a doua este legea morală, depășirea dificilă a egoismului inițial face o persoană sublimă, o înalță. Eroicul, ca act de dragul umanității, este un fel de sublim.

Două concepte sunt importante în definirea sublimului: vârf(manifestari de top ale fiintei naturale si sociale), observate senzual(întruchiparea verticală, de exemplu, clădiri religioase). Omul nu poate trăi fără absolut valori care acționează ca obiective finale și criterii finale de valoare pentru o persoană. Aceste absolute, desigur, depășesc existența cotidiană obișnuită repetitivă, nu sunt derivate din aceasta, acestea sunt valori pentru existența cărora nu există condiții prealabile umane.

În frumos, o persoană măsoară lumea înconjurătoare de unul singur, iar în sublim, o persoană se măsoară după absolutele lumii înconjurătoare, care sunt antipodul a tot ceea ce este relativ, sunt irelevante. Sublimul este absolutul în lumea relativă. Există astfel de absolute în existența umană, unde frumosul și sublimul coincid, de exemplu, acesta este adevărul. Nu există limită pentru adevăr și căutarea adevărului, libertatea de asemenea. Iubirea este și nemărginită, necesită plinătatea dăruirii de sine, plinătatea trăirii. Dar afecțiunea nesfârșită a proprietarilor de pământ din lumea veche din Gogol este o expresie a frumosului, iar dragostea în Rodin este sublimă. Și totuși există fenomene departe de absolutul etic. În „Sărbătoarea în vremea ciumei” a lui Pușkin din „Micile tragedii”, care prezidează banchetul în timpul ciumei, proclamă imnul ciumei:

Deci, mulțumesc, Ciuma!

Nu ne este frică de întunericul mormântului,

Nu vom fi derutați de chemarea dvs.

Cântăm împreună ochelari,

Și fecioarele trandafirii beau respirația -

Poate... plin de Ciuma.

O persoană provoacă ciumă care îi distruge pe toți, opunându-se acestui dezastru cu puterea sa spirituală, capabilă să învingă frica de ciumă care se apropie. Sublimul întruchipează creșterea interioară a omului. În frumos, se întruchipează un acord vesel cu lumea; în sublim, simțim infinitatea interioară, nemurirea, participarea la care dă sublimul.

Frumos - omogenitate, armonie, consistență, trăit emoțional. Sublimul întruchipează o contradicție psihologică care trebuie rezolvată prin efort spiritual. Forțe enorme și noi orizonturi sunt deschise de om ca urmare a aplicării acestor forțe. Dacă frica învinge, există o paralizie a voinței și o incapacitate de a acționa.

În conștiința estetică, principiul pozitiv învinge în lupta internă, zburăm în sus, ne înălțăm deasupra pământului și începem să experimentăm o emoție înaltă a sufletului, în care ne simțim nemurirea printr-o străpungere în infinit. Punctul culminant al percepției sublimului este comuniunea cu cerul și un sentiment de coincidență cu infinitul.

Dar frumosul și sublimul sunt la fel de necesare și se completează reciproc. O persoană are nevoie de două lumi - acasă, reproducând conexiuni stabile și necesare cu lumea, și cerească, care afirmă imensitatea, ademenind și înălțându-l.

3. Esența și trăsăturile de înțelegere a tragicului

Estetica încă de pe vremea lui Aristotel s-a ocupat de tragic. Aristotel, în Poetica care a ajuns la noi în fragmente, reflectă asupra tragediei.

Să ne împărțim imediat: nu trebuie să confundăm tragicul în uzul de zi cu zi, tragicul în viață și estetica. Este necesar să se determine, având în vedere tragicul estetic, conținutul, pe de o parte, și forma sa de dezvoltare. În tragic, această formă are o semnificație aparte. Căci în această formă se naște doar efectul estetic al tragicului.

Nu toate necazurile și pierderile sunt tragice. Există situații în viață când nu există moarte, dar există - tragic. În piesele lui Cehov „Unchiul Vania”, „Livada de cireși” - tragedie, deși Cehov le numea comedii. Și nu orice moarte este tragică. Moartea poate să nu fie tragică dacă: 1) este moartea unui străin, 2) este naturală, este moartea unei persoane în vârstă. Conținutul tragicului este mai complex: pierderea ca realitate directă a tragicului este doar la suprafață.

În frumos și sublim găsim pacea, în tragic este o pierdere valorile umane, și pot fi valori materiale. Dar nu orice pierdere este tragică și nu toate lacrimile sunt tragice. Tragedia însăși determină amploarea valorilor pe care le pierdem. În Căsătoria lui Figaro de Mozart, Barbarina cântă un arioso despre pierderea unui ac. Muzica scânteie de lacrimi false de pierdere. Dar culmile operei mondiale sunt tragedii: Otello, Il trovatore, Un ballo in maschera, La traviata, Aida de Verdi; „Inelul Nibelungilor”, „Tristan și Isolda” de Wagner sunt cele mai bune opere tragice. Astfel, în miezul tragicului pierderea unor valori fundamental semnificative pentru o persoană.

Pierderea unor astfel de valori este o prăbușire, o defalcare a existenței umane în cele mai intime calități și este imposibil să supraviețuiești unor astfel de pierderi. Care sunt aceste valori?

1. Pierderea Patriei. Chaliapin în exil pentru tot restul vieții poartă o amuletă cu țara natală pe piept. Aceasta este valoarea spirituală și vitală a spațiului iubit.

2. Pierderea afacerii cuiva și, în esență, a vieții. O cauză fără de care o persoană nu poate trăi și, prin urmare, aceasta este o pierdere ireparabilă. Viața trebuie începută din nou (un cântăreț care și-a pierdut vocea, un artist care și-a pierdut vederea, un compozitor care și-a pierdut auzul). Tragedia imposibilității creativității, care pentru artist este viață.

3. Pierderea adevărului – o valoare fără de care nici oamenii nu pot trăi. Viața într-o minciună este insuportabilă pentru o persoană, mințim tot timpul, dar vine momentul adevărului!

Bunătate, o conștiință curată - valori ale aceluiași plan. O conștiință care chinuie o persoană, o pedepsește, o face să se simtă un călău. Boris Godunov este o conștiință bolnavă care începe să-l chinuie, iar viața se oprește, se strică. Există o prăbușire a vieții în momentul pierderii valorilor. Pentru Raskolnikov, răzbunarea urmează nu sub forma condamnării și exilului la muncă silnică, ci prin faptul că nu își găsește un loc pentru el însuși, se dovedește a fi un proscris printre alți oameni. Omul preferă moartea să calce în picioare bazele morale ale vieții. V. Bykov: Rybak și Sotnikov. Pescarul face compromisuri din primul minut, Sotnikov rămâne o ființă morală, mergând la spânzurătoare, privind lumea zâmbind. Tragedie optimism: o persoană își alege liber esența morală, viața după aceea se dovedește a fi imposibilă. Tragedia iubirii este că o persoană care a găsit dragostea nu mai poate exista fără ea, nu poate trăi fără persoana iubită. Libertatea - o persoană este liberă în esență, pierderea libertății este o tragedie colosală. Toate acestea împreună pot fi rezumate într-o altă valoare - sensul vieții. Acolo unde nu există, viața este absurdă. Potrivit lui A. Camus, lumea este lipsită de sens pentru o persoană și, prin urmare, principala întrebare a vieții este problema sinuciderii.

Sensul vieții este acel ultim lucru, intim, care ne leagă de ființă. Apoi, când este, merită trăit. Situația pierderii oportunităților de a comunica cu o altă persoană este și pierderea sensului vieții, care este exprimată cu acuratețe în filmele lui M. Antonioni.

Acesta este primul strat al tragicului - pierderea. Dar ceea ce este important este natura inevitabil, regulată, esența ascunsă a acestor pierderi. Când pierderea este accidentală, nu există nicio tragedie. Grecii - soarta, soarta întruchipează tocmai inevitabilitatea pierderii. De ce este așa? O persoană încearcă să câștige experiență din viața în care trăiește. Aleatorie este ceva în care este imposibil de navigat și ceea ce este imposibil de prezis. În tragicul pentru o persoană, adevărul vieții este dezvăluit și asta este ceea ce inevitabil nu numai că descoperim, ci și pierdem. Prin tragic, devenim la egalitate cu legile profunde ale ființei. Aleatoritatea este variabilă, regularitatea este stabilă. Tragicul duce la pierderea celui mai prețios lucru pe care îl avem. De ce este Oedip Rex o tragedie? Oedip și-a ucis tatăl și s-a căsătorit cu propria sa mamă, încălcând astfel două legi de bază ale vieții, două valori care dețin cosmosul arhaic al antichității; comite uciderea unei rude și incest, iar apoi alte modele încep să opereze. Aici vedem nu numai conținutul obiectiv, ci ajungem la fundul esenței, înțelegem adevărul, experimentăm și depășim conflictul. Această tragedie a entuziasmat mereu publicul.

Arta tragediei ca gen este diferită de melodramă: melodramă - totul este întâmplător, toate evenimentele sunt reversibile (înlocuibile), triumful răufăcătorilor este temporar, tragedia - nu este nimic întâmplător, totul este natural, moartea este inevitabilă. Din melodramă obținem puțin din punct de vedere spiritual, tragedia este o experiență profundă. A. Bonnard a susținut că plânsul cu lacrimi tragice înseamnă înțelegere, nu poate fi altfel – acesta este adevărul pe care ni-l dezvăluie tragedia. De-a lungul istoriei omenirii, soarta cu semnificație simbolică trece. Întreaga tragedie este exprimată în unele simboluri. Lacrima unui copil a lui Dostoievski este un simbol estetic al tragediei.

În cele din urmă, în tragicul pe care îl înțelegem cauza pierderii. Cauzele tragicului: contradicțiile existenței umane, contradicții care nu pot fi rezolvate pașnic, se mai numesc și antagonisme. Atâta timp cât vor exista antagonisme în lume, lumea va trăi în tragedie. Și adesea antagonismele exprimă adevărata esență a relațiilor umane, iar dacă sunt multe dintre ele, atunci cultura tragică și viața tragică. Pictura lui Van Gogh este întruchiparea unei viziuni tragice asupra lumii, o conștiință care trăiește într-un antagonism insolubil, în care viața este absența celor mai esențiale valori, componente ale vieții - speranța, sensul, iubirea. Van Gogh a iubit oamenii și nu a avut nicio recunoaștere în timpul vieții sale. „Cafenea de noapte în Arles” - o atmosferă în care o persoană poate înnebuni.

Ce antagonisme stau la baza tragicului? Prima - omul - natura: lupta eternă a omului cu natura. O persoană intră într-o luptă cu astfel de elemente cu care este imposibil să fii de acord, iar natura zdrobește o persoană.

În al doilea rând, antagonismul omului cu propria sa natură, iar acest antagonism nu poate fi eliminat: infinitatea esenței spirituale a omului, nemurirea subiectivă a omului, care intră în contradicții ireconciliabile cu corpul uman, cu mortalitatea lui, cu limitările biologice. Frica de moarte și dorința de a învinge moartea. Condiția unei vieți normale este eliberarea de frica de moarte, care trebuie câștigată prin eforturi spirituale incredibile. Conștiința religioasă prin ideea nemuririi sufletului îl ajută pe credincios să scape de această frică. Fiecare persoană poartă o contradicție tragică, iar viața fiecăruia este tragică.

În al treilea rând, antagonismele sociale: însăși dinamica vieții umane determină antagonismele sociale. Lumea socială este construită pe contradicții ireconciliabile: războaie ale popoarelor pentru teritorii, conflicte între clase, clanuri, grupuri, viziuni asupra lumii. Contradicția dintre societate și individ este de fiecare dată o încălcare a libertății individului. Uneori, acest conflict îmbracă forme mai banale, dar nu este mai puțin tragic: mediul devorează o persoană, o arde. Dar conflictele sunt inerente personalității umane însăși, care este interpretată diferit în diferite culturi. În cultura clasicismului, unde datoria este un sentiment, o normă socială și o dorință personală, Fedra moare pentru că nu își poate îndeplini datoria. O persoană trebuie să aleagă între două părți ale propriei personalități: sentimentul este o datorie, iar acest lucru este infinit de dificil. Bertolucci „Ultimul tango la Paris” O persoană învață nu numai analizând tipare, ci și depășind contradicțiile regulate în practică. Soarta și omul opus destinului este chiar prima confruntare din tragedia greacă. Grade diferite de lipsă de libertate în raport cu soarta: oamenii sunt inițial jucării în mâinile destinului. Vinovația tragică este o manifestare a libertății maxime a unei persoane într-o situație tragică. Omul, realizând inevitabilitatea morții sale, își alege liber și responsabil moartea. Altfel, va fi o respingere a destinului tău. Carmen nu poate fi vicleană, a fi liberă este mai important pentru ea decât minciuna. Libertatea și iubirea sunt afirmate de Carmen prin moartea ei. Ea este de vină pentru moartea ei, aceasta este o vinovăție tragică. Dar ea nu poate renunta nici la iubire, nici la libertate.

De ce trebuie oamenii să recreeze și să perceapă tragicul din artă? Acesta este un proces complex, în care raționalul este conectat cu emoționalul, inconștientul cu conștientul. Logica percepției tragicului: începe cu o cufundare în abisul ororii, fricii, suferinței. Este un șoc, un întuneric, aproape o nebunie. Aristotel afirmă: experiența tragediei este în unitatea fricii și a compasiunii. Brusc, lumina apare în întuneric: aici o minte strălucitoare și bunăvoință sunt de o importanță extraordinară în viața unei persoane. La nivelul experienței, există o tranziție aproape mistică a slăbiciunii în forță, impas în zori. Întunericul părăsește sufletul, începem să trăim un sentiment care nu poate fi experimentat. Grecii au numit această transformare catharsis, purificarea sufletului. Pentru asta există tragedie.

Momente importante de percepție și trăire a tragicului: în groază există compasiune, devin diferit, mă ridic la suferința altuia, mă ridic deja în asta. Ne ridicăm, în al doilea rând, la înțelegerea a ceea ce se întâmplă și aceasta este și o cale de ieșire din situație. Înțelegem nu numai inevitabilitatea pierderilor, ci și amploarea acestora și semnificația acelor valori care se pierd. Vrem să iubim ca Romeo și Julieta etc. Există o inițiere în valorile fundamentale la cel mai profund nivel. Aceste valori ne compensează pentru înțelegerea lipsei de speranță a situației. Pesimismul minții dă naștere optimismului voinței, după A. Gramsci. Și acesta este momentul adevăratei exaltări a omului: insist pe libertate, iubire. Principiile cu adevărat umane triumfă într-o persoană, nu renunță la pozițiile lor, continuă viața. Beethoven: viața este o tragedie, ură! Pentru omul însuși, aceasta este de fiecare dată afirmația omului. Curajul ca forță interioară, loialitatea față de ceva, voința de a trăi, legătura unei persoane cu viața, cu valorile ei, se afirmă de fiecare dată în tragic. De aceea, tragicul este de neînlăturat și necesar în cultura umană normală.

4. Comic: esență, structură și funcții

Există câteva elemente de asemănare structurală între tragic și comic: în comic, o anumită contradicție stă și la baza; în tragic și comic - pierderea valorilor, dar în comic - altele. Expresia generalizată a tragicului este curățarea lacrimilor, comicul este râsul.

Adesea comicul este identificat cu amuzant. Dar este important să ne amintim că comicul nu este același lucru cu râsul, râsul are cauze diferite. Râsul în benzi desenate este o reacție la un anumit conținut.

Într-un fel, întreaga istorie a omenirii este o istorie a râsului, dar este și o istorie a pierderii. Luați în considerare comicul: ce este comicul, care sunt funcțiile și structura lui.

Este nevoie în societate de depășirea spirituală a ceea ce și-a pierdut dreptul de a exista. În lumea valorilor umane apar valori false sau pseudo-valori, antivalori care acționează în mod obiectiv ca un obstacol în calea existenței socio-culturale a unei persoane. Comicul este o modalitate de reevaluare a valorilor, o oportunitate de a separa morții de cei vii și de a îngropa ceea ce a devenit deja învechit. Dar, cu cât un fenomen are mai puțin dreptul să existe, cu atât pretinde mai mult că există. Expunerea pseudo-valorii se realizează printr-o reacție de râs. Gogol: de la avertismente la actori pentru Inspectorul general: celui care nu se teme de nimic se teme de ridicol.

Culturile antice aveau deja un mecanism pentru râsul ritual. Sensul comicului este umilirea și, prin urmare, reevaluarea anumitor valori cotate social. Nu întâmplător, înaintea răsturnărilor sociale are loc o explozie a creativității comice. Râsul dezvăluie valori învechite și le privează de reverență. Carnavalul medieval a îndeplinit funcția de a se îndoi de valoarea puterii regale, de caracterul absolut al înființării bisericii, iar aceasta era o rezervă pentru dezvoltare. Există un mecanism de inversare a valorilor, care contribuie la schimbarea proporțiilor percepției lumii. În batjocură grotească, interdicțiile corporale au fost înlăturate, s-a săvârșit o sărbătoare a cărnii, care a contribuit la reevaluarea neînfricată a acesteia. Originile covorașului rusesc - în caracterul său de carnaval. Utilizarea acestui vocabular ca normă în actuala perioadă de tranziție și criză pentru Rusia este cel puțin inadecvată, sau mai degrabă distructivă în condițiile în care vechile valori au fost deja respinse, iar cele noi nu au avut loc încă.

Dar în comedie, nu totul se reduce la negație. Odată cu negația are loc și o anumită afirmare și anume se afirmă libertatea spiritului uman. Râzând și jucându-se, o persoană își apără libertatea, capacitatea de a depăși orice graniță. Potrivit lui Marx: omenirea, râzând, s-a despărțit de trecutul ei. Comicul este afirmarea forțelor creatoare, a noutății, a idealurilor, deoarece negarea valorilor false are loc atunci când domină principiul pozitiv. Dar pot exista râs scabrus al unei persoane fără suflet, fără idealuri, ceea ce înseamnă a arunca o privire prin gaura cheii, și râs cauzat pur și simplu de manifestarea corporalității: anecdote vulgare și râs cinic - peste tot, inclusiv la sanctuare, din punctul de vedere al negării totul. și totul, și în legătură cu aspectele dragi ale vieții altora.

Definind structura comicului, trebuie remarcat ca aceasta este singura valoare estetica in care subiectul actioneaza nu doar ca receptor, receptor de informatii, in comic este nevoie de rolul creator al subiectului insusi. În comic nu este nevoie de o anumită distanță, subiectul trebuie să o distrugă îmbrăcând o mască comică, intrând într-o relație de joc liber cu realitatea. Când se dovedește și există un comic.

Comicul apare atunci când există o oarecare contradicție în obiect. Pentru a fi amuzant, o oarecare anti-valoare trebuie să se manifeste în incongruența obiectului. În estetică, asta se numește comic discrepanţă. Inițial, aceasta este o nepotrivire internă a obiectului. În lumina idealului, inconsecvența devine absurdă, absurdă, ridicolă, revelatoare. Condiția unei relații comice este libertatea spirituală a unei persoane, atunci el este capabil de ridicol.

Inconsistența comică este o formă de existență comică, la fel cum conflictul tragic este o formă de ființă tragică. . De aici cele două abilități interdependente ale subiectului: spirit- capacitatea de a crea inconsecvență comică; conexiunea celor neconectați (în grădina de soc, iar la Kiev - unchiul; trage vrăbii dintr-un tun). Aici - discrepanța dintre esență și fenomen, formă și conținut, design și rezultat. Ca urmare, apare un anumit paradox, dezvăluind ciudățenia acestui fenomen. Efectul comicului se naște întotdeauna după principiul metaforei, ca într-o glumă pentru copii: un elefant s-a uns cu făină, s-a privit în oglindă și a spus: „Aceasta este o găluște!”.

A doua abilitate a subiectului, care determină marginea gustului estetic, este capacitatea de a simți intuitiv o discrepanță comică și de a răspunde la ea cu râs - umor. Dacă îi explici gluma, el pierde totul. Este imposibil de explicat comicul; comicul este înțeles imediat și în întregime. O trăsătură esențială este intelectualitatea comicului ca nevoie de manifestare a ascuțității minții; pentru prosti comicul nu exista, nu este definit de ei. Una dintre formele comune de dezvăluire a inconsecvenței comice, sugerând ascuțimea minții, este opoziția dintre sens și forma de exprimare. În literatură, de exemplu, în Caietele lui Cehov: o nemțoaică - soțul meu este un mare iubitor de a merge la vânătoare; diacon într-o scrisoare către soția sa din sat – îți trimit un kilogram de caviar pentru a-ți satisface nevoile fizice. În același loc în Cehov: personajul este atât de nedezvoltat încât este greu de crezut că a fost la universitate; un școlar mic și mic pe nume Trachtenbauer.

Să ne întoarcem la modificări ale benzii desenate și, în primul rând, acestea sunt modificări de natură obiectivă:

1. Comedie pură sau formală. Sublimul sau tragicul nu poate fi formal. Frumosul, după cum am văzut, poate că forma frumosului este valoroasă în sine. Comedia formală, lipsită de cel mai mic conținut critic, este un joc de cuvinte, o glumă, un joc de cuvinte. În poezia lui S. Mikhalkov despre eroul distrat: „În loc de pălărie din mers, a pus o tigaie”. Comedia formală este un paradox în formă pură, un joc estetic al minții, care este baza „tehnologică” a formelor ulterioare de comedie. În acest caz, ei râd nu de ceva, ci împreună cu ceva. Pe această bază, apare o comedie semnificativă.

2. Umor- una dintre modificările benzii desenate cu sens, și nu doar un sentiment. Umorul este un comic care vizează un fenomen pozitiv în esența sa: un fenomen este atât de bun încât nu căutăm să-l distrugem în râs, dar nimic nu poate fi perfect, iar umorul dezvăluie unele inconsecvențe în acest fenomen. Umor - râsul este blând, amabil, simpatic în esență. Oferă umanitate fenomenului, iar în relație cu prietenii este posibil doar umorul. O veche anecdotă dintr-o serie de răspunsuri ale lui Dumnezeu la pretențiile celor care au ajuns nu în rai după moarte, ci în iad: la cererea preotului parohiei rurale, care a ajuns în iad, în loc de petrecăr și bețiv. , un șofer de autobuz local care a ajuns în paradis, pentru a corecta nedreptatea săvârșită: răspunsul este totul corect, pentru că atunci când ai citit o rugăciune în templu, toată turma ta dormea, când acest bețiv și petrecătoare și-a condus autobuzul - toate acestea. pasagerii s-au rugat lui Dumnezeu!

3. Satiră- acesta este un plus la umor, dar vizează fenomene de natură negativă. Satira exprimă o atitudine față de un fenomen care este în principiu inacceptabil pentru o persoană. Râsul satiric este un râs aspru, rău, revelator și distrugător. În artă, satira și umorul sunt indisolubil legate, una trece imperceptibil în alta - ca în lucrările lui Ilf și Petrov, Hoffmann. Când vine vorba de vremuri de criză și cruzime, epocile umorului trec, vremurile de satiră devin mai acute.

4. Grotesc- inconsecvență comică în formă fantastică. Nasul lui Gogol părăsește proprietarul. Mărimea viciului, care este considerat grotesc. În centrul grotescului se află hiperbola viciului și aducerea acesteia la o scară cosmică. Grotescul are două laturi: latura batjocoritoare, latura batjocoritoare și latura jucăușă. Nu numai groaza, ci și încântarea provoacă extremele vieții.

ironie și sarcasm- încă două categorii ale comicului, modificări subiective, care denotă un anumit tip de poziții, trăsături ale relației comice. Ironia este o comedie în care subiectul este implicat, dar sensul este acoperit de subiectul însuși. Există două straturi în ironie - textual și subtextual. Subtextul, așa cum spune, neagă textul, formând o oarecare unitate contradictorie cu acesta. Ironia cere și inteligență. Ironia este un comic ascuns, blasfemie sub pretextul laudei.

Pură comedie, umor, satira, grotesc - acesta este comic pe măsură ce crește.

Sarcasmul este opusul ironiei. E deschis expresie emotionala relații și patos indignat, intonație furioasă care exprimă o poziție de protest indignată.

Rezumând, trebuie remarcat faptul că apariția valorilor estetice este profund naturală și necesară, sunt conectate în interior unele cu altele, formează un sistem care specifică o anumită situație socio-culturală. Orice valori estetice sunt o formă transformată de exprimare a unei persoane și a lumii valorilor sale. Întreaga noastră viață este o încercare de a ne crea propria lume și de a obține satisfacție din aranjarea ei. Dar, în realitate, este multifațetă și este descrisă, printre altele, de valorile estetice ale frumosului, sublimului, tragicului, comicului.

Frumoasa- situația de armonie a unei persoane cu lumea sa de valori, zona care este accesibilă unei persoane, zona de libertate și proporționalitate.

Sublim- o întorsătură fundamental diferită a cercului existențial - lupta pentru noi valori, dorința de a se extinde spiritual, de a se afirma la un nou nivel. Dar aici o persoană ajunge nu numai să câștige și să crească, ci și inevitabilitatea pierderii valorii, a reducerii lumii umane, iar aceasta este deja o tranziție la o altă valoare estetică:

tragic, exprimând inevitabilitatea pentru o persoană a pierderii valorilor fundamentale, acolo unde se produce victoria vieții, dar într-o zonă limitată.

comic- antipodul tragicului. Luptăm liber pentru noi valori, renunțând voluntar la lumea vieții. Comicul este marele ordonator al culturii.

La granițe există simbioze: sublim frumos (frumoasă, mergând la infinit), tragicomic - comic în formă, tragic în esență, râs printre lacrimi (Don Quijote, eroii lui Ch. Chaplin; imperfecțiunile ordinii exterioare nu coincid cu imperfecțiunea în în esență, o persoană care suferă poate fi și amuzantă).

Aceste patru valori descriu ciclul unei persoane în ființa sa valorică. Conștiința estetică, nefiind rațională în natură, păstrează orientarea unei persoane în situațiile esențiale ale vieții, iar în aceasta semnificaţia ideologică a valorilor estetice.

Întrebări de control

1. Care sunt bazele obiective ale frumuseții?
2. Ce se exprimă în categoria „frumos”?
3. Ce este frumusețea formală?
4. Ce este natura frumoasă?
5. Ce fel de persoană numim frumoasă?
6. Care sunt trăsăturile esențiale ale sublimului?
7. De ce marele ca mărime nu este sublimul?
8. Care este particularitatea experienței sublimului?
9. Care sunt fundamentele obiective ale tragicului?
10. Care este esența situației tragice?
11. Care sunt caracteristicile experienței tragice?
12. Care este diferența dintre tragedie și tragedia vieții?
13. Care este esența comicului?
14. Este comic tot ceea ce provoacă râs? De ce?
15. Care este baza împărțirii categoriilor estetice?
16. Dați un exemplu de interacțiune a valorilor estetice.

Literatură

• Bychkov V.V. Estetică: manual. M. : Gardariki, 2009. - 556 p.
• Kagan M.S. Estetica ca știință filozofică. Sankt Petersburg, LLP TK „Petropolis”, 1997. - P.544.

Valori estetice

Numele parametrului	Sens
Subiect articol:	Valori estetice
Rubrica (categoria tematica)	cultură

Valori estetice - ϶ᴛᴏ valori spirituale asociate cu identificarea, experiența, crearea frumuseții și armoniei. Valorile estetice sunt asociate cu capacitatea unei persoane de a trăi experiențe emoționale profunde, puternice, vii, capacitatea de a percepe multe nuanțe de dispoziții și sentimente. Termenul ʼʼesteticăʼʼ însuși provine din cuvântul grecesc ʼʼesthesisʼʼ, care înseamnă percepție senzorială. Estetica – ca știință filozofică specială – examinează în detaliu esența și specificul valorilor estetice.

frumuseţeȘi Armonie - valorile estetice de bază. Οʜᴎ se exprimă în nevoia umană de a identifica, de a menține armonia, de a realiza armonizarea universală a relațiilor umane cu lumea, cu ceilalți oameni și cu sine însuși.

Principalele valori estetice sunt, de asemenea frumoasa , sublim , tragic Și comic . Frumoasa se distinge prin expresivitate deosebită, armonia se dezvăluie cel mai pe deplin în frumos. Frumusețea este în mod inerent umană, ᴛ.ᴇ. strâns legat de valori umaniste precum viața, libertatea, bunătatea, dragostea. Nu întâmplător în mitologia antică Frumusețea și Iubirea unite în imaginea aceleiași zeițe - Afrodita (Venus). Frumusețea este atractivă și valoroasă în sine, în frumosul o persoană este deschisă către lume, este gata să accepte frumusețea și să aibă încredere în ea.

Sublim duce o persoană dincolo de granițele existentei, dincolo de limitele stăpânitului și accesibil, face semn către infinit, aspiră la mai înalt, misterios, etern. Ea ridică o persoană deasupra lumii vieții de zi cu zi, a vieții de fleacuri deșarte, plictiseală și plictiseală. Abisul oceanului și cerul fără fund, vârfurile maiestuoase ale munților și întinderile înstelate, faptele eroice și manifestările geniului uman - toate acestea sunt chipurile sublimului.

tragic- o categorie care surprinde încălcarea armoniei, criza, moartea, vrăjmășia, conflictul. Istoria umanității este plină de evenimente tragice - războaie și revoluții ϶ᴛᴏ, pierderi ireparabile și speranțe năruite. Tragicul are loc atunci când o persoană se ciocnește de forțe și elemente incontrolabile ale naturii, cum ar fi o furtună, un incendiu, o inundație și multe altele. Lupta dintre cunoaștere și credință, sentiment și datorie, bine și rău se desfășoară tragic în sufletul și conștiința unei persoane. Viața umană este tragică în esență, pentru că inevitabil se termină cu moartea. Percepția tragicului este legată de efect catharsis. Catharsis - purificare prin suferință, un șoc emoțional puternic, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ temperează o persoană, îi insuflă curaj și rezistență. Este ca o topire emoții negativeîn pozitiv. Când percepem tragicul, experimentăm durere, întristare și chin. Dar există o minune de purificare a sufletului. Compasiunea, empatia, depășirea propriului egoism conduc la perspicacitate, iluminare. Fără acest efect, lumea emoțională a individului devine defectuoasă. Școala dură a tragicului este școala ϶ᴛᴏ de reevaluare a valorilor, măsurarea relațiilor și acțiunilor umane.

În acest caz, reevaluarea valorilor poate fi efectuată în formular comic . Natura comicului este să dezvăluie adevărata esență a nesemnificativului, jalnic, gol, ascunzându-se în spatele unei măști de importanță și măreție. Un însoțitor frecvent al comicului este râsul. O persoană se sătura de seriozitate excesivă și pace. Opțiunile comice sunt variate: ironie, umor, sarcasm; satiră, parodie, anecdotă etc. Abilitatea de a te trata cu umor este primul pas în depășirea neajunsurilor.

Este necesar să menționăm existența a încă două tipuri de valori spirituale. Ei sunt cei care realizează sinteza, combinarea valorilor ideologice, morale și estetice. Acestea sunt valorile religios si valori artistic care stă la baza art. Filosofia religiei se ocupă cu studiul valorilor religioase. Analiza teoretică a artei și a valorilor artistice este realizată de o disciplină precum studiile culturale.

Τᴀᴋᴎᴍ ᴏϬᴩᴀᴈᴏᴍ, conținutul conceptului de ʼʼspiritualitateʼʼ este revelat în înțelegerea viziunii asupra lumii, a valorilor spirituale morale și estetice. În realitate, în viața unei persoane și a umanității, aceste valori formează o unitate indisolubilă, se împletesc și interacționează unele cu altele.

Valori estetice - concept și tipuri. Clasificarea și caracteristicile categoriei „Valori estetice” 2017, 2018.

- Valorile estetice și rolul lor în viața umană.

Cuvântul „estetică” provine din grecescul aisthetikos – sentiment, senzual. Sfera de aplicare practică a esteticii este activitatea artistică, ale cărei produse - opere de artă - sunt supuse evaluării din punct de vedere al valorii lor estetice. În curs... .

- Estetica ca ramură a filosofiei. Valorile estetice și rolul lor în viața umană. Valori religioase și libertate de conștiință. Filosofia religiei.

Estetica este știința atitudinii senzuale și valorice a unei persoane față de lume și a modalităților de dezvoltare spirituală și practică a acesteia. Universalitatea atitudinii estetice și sfera experienței estetice: natură, cultură, societate, om. Trinitatea subiectului esteticii: subiect - obiect -... [citeste mai mult] .

Termenul de „estetică” (din cuvântul grecesc „aisthetikos” – referindu-se la percepția senzorială) a fost introdus de filozoful german A. Baumgarten în secolul al XVIII-lea. El a determinat, de asemenea, locul acestei științe în sistemul filosofiei. El crede că estetica este cel mai de jos nivel al epistemologiei, știința cunoașterii senzoriale, a cărei formă perfectă este frumusețea. Contemporanul său I. Kant vede în estetică propedeutica oricărei filosofii. Aceasta înseamnă că studiul sistematic al filosofiei ar trebui să înceapă cu teoria frumuseții, apoi bunătatea și adevărul vor fi dezvăluite mai pe deplin. Dacă pentru Baumgarten al doilea categorie fundamentală este artă, atunci Kant s-a orientat spre estetică, plecând nu de la problemele artei, ci de la nevoile filosofiei. Meritul lui Kant constă tocmai în faptul că a introdus spiritul dialecticii în estetică. Definiția „esteticii” este ferm înrădăcinată în terminologia filozofică și încă din secolul al XVIII-lea. începe să fie înțeleasă ca o știință care se ocupă de problemele „filozofiei frumosului” sau „filozofiei artei”. În această privință, Hegel a perceput-o, iar mai târziu F. Schiller și F. Schelling.

Istoria esteticii datează de mii de ani. S-a format mult mai devreme decât a apărut însuși termenul de estetică. Experiența estetică ca set de atitudini non-utilitare față de realitate a fost inerentă omului încă din cele mai vechi timpuri și și-a primit expresia inițială în practica proto-estetică a omului arhaic. Experiența proto-estetică primitivă a fost fuzionată cu experiența sacră proto-religioasă.

Prima mențiune despre apariția practicilor și aptitudinilor estetice intră adânc în istoria umanității. Acestea sunt picturi pe stâncă din peșterile oamenilor primitivi și conținutul miturilor în popoare diferite pace.

Există două căi principale ale existenței istorice a esteticii: explicită și implicită. Prima este disciplina filozofică propriu-zisă a esteticii, care a devenit autodeterminată abia la mijlocul secolului al XVIII-lea ca știință independentă. Estetica implicită are rădăcini în antichitatea profundă și este o înțelegere liberă, nesistematică, a experienței estetice în cadrul altor discipline (în filosofie, retorică, filologie, teologie etc.). Estetica implicită a existat (și există astăzi) de-a lungul istoriei esteticii, dar se dezvăluie doar cu perioada europeană modernă târzie, în procesul de dialog cu aceasta de estetică explicită. În mod convențional, în ea se disting trei etape (proto-științifice (până la mijlocul secolului al XVIII-lea), clasică (mijlocul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XX-lea) și neclasică (proclamată de F. Nietzsche, dar care și-a început călătoria abia de la a doua jumătate a secolului al XX-lea).

În spațiul european, estetica protoștiințifică a dat cele mai semnificative rezultate în Antichitate, Evul Mediu, Renaștere, în cadrul unor tendințe artistice și estetice precum clasicismul și baroc. În perioada clasică s-a dezvoltat deosebit de fructuos în direcțiile romantismului, realismului și simbolismului. Estetica neclasică, al cărei fundament a fost reevaluarea tuturor valorilor culturii tradiționale, a umbrit estetica teoretică (explicită). Cunoștințele estetice în secolul XX s-au dezvoltat cel mai activ în cadrul altor științe (filozofie, filologie, lingvistică, psihologie, sociologie, istoria artei, semiotică etc.). Identificarea esteticii implicite este asociată cu anumite dificultăți metodologice, datorită faptului că, bazându-ne pe izvoare primare străvechi, încercăm să găsim în ele idei despre subiectul esteticii, care la acel moment încă nu existau. Potrivit lui V.V. Bychkov, „această dificultate există, dar este legată nu numai de faptul că antichitatea nu cunoștea știința esteticii la nivelul „rației”, deoarece chiar și atunci a existat o realitate estetică, care mai târziu a chemat pentru studiul ei. și știință specială. În secolul al XX-lea această problemă a fost rezolvată de G. Gadamer, arătând convingător că în procesul de interpretare a unui text tradițional de către un cercetător modern, se realizează un dialog egal între text și cercetător, în timpul căruia ambii participanți la dialog se influențează în mod egal reciproc în termenii de realizare înțelegere modernă problemă aflată în discuție.”

Estetica studiază cunoștințele senzoriale ale realității înconjurătoare și se ocupă de diferitele sale aspecte: cu natura, societatea, omul și activitățile sale în diverse sfere ale vieții. În ceea ce privește valoarea estetică în viața de zi cu zi, evaluăm flori frumoase, clădiri maiestuoase, fapte morale înalte ale oamenilor, opere frumoase de cultură artistică. O varietate de relații estetice care apar într-o persoană în viața de zi cu zi pot fi atribuite definiției generale a „esteticului”. Potrivit lui V. Bychkov, estetică - aceasta este o știință a unui depozit filosofic, care se ocupă de unele chestiuni destul de subtile și greu de perceput la nivel rațional și, în același timp, - ceva mai mult decât știință în noul sens european obișnuit al cuvântului. Ar fi mai corect să spunem că acesta este un fel de experiență specială, specifică a ființei - cunoaștere, în care o persoană care are o anumită orientare față de ea poate rămâne, să aibă un fel de nepermanent, dar temporar întrerupt - timp. , ca și cum ar fi scufundat în ea pentru timp, și apoi mergeți din nou la nivelul vieții de zi cu zi - viața utilitară obișnuită. După cum arată istoria esteticii, definirea verbală a acestui subiect sa dovedit problematică. Cu toate acestea, aproape toți filozofii majori nu ignoră sfera estetică. Estetica în lucrările lor a fost veriga finală a sistemului filozofic. Hegel scrie despre aceasta: „Sunt convins că cel mai înalt act al rațiunii, care îmbrățișează toate ideile, este un act estetic și că adevărul și bunătatea sunt unite prin legături de rudenie numai în frumusețe. Un filozof, ca un poet, trebuie să aibă un dar estetic. Filosofia spiritului este o filozofie estetică.”

Datorită limitării fundamentale a nivelului de formalizare a materiei de estetică și a versatilității acesteia, care impune cercetătorului să dețină cunoștințe fundamentale în domeniile istoriei artei, religiei, filosofiei și aproape toate științele umaniste, precum și un simț artistic sporit. și gust foarte dezvoltat, estetica rămâne în continuare în toate privințele cea mai complexă, consumatoare de timp, controversată și mai puțin ordonată dintre toate disciplinele.

Astăzi, ca și în momentul apariției sale, două fenomene principale se află în centrul atenției esteticii: totalitatea tuturor fenomenelor, proceselor și relațiilor, desemnate drept estetice, i.e. estetica însăși ca atare și arta în fundamentele ei esențiale. În estetica clasică, termeni și categorii precum conștiință estetică, experiență estetică, cultură estetică, joc, frumos, urât, sublim, tragic, comic, ideal, catharsis, plăcere, mimesis, imagine, simbol, semn, expresie au fost considerați ca fiind cei mai buni. semnificativ., creativitate, metodă, stil, formă și conținut, geniu, creativitate artistică etc. Estetica non-clasică, dezvoltându-se în concordanță cu freudianismul, structuralismul, postmodernismul, a atras atenția asupra problemelor și categoriilor marginale (de exemplu, absurdul, șocul). , violență, sadism, entropie, haos, fizicitate etc.). Toate cele de mai sus indică diversitatea subiectului de estetică.

Particularitatea esteticii ca știință este că nu are propria sa bază empirică, ci folosește materialul altor științe. Cert este că estetica este o știință de un fel special și nu doar o știință: într-un fel coincide cu știința. Și ceva depășește asta. Vorbind despre estetică ca știință, nu trebuie să uităm de originalitatea ei. „Estetica este știința esenței condiționate istoric a valorilor umane universale, generarea, percepția, evaluarea și dezvoltarea lor.” (Yu. Borev). În procesul de dezvoltare a acestei științe, opiniile asupra problemelor estetice s-au schimbat. Deci, în perioada Antichității, a fost: parte a filosofiei și a ajutat la formarea unei imagini a lumii (filozofii naturii); considerat problemele poeticii (Aristotel), a intrat în strâns contact cu etica (Socrate). În Evul Mediu, a fost una dintre secțiunile teologiei. În Renaștere, ea a luat în considerare relația dintre natură și activitatea artistică. Astfel, timp de multe secole, problemele estetice au fost puse în cadrul unuia sau altui sistem filozofic. De fapt, este imposibil să numim o perioadă a esteticii când problemele estetice nu erau legate de filozofie. Cercetătorul modern Bychkov V.V. scrie că „estetica este știința relațiilor non-utilitare subiect-obiect, în urma căreia subiectul, prin intermediul obiectului, atinge libertatea personală absolută și plenitudinea ființei și, pe scurt: estetica este știința armonia omului cu Universul”.

Toate cele de mai sus confirmă faptul că estetica este o știință filozofică, deoarece a apărut în profunzimile filozofiei, și anume secțiuni precum epistemologia și axiologia. Dacă filosofia studiază cele mai generale legi ale naturii, dezvoltarea socială și gândirea, atunci estetica studiază cele mai generale legi ale dezvoltării artei, precum și relația estetică a omului cu lumea. Chiar și devenind o știință independentă, estetica continuă să își tragă principalele prevederi metodologice din filosofie. De asemenea, interacționează: cu etica, întrucât morala intră în însăși esența atitudinii estetice a unei persoane față de realitate; strâns legată de psihologie, deoarece percepția estetică a realității este de natură senzual-emoțională; cu pedagogie, sociologie, istorie, logica etc.

Estetica este cel mai strâns legată de artă și pledează pentru metodologii pentru disciplinele de istoria artei. Arta ca rod al creativității artistice devine subiect de studiu al științei estetice. Estetica studiază relația dintre artă și realitate, reflectarea realității în artă, creativitatea artistică, dezvăluie legile care guvernează toate tipurile de artă. Noile direcții se bazează și pe baza metodologică a esteticii, precum: estetica tehnică, estetica vieții de zi cu zi, estetica comportamentului.

Astfel, estetica este știința esteticii, esența și legile cunoașterii estetice și a activității umane estetice, știința legilor generale ale dezvoltării artei.

Structura cunoștințelor estetice. DE EXEMPLU. Yakovlev scrie că „definiția modernă a subiectului esteticii teoretice include studiul: estetică obiectivă, înțeleasă ca bază naturală, socială și obiectivă a conștiinței estetice și a nevoii estetice; practica creativă și transformatoare a subiectului estetic, exprimată prin activitatea și conștiința estetică, precum și prin teoria și sistemul de categorii; cele mai generale modele ale creaţiei artistice şi ale artei. Astfel, estetica este un sistem integral de cunoștințe științifice și include trei secțiuni principale:

• 1. despre natura obiectului evaluării estetice și tipurile de valoare estetică;
• 2. despre natura conștiinței estetice și formele ei;
• 3. despre natura activității estetice și tipurile acesteia.

Structura cunoaşterii estetice presupune şi existenţa unui sistem de categorii şi definiţii estetice. Să luăm în considerare diferitele principii de organizare a sistemului de categorii estetice care există în literatura științifică rusă modernă. Deci, de exemplu, M.S. Kagan consideră că este necesar să punem în fruntea sistemului categoria idealului estetic (în aspectul său axiologic). N.I. Kryukovsky susține că „în estetică, sistemul de categorii ar trebui să fie în centru... categoria frumuseții...”. V.M. Zharikov a bazat acest sistem pe raportul dintre „categorii inițiale: perfecțiune și imperfecțiune” A.Ya. Zis distinge trei grupe de categorii estetice: specifice (eroic, maiestuos etc.), structurale (masura, armonie etc.) si negative (urat, josnic). DE EXEMPLU. Krasnostanov și D.D. Cel de mijloc este oferit și de trei grupe de categorii estetice: categorii de activitate estetică, categorii de viață socială, categorii de artă de T.A. Savilova susține că „baza esteticii este o comparație jucăușă a măsurii dezvoltării cuprinzătoare a unei persoane... și a fenomenului”. I.L. Matza consideră armonia și frumusețea drept principalele categorii estetice, care au fost modificate și schimbate în procesul de evoluție. În momentele lor inițiale, principiile sistematizării ar trebui să fie de natură filozofică și estetică. Apoi, la determinarea structurii sistemului, sunt necesare: ​​aspecte ontologico-fenomenologice și socio-epistemologice; este necesar să se determine principiile de subordonare și coordonare a categoriilor estetice; evidențiază principala categorie estetică universală din jur, care organizează întregul sistem.

În estetică există o categorie care acționează ca o metacategorie a esteticii - aceasta este categoria esteticii. Estetica este perfectă în felul său. Perfecțiunea este necesitatea vitală a naturii. Este spontan, din ea se naște ideea perfecțiunii universale. Nu numai armonicul (frumos, idealul estetic, arta), ci și dizarmonicul (sublim, teribil, urât, jos, tragic) are proprietatea esteticii, deoarece în ambele esența acestui gen de ființă este cel mai pe deplin exprimată. O astfel de abordare a esteticii extinde granițele subiectului de estetică, deoarece include studiul tuturor fenomenelor realității care au perfecțiune. Cu toate acestea, în estetica tradițională, categoria fundamentală este frumusețea. Este dificil să fiți de acord cu această poziție, deoarece categoria frumuseții a avut întotdeauna un conținut strict istoric, iar acest lucru a fost arătat clar de V. Tatarkevich în lucrarea sa Istoria esteticii. În consecință, semnificația ontologică a esteticii constă în faptul că este ființa perfectului, fenomenologicul - în varietatea fenomenelor care au această proprietate ca plenitudine a existenței, sociologicul - în faptul că subiectul esteticii. în acest caz capătă mai multă lățime și profunzime, devenind la figurat vorbind, mai democratic. Să explorăm acum aspectul epistemologic al categoriei esteticului. Estetica ca perfectă apare ca rezultat al practicii materiale și spirituale a omenirii. Nu este doar o proiecție a idealului asupra naturii „disparute”, este o formațiune complet nouă, reală, specifică, un fel de „a doua natură” care a luat naștere ca o fuziune organică a obiectivului și subiectivului. Estetica este descoperită, stăpânită și funcționează nu numai în procesul activității artistice, care stă la baza artei, ci în toată activitatea umană spirituală, practică și materială. Ea dezvăluie proprietățile obiectului și implementează, obiectivează posibilitățile subiectului în practica materială și spirituală a omenirii prin dezvăluirea cât mai completă a proprietăților și capacităților lor. Aceasta este adevărata ființă a perfectului.

Dialectica relației dintre obiectivul-estetic și cunoașterea estetică constă și în faptul că practica socială este singurul proces de impact asupra unei persoane a aspectelor estetice obiective ale realității și dezvăluirea și transformarea lor conform legilor frumosului. „A doua natură”, care apare în procesul acestei practici, există și independent de o persoană și devine obiect al cunoașterii și transformării estetice. Omul, creând după legile frumosului, obiectivează și transformă în același timp tot ceea ce este creat într-un obiect de cunoaștere și perfecționare estetică. Estetica în realitate nu este ceva înghețat și neschimbător, ea se schimbă și se îmbunătățește în procesul de dezvoltare istorică a naturii și, în principal, a societății umane. Obiectivitatea esteticii este dovedită nu numai prin practica dezvoltării sociale, ci și prin marile realizări ale dezvoltării sociale. stiinta moderna. O caracteristică specifică a activității estetice este că se adresează întregii personalități a unei persoane. În structura activității: scop - acțiune - operație, activitatea estetică se desfășoară universal, întrucât trece de la individualitate la societate.

Studiul subiectului și al structurii esteticii vă permite să îl dezvăluiți funcții , dintre care cele principale sunt ideologic, cognitiv, formativ, metodologic.

În primul rând, estetica este necesară artistului. Este baza ideologică a activității sale. Dar, chiar și fără cunoștințe de estetică, un artist își poate aplica legile, bazându-se pe intuiția și experiența sa. Totuși, o astfel de înțelegere, nesusținută de o generalizare teoretică a practicii artistice, nu va permite cuiva să rezolve profund și inconfundabil problemele creative. Viziunea asupra lumii nu numai că ghidează talentul și îndemânarea, ci se formează ea însăși sub influența lor în procesul de creativitate.Originalitatea viziunii despre lume, selecția materialului artistic sunt determinate și reglementate de viziunea asupra lumii. În același timp, acea latură a viziunii asupra lumii care se exprimă în sistemul estetic, realizată conștient sau spontan în imagini, afectează cel mai direct creativitatea. Principiile estetice pe care se bazează artistul ne interesează, întrucât artiștii își creează în primul rând lucrările pentru oameni. Aplicarea legilor esteticii în creativitate contribuie la o atitudine conștientă față de creativitatea artistică, care îmbină darul și priceperea.

Estetica este nevoie nu numai de artist, ci și de publicul care percepe - cititori, telespectatori, ascultători. Arta oferă una dintre cele mai înalte experiențe spirituale - plăcere. Această știință este cea care permite oamenilor să-și formeze opinii estetice, idealuri, idei. Prin urmare, estetica este implicată în procesul de educație.

Îndeplinește și o funcție metodologică. Rezumând rezultatele cercetărilor în domeniu, cum ar fi istoria artei, are efect invers asupra dezvoltării acesteia. Oferă o oportunitate de a studia principiile dominante ale epistemologiei obiectelor estetice, determină calea studiului lor. Din varietatea științelor umane, estetica ocupă un loc aparte. „Natura valorică senzorială a cunoștințelor estetice, caracterul ei criteriu în relație cu căutările culturale și artistice în curs de desfășurare dau motive de a trata estetica ca pe o axiologie specifică a culturii, ca pe conștiința ei de sine, care este cel mai direct legată de formarea culturală și artistică. standarde de valoare și priorități.” Fiind în lumea culturii, umanitatea există într-o varietate de valori estetice și antivalori. Normele și valorile estetice ale culturii reprezintă un ghid foarte important pentru dezvoltarea societății umane, protejând-o de expansiunile culturale.

În secolul al XX-lea, a devenit evidentă capacitatea culturii de a scăpa de sub controlul uman, de a se transforma într-un nou tip de element. Au apărut un număr mare de amenințări la adresa însăși existenței omului, aceasta este o catastrofă ecologică și epuizarea resurselor naturale și răspândirea „culturii de masă”, însoțită de o scădere generală a nivelului cultural al oamenilor, standardizarea. a vieții lor și depersonalizarea personalității. „În fenomenul „omului în masă”, indiferent față de frumusețe, adevăr și bunătate, se află pericolul unor noi războaie, distrugeri în masă, dezastre provocate de om.

Remarcabilul nostru om de știință-encicloped V.I. Vernadsky Vernadsky V.I. Proceduri pe istoria lumiiȘtiințe. - M., 1988. Prelegeri 1 - 3. Despre perspectiva științifică). credea că cunoașterea umană a lumii înconjurătoare merge în trei direcții care se îmbogățesc reciproc: prin știință, artă și religie. Figurat vorbind, realitatea unificată a ființei, la cunoașterea căreia se străduiește o persoană, poate fi reprezentată ca un cristal cu mai multe fațete, ale cărui fețe sunt cunoscute de știință, altele - de artă, iar altele - de experiența religioasă a omenirea. Pentru a ne apropia de înțelegerea acestei realități, nu este suficient să luăm în considerare fațetele ei separat, trebuie și să putem vedea, parcă, aranjarea lor reciprocă. Cunoașterea lumii înconjurătoare și extinderea conștiinței umane merg ca într-o spirală. În primul rând, există acumularea de cunoștințe și experiență, apoi sinteza acestor cunoștințe disparate într-o singură idee a lumii înconjurătoare, apoi, bazându-se pe această idee calitativ nouă, acumularea de cunoștințe și experiență mai profunde etc.

Astăzi este timpul sintezei. Chiar acum este necesar să putem combina toate cunoștințele și toată experiența omenirii într-un singur întreg și astfel să obținem o înțelegere calitativ nouă, extinsă a Lumii și a legilor Existenței ei. În același timp, nici o singură experiență de cunoaștere umană a Realității Unice nu poate fi ignorată fără a deteriora ideea integrală a Lumii - nici științifică, nici filozofică, nici estetică, nici religioasă. Astfel, putem spune că problema subiectului specificului esteticii se află în permanență în câmpul de vedere al oamenilor de știință. De exemplu, în secolul al XX-lea Printre discuțiile în jurul subiectului esteticii, a existat un punct de vedere conform căruia „estetica nu ar trebui să studieze arta, întrucât acesta este subiectul teoriei artei, în timp ce estetica este știința frumosului, a esteticii, atât în realitate și în artă” Pospelova G.N. Estetic și artistic. - M., 1965 .. Acest punct de vedere nu este general recunoscut, dar recent a primit semnificații și argumente suplimentare datorită utilizării pe scară largă a diverselor tipuri de activități artistice și estetice aplicate și informațional-comunicative care nu sunt artă în tradiționalul. sensul cuvântului. Prin urmare, dacă avem în vedere nu structuri abstracte și nu sisteme semiotice fără speranță codificate, ci artă realistă sănătoasă în contextul dezvoltării globale a mass-media, designul, estetizarea mediului și, de asemenea, luăm în considerare succesele în domeniul computer și artă virtuală, este posibil să ne asumăm perspectiva dezvoltării fără artă?, în sensul propriu al cuvântului.

constiinta estetica. Conștiința estetică este o formă a conștiinței valorice, o reflectare a realității și a evaluării acesteia din punctul de vedere al unui ideal estetic. Obiectul de reflecție al conștiinței estetice, ca toate celelalte forme de conștiință socială, este realitatea naturală și socială, deja stăpânită de experiența socio-culturală a omenirii. Subiectul de reflecție este societatea în ansamblu, prin indivizi specifici, grupuri sociale.

După natura epistemologică, estetica este asemănătoare adevărului, dar diferă prin esența sa. Dacă adevărul este cunoaștere rațională, atunci cunoașterea estetică nu este atât cunoaștere cât experiență emoțională la perceperea unui obiect. Prin urmare, pe bună dreptate se poate argumenta că echivalentul mental al esteticului sunt experiențe .

Experiențele sunt întotdeauna emoționale, dar nu se limitează la emoții. Experiențele sunt întotdeauna un produs, rezultatul relațiilor subiectiv-obiective. După structura organică și conținutul experienței - „această formațiune este complexă în compoziția sa; este întotdeauna, într-o măsură sau alta, inclusă în unitatea a două componente opuse - cunoașterea și atitudinea, intelectuală și afectivă” Rubinshtein S.L. Ființa și cunoașterea. - M, 1957. S.264. .

Estetica ca experiență nu se bazează neapărat pe cunoștințe intelectuale. Cauza afectivului din el poate fi atât intuitivă, cât și inconștientă, dar întotdeauna despre ceva. Natura specifică a experiențelor estetice se explică prin două motive: particularitățile obiectului atitudinii estetice și corelarea obiectului cu gusturile estetice, vederile, idealurile unei persoane, denotate prin „conștiință estetică”. De exemplu, culoarea însăși, ca sursă de experiențe estetice, nu determină încă semnificația acestor experiențe.

Specificitatea conștiinței esteticeîn comparație cu alte forme ale vieții spirituale a omenirii, ea constă în faptul că este un întreg complex de sentimente, idei, vederi, idei; acesta este un tip special de formare spirituală care caracterizează atitudinea estetică a unei persoane sau a unei societăți față de realitate: la nivelul ființei, conștiința estetică există sub forma conștiinței sociale, care reflectă nivelul estetic, la nivelul individualității - sub forma unei caracteristici personale a unei persoane; se formează numai pe baza practicii (cu cât practica estetică a unui individ sau a unei societăți este mai bogată, cu atât conștiința lor estetică este mai bogată și mai complexă).

Structura conștiinței estetice. Ca orice formă de conștiință socială, conștiința estetică este structurată în multe feluri. Cercetătorii disting următoarele niveluri:

• conștiința estetică obișnuită;
• conștiință estetică specializată.

Nivel estetic obișnuit, se bazează pe experiența empirică generalizată: experiențe estetice, sentimente etc. Experiențele noastre de zi cu zi sunt schimbătoare și uneori contradictorii.

Nivel teoretic se bazează pe ideile filozofice generale despre lume, om și locul său în această lume: evaluare estetică, judecăți, opinii, teorii, idealuri etc. Trebuie amintit că granițele dintre aceste niveluri sunt condiționate, deoarece specificul conștiinței estetice se manifestă la fiecare nivel - peste tot găsim atât elemente senzuale, cât și raționale. Această trăsătură se manifestă cel mai clar ca o nevoie estetică și un gust estetic, unde atât emoțional, cât și rațional sunt la fel de importante, deoarece sunt realizate în conformitate cu idealul estetic.

Pentru a înțelege mai exact structura conștiinței estetice, să luăm în considerare interacțiunea elementelor sale în forma sa cea mai dezvoltată, și anume contemplarea specializată a artistului. În centrul conștiinței se află o nevoie estetică, interesul unei persoane pentru valorile estetice, setea sa de frumos și armonie, care s-a dezvoltat istoric ca o nevoie socială pentru supraviețuirea umană în lume. De aici se construiesc idealurile corespunzătoare. Fenomenul idealului poate fi văzut clar în toate etapele dezvoltării culturii. Începând cu „binele” lui Platon, Plotin și Augustin, idealul este studiat ca „clima spirituală a epocii” sau „temperatura morală” (I. Taine); sau " forma generala contemplarea unei anumite epoci” (Welfflin); sau pur și simplu „spiritul epocii” (M. Dvorak), „adevărul vieții” (V. Solovyov), „adevărul ascetic” (P. Florensky); sau mai global sub forma unui „model cultural” sau un standard de valori” (Munro), un „pra-simbol al culturii” (O. Spengler) etc. În unele cazuri, se folosesc definiții mai complexe pentru a desemna idealul, cum ar fi „super-ego” (Z. Freud), „arhetip” (K. Jung), „meme” (Mono), „orizont de viață” (Husserl, Gadamer şi alţii). .) etc.

Potrivit cercetătorului rus modern V.E. Davidovich, valoarea este asociată cu conceptul de ideal; mai mult, este rezultatul realizării unor ideale Pentru mai multe detalii, vezi: Davidovich V.E. Teoria idealului. - Rostov-pe-Don, 1983. . Sistemul de norme al idealului este un ansamblu de cerințe generale („canoane”) pe care orice transformare a realității trebuie să le satisfacă atunci când trece de la real la dorit.

Caracteristicile idealului estetic: spre deosebire de orice ideal social, el nu există într-o formă abstractă, ci într-o formă senzuală, deoarece este strâns legat de emoții, de atitudinea senzuală a unei persoane față de lume; este determinat de diferite moduri de corelare a idealului estetic cu realitatea; asociat cu natura reflectării realității în ideal; constă în corelarea calităților obiective ale realității și a caracteristicilor lumii interioare a unei persoane; determină perspectivele de dezvoltare a societății, interesele și nevoile acesteia, precum și interesele și nevoile unui individ; contribuie la formarea miturilor în mintea unei persoane sau a unei societăți, înlocuind astfel, parcă, realitatea însăși.

În societate, idealul estetic îndeplinește următoarele funcții: mobilizează energia umană a sentimentelor și voinței, arătând direcția activității; creează o oportunitate de a trece înaintea realității, indică tendința viitorului; acționează ca o normă, un model și de la sine înțeles; servește drept criteriu obiectiv de evaluare a tot ceea ce o persoană întâlnește în lumea din jurul său. Astfel, idealul estetic ca standard pentru excitarea și codificarea emoțiilor artistice nu este practic altceva decât o idee despre cum ar trebui să fie o operă de artă pentru ca aceasta să corespundă unui anumit ideal estetic al unei persoane.

Idealul estetic manifestă gustul estetic, care se bazează pe o atitudine estetică care lasă o amprentă asupra întregului sistem de imagini și sentimente al artistului și stă la baza stilului artistic al unui sau altuia autor. În sens estetic, termenul „gust” a fost folosit pentru prima dată de gânditorul spaniol Baltasar Gracian („Oracolul de buzunar”, 1646), denotând una dintre abilitățile cunoașterii umane, concentrată în mod specific pe înțelegerea frumosului și a operelor de artă. Mai târziu a fost împrumutat de la el de gânditorii din Franța, Italia, Germania și Anglia.

„Gustul”, a scris Voltaire, „adică un fler, un dar de a distinge proprietățile alimentelor, a dat naștere în toate limbile cunoscute de noi o metaforă, în care cuvântul „Gustul” denotă sensibilitate față de frumos și urât în ​​arte: gustul artistic este la fel de rapid de analizat, anticipând reflecția, precum limba și cerul, la fel de senzual și lacom de bine, la fel de intolerant la rău...” Voltaire. Estetică. Articole. Scrisori. Prefață și discuție. - M., 1974. S. 67-268 .. Prin analogie cu gustul mâncării, el distinge gustul artistic, gustul prost și gustul pervertit. Privind sau ascultând o operă de artă, spunem foarte des la sfârșit: „Îmi place - nu-mi place”, „este frumos - este urât”. Reacția emoțională la lucrare este exprimată în limbaj sub forma unei evaluări estetice. Este înțeles ca o afirmație care descrie sentimentul estetic al privitorului atunci când percepe opera. O astfel de afirmație în estetică apare pentru prima dată în lucrările lui I. Kant („Critica capacității de judecată”) și a fost numită „judecata de gust”.

Există patru soiuri aprecierea estetică: pozitiv, negativ, contradictoriu, nedefinit. Să luăm în considerare evoluția judecăților de gust, atât pozitiv, cât și negativ, și apoi să analizăm efectul gustului. Istoria artei plastice arată că există șapte etape principale în dezvoltarea unei evaluări negative: „rece și fără viață” („nu atinge”); „tropit și pompos”; „neprofesionist și neplauzibil”; „prost gust și vulgaritate”, „prostii”, „patologie”, „sabotaj ideologic”. Există, de asemenea, efecte pozitive și negative ale gustului. Un exemplu de efect pozitiv al gustului pot fi cazurile extreme: falsuri, furt, „atacuri artistice” (1985, Ermita, URSS, pictura lui Rembrandt „Danae” a fost turnată cu acid). Efectul negativ al gustului se poate manifesta prin refuzul de a admite un tablou la o expozitie. cea mai înaltă formă efectul negativ al gustului este auto-da-fé „artistic”, adică. picturi arse pe rug, inventatorul acestui fenomen este personalitatea religioasă Savonarola (Italia, secolul XV)

Categoria „frumos”. Omenirea a căutat de mult un răspuns la întrebarea, ce este frumos? A fost pus pentru prima dată în această formă de Platon. Ce este frumusețea în general? Cunoaștem un coș frumos, o iapă frumoasă, o femeie frumoasă și ce este frumos în general? Și acesta este meritul Platon. El a mutat această întrebare de pe tărâmul fenomenelor pe tărâmul regularităților. Există vreo regularitate în existența frumuseții? Însăși formularea întrebării sugerează că grecii antici au perceput lumea ca pe ceva natural. Adevărat, Platon are o idee minunată despre un lucru. Lucrul ca atare nu atinge niciodată perfecțiunea și plenitudinea de a fi inerente lumii ideilor. Prin urmare, ființa adevărată este ființa lumii ideilor. Chiar înainte de Platon Heraclit a văzut frumusețea în armonie. Armonia este lupta principiilor opuse. Proporția contrariilor în aceasta luptă eternăși creează armonie. Heraclit a reprezentat lumea ca un fel de întreg armonios, adică. lumea în ansamblu este o anumită unitate de principii opuse și veșnic lupte. Omul trăiește în această armonie a lumii. Fluid, după măsurile aprinderii și după măsurile lumii pe moarte. pitagoreici a reprezentat lumea ca un fel de armonie numerică. Numerele sunt sufletul acestei lumi. Relațiile numerice sunt cele care definesc această lume. Pitagora a creat chiar un instrument pentru studiul intervalelor muzicale. Și a descoperit armonia sonoră. Lumea în ansamblu a fost creată după aceleași principii de armonie muzicală, iar cele șapte sfere, parcă, creează un sunet armonios al lumii. Adevărat, nu auzim acest sunet cu urechea. Dar muzicianul ne transmite acest sunet și astfel persoana, parcă, se alătură armoniei lumii întregi. Aristotel definește frumusețea ca ordine, mărime, conformitate. Nici prea mare, nici prea mic nu poate fi frumos. Trebuie să existe proporție cu lumea lucrurilor. Dar de ce simțim această proporție, această armonie la fel de frumoasă?

ÎN Evul mediu Când a dominat ideologia religioasă, opoziția dintre spirit și carne a fost absolutizată. Mortificarea cărnii în numele ridicării spiritului, în numele ascensiunii spre spiritualitatea divină, era considerată la acea vreme cea mai înaltă manifestare a spiritului uman. Și totuși punctul de vedere al adevărului frumuseții spirituale, deși dureros, avea o anumită bază. Ideile pe care le formează o persoană au un impact asupra sa. Prin urmare, lumea ideilor despre cum ar trebui să fie sufletul uman și cum ar trebui să se manifeste în lume a fost de o importanță semnificativă. Ideile religioase despre idealul unei persoane frumoase aveau dezavantajul că nu corespundeau realității, ci că aveau o formă mistică. Cu toate acestea, acest lucru a contribuit chiar la faptul că religia a avut un impact asupra muzicii, picturii, arhitecturii. În toate aceste domenii, ascensiunea spre înălțimea spiritului a afectat seriozitatea acestor arte, în găsirea mijloacelor de exprimare potrivite.

ÎN renaştere s-a păstrat imaginea existentă a ideilor despre frumos. Acest lucru este dovedit de arta acelei perioade. Dar, în același timp, omul Renașterii caută frumusețea în naturalețe, în însăși ființa omului. Gânditorii și artiștii din acest timp nu-L neagă pe Dumnezeu, dar el, parcă, se dizolvă în această lume, devine om, devine om. Iar ideile despre om, parcă, încep să se apropie de idei despre Dumnezeu, despre capacitățile lui. Pico della Mirandola spune că „Dumnezeu nu a hotărât pentru om ce ar trebui să fie, ce loc ar trebui să ia în această lume. A lăsat totul la latitudinea individului să decidă.” În epoca clasicismului, ideile despre frumusețe intră din nou în tărâmul spiritului. Numai ceea ce se manifestă raționalitatea, în care spiritul se manifestă, poate fi frumos. Iar spiritul din această epocă este înțeles mai rațional. Ca ceva stabilit, ordonat. În epoca clasicismului, când capitalismul face primii pași, apare o piață pe un teritoriu vast, se formează state puternice centralizate, când nobilimea nu a încetat încă să joace rolul de conducător al societății, dar relațiile deja burgheze încep să aibă loc. iau contur, în această epocă se formează idei despre onoare, patriotism, serviciu, rege și națiune. Început foarte puternic cavaleresc și rațional.

ÎN Iluminarea se formează din nou idei despre firescul omului. Căci burghezia a căpătat deja putere, iar acum nu are nevoie de patronajul regilor, nu are nevoie de viața reglementată a societății feudale. Iar Iluminismul în acest sens servește drept punte între tot ce a fost înainte și filosofia clasică germană. I. Kant crede că unei persoane îi place să contemple un obiect, din munca coordonată a rațiunii și a imaginației. El asociază frumosul cu conceptul de „gust”. Filozofia sa despre frumusețe se bazează pe capacitatea subiectivă de a judeca gustul. „Frumos este ceea ce este cunoscut fără concepție ca obiect al plăcerii necesare.” În același timp, Kant distinge două tipuri de frumusețe: frumusețea liberă și frumusețea accidentală. Frumusețea liberă este caracterizată doar pe baza formei și a judecății pure a gustului. Frumusețea intrinsecă se bazează pe un anumit scop al obiectului și al scopului. În termeni etici, el are frumusețe - „un simbol al binelui moral”. Prin urmare, el pune frumusețea naturii mai presus de frumusețea artei. Frumusețea pentru Schiller, Herder, Hegel și alții înainte de Heidegger și Gadamer era o imagine senzuală a adevărului. Astfel, Hegel, cel care a introdus pentru prima dată termenii de obiectivare și deobiectivizare în filozofie, nu a recunoscut frumosul din afara artei. Prin urmare, nu a recunoscut că, în opinia sa, frumosul este o idee prezentată senzual. Și ideea de natură în sine nu este inerentă. Adevărat, aici Hegel își schimbă oarecum părerile, conform cărora el are întregul obiectiv Lumea materială este alteritatea Ideei Absolute. Potrivit lui Hegel, în imaginea artistică, o persoană își face a lui lumea interioara. Și, prin urmare, o idee sau un ideal prezentat în mod sensibil într-o imagine artistică este, de fapt, un personaj uman activ, un personaj uman care luptă pentru interesele sale substanțiale. tip istoric. Dar omul se dublează în artă pentru că în general se redublează senzual în realitatea cotidiană obișnuită. Prin urmare, activitatea umană ca atare se potrivește ideii de frumusețe pe care Hegel o dezvoltă în raport cu arta. Dacă acest lucru nu ar exista în realitate, în comunicarea cotidiană a oamenilor, atunci de unde ar proveni în artă? N. Cernîşevski, argumentând cu estetica hegeliană, a înaintat teza: „frumosul este viaţa”. Heidegger vedea în frumusețe una dintre formele „ființei adevărului ca neascuns”, considerând adevărul „sursa creativității artistice”. K. Marx scrie că: „Un animal construiește numai în funcție de măsura și nevoile speciei căreia îi aparține, în timp ce omul știe să producă după standardele de orice fel și pretutindeni știe să aplice o măsură inerentă. la un obiect; din aceasta cauza, si omul construieste dupa legile frumusetii.

V.V. Bychkov distinge între categoriile „frumos” și „frumusețe” El consideră că „dacă frumusețea este una dintre modificările esențiale ale esteticii (o caracteristică a relațiilor subiect-obiect), atunci frumusețea este o categorie inclusă în câmpul semantic al frumuseții. și este o caracteristică doar a unui obiect estetic. Frumusețea unui obiect estetic este o expresie adecvată fundamental neverbalizată sau o reflectare a legilor esențiale profunde ale Universului, ființă, viață, vreo realitate spirituală sau materială, revelată destinatarului în organizarea, structura vizuală, audio sau procedurală corespunzătoare. , construcție, formă a unui obiect estetic care poate provoca într-un subiect estetic senzație, trăire a frumosului, să realizeze evenimentul frumosului. Frumusețea obiectului atitudinii estetice este, de regulă, o condiție necesară pentru actualizarea esteticii în modul frumosului. Nu există frumusețe - nu există frumusețe.

Categoria „exaltat”. Pentru prima dată teoretic, această categorie a încercat să înțeleagă în epoca Imperiului Roman un autor care a intrat în știință sub numele fictiv de Pseudo-Longinus în tratatul Despre sublim. El scrie: „La urma urmei, natura nu ne-a hotărât ca noi, oamenii, să fim niște creaturi nesemnificative - nu, ne introduce în viață și univers ca la un fel de sărbătoare, dar pentru a putea fi spectatori ai întregii sale integrități. și respectuoși zeloți, ne-a insuflat imediat și pentru totdeauna în suflet o iubire indestructibilă pentru tot ce este mare, pentru că este mai divin decât noi. Din cele de mai sus se vede că autorul reușește să surprindă clar momentul relației dintre om și lume în sublim. Este un observator strălucit al naturii umane. O iubire indestructibilă pentru tot ce este cu adevărat mare a intrat în sufletul omului. Acum rămâne de explicat de ce ar trebui să fie așa.

ÎN Evul Mediu problema sublimului s-a manifestat și în mod firesc înțelegerea lui era legată de Dumnezeu și de acele sentimente și creații care au fost create sub influența gândurilor despre Dumnezeu. ÎN renaştere există o ridicare a omului. Potrivit lui Alberti, un bărbat „stă la toată înălțimea și își ridică fața spre cer... el singur a fost creat să cunoască și să admire frumusețea și bogăția raiului” Iar următorul pas în încercarea de a-l înțelege, întâlnim doar in secolul al XVIII-lea. Realizat de Edmund Burke. Potrivit lui Burke sublim există ceva vast, infinit, dincolo de concepția noastră obișnuită. Acest lucru enorm trezește în noi un sentiment de groază, ne duce la uimire, ne face să ne înfiorăm de propria noastră neputință. Ea conectează în percepția noastră lumea exterioară și reacția noastră umană la ea la unele manifestări ale acestei lumi exterioare.

Puțin mai târziu decât Burke în același secol, I. Kant, în lucrarea sa „Observations on the Feeling of the Beautiful and the Sublim” (1764), caută și el să determine natura acestui sentiment la oameni. El își finalizează munca privind înțelegerea naturii acestui sentiment la o persoană în lucrarea „Critica capacității de judecată”. Potrivit lui Kant, baza pentru frumosul din natură, trebuie să privim în afara noastră. Dar pentru sublim, este doar în noi și în modul de gândire care aduce sublimul în ideile despre natură. Kant distinge între două feluri de sublim în relația noastră cu lumea: matematicul și dinamicul. În prima, capacitatea de a cunoaște se întâlnește cu imensitatea universului, iar în a doua, capacitatea noastră de a dori întâlnește imensitatea forțelor morale ale omului, voința lui. Și scrie: „...două lucruri umplu mereu sufletul de surpriză și evlavie nouă și mai puternică, cu cât ne gândim mai des și mai mult la ele - acesta este cerul înstelat deasupra mea și legea morală din mine. Ambele nu trebuie să caut și doar să le asum ca ceva învăluit în întuneric sau care se află în afara orizontului meu; Le văd în fața mea și le conectez direct cu conștiința existenței mele.

În filosofia lui Hegel, sublimul este și depășirea imediată a existenței individuale, intrând în lumea libertății în activitatea spiritului. Pentru o persoană, sublimul este natural, precum pâinea și apa. Și acest lucru este dovedit de arhitectura cultă și de arta cultă în general.

Religie a fost o realitate dură de milenii. Iar imaginea lui Dumnezeu în ea este sublimă. Aceasta este starea de spirit când o persoană renunță la mărunt, nesemnificativ, nesemnificativ, când percepe lumea în substanțialitatea ei, în patosul ei substanțial, adică. în pasiunile universale. Prin închinarea lui Dumnezeu în religie, o persoană se înalță la adevăratul său sine, chiar și într-o formă mistificată. În orice caz, o persoană simte, prin Dumnezeu, implicarea sa în treburile Universului. În arta sovietică, oricât ar încerca să o umilească și să o înjosească astăzi, omul de muncă a urcat la sublim. Și adevăratul patos al artei din acea vreme constă în asta. Ne putem aminti și de N. Ostrovsky cu „Cum a fost temperat oțelul”, ne amintim de „Cuirasatul Potemkin” al lui S. Eisenstein și multe, multe altele.

Categoria „tragic”.În lucrările de estetică se subliniază că tragicul exprimă, în primul rând, dialectica libertăţii şi necesităţii. Într-adevăr, natura umană este determinată de legea libertății. Dar această natură se realizează după legile libertăţii în condiţii istorice specifice, al căror cadru obiectiv nu permite dezvăluirea naturii omului, realizând-o în întregime. Este evident că cutare sau cutare stare a societății este cutare sau cutare stare a subiectului, a persoanei. De asemenea, este evident că contradicția dintre libertate și necesitate se rezolvă în activitatea umană. În această inconsecvență, continuă activitatea subiectului, a persoanei. Și de aceea fiecare subiect trăiește în această contradicție, toată lumea trăiește în rezolvarea acestei contradicții. În consecință, tragicul este obiectiv inerent societății umane. I. Kant crede că decalajul dintre propriul și existent nu va fi niciodată depășit. Absolutizează decalajul dintre libertate și necesitate. Desigur, depășirea acestei opoziții este un proces fără sfârșit în vedere. Dar a absolutiza această contradicție ar fi o greșeală. Pentru că este o greșeală că în activitatea umană există un proces de formare a libertății sale. Se pare că urcă de la un nivel la altul. În mod tragic, conflictul este obiectiv. E corect. Căci forțele vechii ordini mondiale fac toate eforturile pentru a o păstra, pentru a-și păstra poziția privilegiată în această lume. Și această formă trebuie distrusă, ea împiedică dezvoltarea economică, socială, morală și spirituală a oamenilor. Și de foarte multe ori cei care luptă pentru nou, pentru progres, sunt învinși. Aceasta este tragedia.

Personalitatea tragică se obișnuiește cu starea generală a lumii, trăiește activ în contradicțiile cheie ale epocii. Își stabilește sarcini care afectează destinele popoarelor. Hegel subliniază că o persoană atrasă într-un conflict tragic poartă patosul substanțial al epocii, principalele pasiuni care o determină. Această persoană încalcă prin acțiunile sale stare existentă pace. Și în acest sens, ea este de vină. Hegel scrie că este o onoare pentru un mare om să fie vinovat. El este vinovat înaintea a ceea ce este încă în viață, dar care trebuie să moară deja. Prin acțiunile sale, el contribuie la venirea viitorului. Unitatea esteticii și istoriei omenirii poate fi văzută și în faptul că oamenii luptă pentru interese specifice, nu numai materiale, ci și sociale, umane. Dar, în realitate, fiecare pas al istoriei omenirii, așa cum o definește K. Marx, este un proces de umanizare a omenirii.

În estetică, există mai multe concepte de tragic .

Tragedia destinului. Unii cercetători definesc tragedia greacă antică ca o tragedie a destinului sau o tragedie a destinului, caracterizându-o drept o tragedie a destinului, ei subliniază că toate acele evenimente, și odată cu ele experiențele eroilor, sunt, parcă, predeterminate, determinate. , că eroul nu este capabil să schimbe cursul evenimentelor. Acest curs de evenimente este cunoscut și telespectatorilor, cititorilor de tragedii. În același timp, subordonarea voinței oamenilor față de cursul prescris al evenimentelor nu înseamnă că voința, energia oamenilor încetează să mai joace un rol aici. Prin acțiunile lor, oamenii par să dau peste un curs predeterminat de evenimente. S-ar putea chiar să cunoască dinainte toate consecințele acțiunilor lor, deoarece Prometeu știa că va fi pedepsit de zei pentru că le-a dat oamenilor foc, le-a învățat meșteșuguri, dar tot va face ceea ce corespunde ideilor lor de datorie și onoare. Tragedia destinului nu înlătură responsabilitatea individului, nici măcar nu neagă alegerea. Putem spune că aici este o alegere conștientă a soartei cuiva.

Tragedia vinovăției. Hegel definește tragicul ca fiind coincidența destinului și a vinovăției. O persoană este vinovată, pentru că trăiește în societate, este responsabilă pentru acțiunile sale, poartă întreaga responsabilitate pentru ele, iar responsabilitatea sa este dovada libertății sale și a măsurii sale. Numai un mare personaj își poate asuma întreaga responsabilitate. El concentrează în sine adevăratele contradicții ale secolului, acesta este o persoană care poartă în pasiunea lui trendul epocii. Patosul căruia este substanțial. Această persoană se amestecă în cursul evenimentelor, tulbură un anumit echilibru al lumii, deși este ghidată de motive bune și nobile.

Filosofia existențialismului tratează diferit problema vinovăției tragice. Pentru ea, o persoană este vinovată de faptul că s-a născut. Există o dizolvare a sorții în vinovăția universală. Omul este condamnat la libertate, este natura lui. Dar această libertate este divorțată de necesitate și opusă acesteia. Și această izolare este absolutizată. Prin urmare, omul este subiectiv liber, dar obiectiv este neajutorat în fața forțelor naturale și sociale oarbe și puternice. Eroul este sortit în avans inevitabilității fatale a lumii. Există într-adevăr o contradicție, dar nu există fatalitate în lupta omului. Prin lupta lor, omul, oamenii, clasele, moșiile dobândesc libertatea, distrug vechiul stat și stabilesc o nouă ordine mondială. Omul atinge libertatea prin activitatea sa practică. În acest sens, personajul tragic reflectă contradicțiile reale ale epocii, este responsabil pentru aceasta, trăiește în unitate cu epoca. Umanitatea în conștiința estetică este conștientă de ea însăși. Percepem conținutul tragic al vieții. Sentimentul estetic include conștientizarea senzuală a tragicului. Dar înțelegerea naturii tragicului nu este dată senzual.

Conștiința creștină interpretează, de asemenea, tragicul ca fiind vinovăția unei persoane păcătoase din naștere. Moartea și renașterea lui Hristos, un mit care își are originea în mituri mai vechi asociate cu renașterea constantă a vieții în plante, o tragedie optimistă. Speranța de a depăși nedreptatea ordinii mondiale existente. După ce a trecut prin suferință, moartea Îl aduce pe Hristos în lume speranță și vindecare spirituală.

Percepția tragicului este contradictorie. Mâhnire pentru moarte și încredere în victorie, teamă de răutate și speranță pentru distrugerea ei. Aristotel a atras atenția asupra inconsecvenței percepției estetice a tragicului. Experiența tragicului, după Aristotel, este purificarea sufletului, care se realizează în confruntarea dintre sentimentele de compasiune și frică. Prin compasiune pentru acele experiențe teribile, dificile, care cad în sarcina eroilor tragediei, suntem curățați de meschin, nesemnificativ, secundar, egoist și ne ridicăm la esențial, semnificativ, remarcabil. Aristotel creează o teorie a impactului cathartic al artei, adică. experiențe în care se reproduce inconsecvența ființei. Drept urmare, sufletul uman intră într-o stare nouă. Este, parcă, curățat de lucruri mărunte și intră într-o stare de fuziune cu soarta eroilor. Acești eroi sunt destinul oamenilor. Iar sufletul intră într-o stare de depășire. Umanizat. se ridică.

Categoria „comic”. Categoria comic surprinde și confruntarea părților. Există și conflict aici. Dar acest conflict este opusul unuia tragic. Acesta este un conflict fericit. În ea, victoria subiectului asupra obiectului, superioritatea lui asupra a ceea ce se întâmplă în afara lui. Aici subiectul a câștigat chiar înainte de a se îndrepta către obiect. Își simte superioritatea față de ceea ce vede, cu ce are de-a face. Lumea lui interioară este mai vitală, mai corectă, mai adevărată, în contrast cu ceea ce se întâmplă în fața ochilor lui. El simte intuitiv lipsa de viață, lipsa de încredere, incorectitudinea acestui lucru și intuitiv își simte superioritatea, intuitiv se bucură de adevărul său uman. În literatura estetică, acest conflict este descris ca o contradicție între un conținut nesemnificativ și fals și o formă care pare să fie plină de semnificație. După cum putem vedea, această categorie estetică surprinde și procesul măsurat de subiect, omul însuși, logica sa umană subiectivă internă, logica subiectivității integrale și mișcarea realității umane. Mișcarea în care subiectul rezidă cu toate fibrele sufletului său. Poți defini probabil comicul în structura conștiinței umane ca unul dintre momentele logicii autodeterminării, ca unul dintre mecanismele autodeterminării senzuale în această lume nemărginită a omului. Simțirea de către subiect a ceea ce este greșit, neadevărat ca subiect și, în același timp, un mecanism de depășire intuitivă a furiei, a imobilității ființei, un mecanism de îndreptare senzuală a subiectivității. Prin urmare, mecanismul râsului este cel mai complex mecanism psihologic care se formează la o persoană socială.

Care este cheia mecanismului catartic? Care este diferența dintre râs și plâns? Acest lucru a fost subliniat clar de Aristotel. „Amuzant este un fel de greșeală sau urâțenie care nu provoacă suferință și rău”, spune el, definind comedia. Să cităm și o concluzie importantă și rar amintită a lui A.F. Losev, care compară înțelegerea aristoteliană a comediei și a tragediei: „dacă înțelegem structura ca o unică întregime, în abstracție de conținut, atunci această structură la Aristotel este exact aceeași atât pentru comedie, cât și pentru tragedie. Și anume, ici și colo o idee abstractă și în sine neatinsă este întruchipată în realitatea umană imperfect, fără succes și defectuos. Dar numai într-un caz această pagubă este definitivă și duce la moarte, iar în celălalt caz este departe de a fi definitivă și provoacă doar o stare de spirit veselă.

Cu alte cuvinte, principalul lucru în apariția râsului sau plânsului este recunoașterea reversibilității sau ireversibilității a ceea ce s-a întâmplat. Participarea la mecanismul catartic al râsului de identificare semantică (stabilirea reversibilității decalajului) este cea care face din râs un fenomen specific uman. Restabilirea integrității semantice este o condiție necesară pentru descărcarea cathartică. Astfel se poate explica situația de „anecdotă neînțeleasă”. O persoană percepe o anecdotă ca un decalaj, dar nu o poate elimina, „inversa”; în loc de râs există nedumerire. Astfel, experiența amuzantului are o structură în patru părți: în ceea ce privește sensul, reacția la decalaj este identificarea reversibilității; bucurie, relaxare, în expresie externă, estomparea mușchilor feței; inhibarea decolorării, a zâmbetului, a râsului și, în ceea ce privește localizarea, experiența este o îngustare a semnificației sursei experienței.

Durata și intensitatea râsului sunt determinate de semantica, sintactica și pragmatica amuzantului. Ele pot varia în funcție de semnificația pe care decalajul semantic care a apărut este dat în inconștientul unei persoane. În multe cazuri nu poate fi explicat rațional. O persoană care cade de pe scaun provoacă adesea o reacție mai puternică decât un joc de cuvinte subtil.

Însăși existența categoriei estetice a comicului și a genurilor sale indică existența unor surse arhetipale pentru generarea ridicolului. K. Jung a observat că arhetipalul este recunoscut printr-o reacție emoțională neobișnuit de puternică care îl însoțește. Efectul amuzantului poate fi crescut datorită distribuției structurale a tensiunii în cadrul unui eveniment amuzant, sau includerii acestuia într-un lanț de evenimente amuzante sau datorită mediului contextual contrastant.

În cele din urmă, însuși actul de a percepe amuzantul este de mare importanță. De exemplu, la un grup de oameni, efectul infectării cu râs apare atunci când obiectul râsului se extinde sau comută, deoarece persoana care râde este amuzantă în sine, pentru că este și o rupere a integrității semantice. Cele mai greu de analizat sunt fenomenele complexe, istorice, socioculturale, în care „efectele sistemice” se manifestă, distorsionând relațiile cauzale și făcând imposibilă explicarea fără ambiguitate de ce oamenii râd. Efectele sistemului necesită metode speciale de descriere și analiză.

Cel mai faimos exemplu de „râs sistemic” este „cultura populară a râsului” explorată în lucrarea clasică a lui M.M. Bakhtin pe Rabelais. Ceea ce este amuzant în viață nu este artistic, ci în mare măsură potențial artistic. Cea mai ingenuă repovestire a unui eveniment amuzant din viața de zi cu zi este actualizarea talentului și a priceperii naratorului. Și, dacă lăsăm deoparte cazurile în care o operă este amuzantă împotriva voinței autorului, orice lucrare care stârnește râsul poate fi deja considerată mai mult sau mai puțin reușită. În întregul arsenal de mijloace artistice create de cultura de pre-autor și autor din lume, râsul nu are concurenți în ceea ce privește capacitatea sa de a atrage și reține un public.

Comicul este un mijloc de luptă, o cale de victorie asupra a ceea ce împiedică viața, un mijloc de înțelegere a ceea ce este deja învechit, sau încă plin de viață, dar care nu are dreptul la viață. Se poate spune chiar că este un mijloc de transformare a acestui depășit, care nu are dreptul la viață, într-un mod simțit, perceput și în același timp un mijloc de afirmare a unui cu adevărat uman, corespunzător celor mai înalte idealuri. Rechemare, N.V. Gogol a definit genul suflete moarte ca o poezie. Inamicul ridiculizat a fost deja învins. El este învins spiritual, biruit ca ceva de jos, nedemn, fără drept la viață. Amintiți-vă de „Vasily Terkin” de A.T. Tvardovsky. Adevăratul său sens constă tocmai în faptul că conține o victorie spirituală asupra dușmanului. Conștientizarea veselă a autenticității cuiva, adevărul cuiva în această luptă severă. Într-o luptă care nu a fost egalată în istoria omenirii. Terkin este una dintre componentele Marii Victorii. Comicul se caracterizează prin colorare națională. Poți vorbi despre râsete franceze, engleze, georgiane, tătare, rusești... Căci alcătuirea spirituală a fiecărei națiuni este deosebită și inimitabilă.

natura estetică a artei. Diversitatea lumii și nevoile sociale ale omului aduce la viață diversitatea formelor de conștiință socială. Arta părea să rezolve probleme specifice de stăpânire și transformare a lumii. Cheia înțelegerii specificului gândirii artistice și a caracteristicilor artei trebuie căutată în structura practicii sociale, în structura experienței socio-istorice a oamenilor. Arta este o componentă indispensabilă a civilizației de-a lungul existenței și dezvoltării sale. După ce a întipărit în „memoria” sa istoria omenirii, experiența ei trecută, arta arată o imagine a soartei sale, izbitoare în autenticitatea ei.

Există multe definiții ale artei. Enumerăm principalele abordări pentru înțelegerea acestei definiții.

In primul rand, artă - acesta este un tip specific de reflecție spirituală și explorare a realității, „care vizează formarea și dezvoltarea capacității unei persoane de a transforma în mod creativ lumea din jurul său și pe sine însuși conform legilor frumuseții”. Faptul că arta are un scop este discutabil, iar conceptul de frumos este relativ, deoarece standardul de frumos poate varia foarte mult în diferite tradiții culturale, poate fi afirmat prin triumful urâtului și chiar poate fi complet negat.

În al doilea rând, artă este unul dintre elementele culturii în care se acumulează valorile artistice și estetice.

Al treilea, artă este o formă de cunoaștere senzorială a lumii. Există trei moduri de cunoaștere umană: rațional, senzual și irațional. În principalele manifestări ale activității culturale spirituale a unei persoane, în blocul cunoașterii semnificative din punct de vedere social, toate trei sunt prezente, dar fiecare dintre sfere are dominantele sale: știința - rațională, arta - senzuală, religia - intuitivă.

În al patrulea rând, în artă apărea Abilități creative persoană.

A cincea, artă poate fi considerat ca un proces de stăpânire a valorilor artistice de către o persoană, oferindu-i plăcere, plăcere.

Dacă încercăm să definim succint ce este artă , atunci putem spune că aceasta este o „imagine” - o imagine a lumii și a unei persoane, procesată în mintea artistului și exprimată de acesta în sunete, culori și forme.

Poți auzi adesea de la oameni care nu pot să deseneze, să se joace, să cânte că nu au nicio capacitate pentru artă. Și, în același timp, acești oameni sunt atrași cu ardoare de muzică, teatru, pictură, citesc o cantitate imensă de opere literare. Să ne amintim de copilăria noastră: aproape toată lumea încearcă să deseneze, să cânte, să danseze, să scrie poezie. Și toate acestea sunt începutul artei. În copilărie, toată lumea își încearcă mâna la diferite tipuri de artă. Totuși, nu degeaba se spune că un artist trăiește în fiecare persoană. Unde începe arta? Răspunsul la această întrebare stă, oricât de paradoxal ar suna, nu în artă în sine, ci în viața fiecărui om, în atitudinea sa față de ceilalți oameni și față de sine însuși. Arta este de obicei judecată după lucrările terminate. Dar să ne punem această întrebare: ce face o persoană să creeze opere de artă? Ce forță îl conduce pe el, pe creator și pe acei iubitori de artă care sunt atrași cu atât de mult de creațiile sale? Setea de cunoaștere, nevoia de a comunica cu alți oameni. Dar dorința de a descoperi misterele vieții, precum și dorința de a se cunoaște pe sine și pe ceilalți, este o parte a problemei. Cealaltă parte constă în capacitatea artistului de a experimenta viața într-un mod special, de a se raporta la ea în felul său unic - pasional, interesat, emoțional. Numai astfel poate el, potrivit L.N. Tolstoi, să infecteze alți oameni cu sentimente, percepându-și arta, privind viața prin ochii unui artist. Viața este un fel de punte care leagă artistul și privitorul, arta și publicul. Și începutul artei este deja în modul în care ne raportăm la ea, cum ne cunoaștem împrejurimile, cum evaluăm acțiunile și faptele altor oameni.

Principalele funcții sociale ale art. Arta este multifuncțională. Enumerăm și dăm o scurtă descriere a funcțiilor artei care sunt interdependente, datorită faptului că operele de artă există ca fenomen holistic: transformatoare din punct de vedere socialȘi compensatorie funcții (arta ca activitate și ca consolare); cognitiv-euristic funcția (arta ca cunoaștere și iluminare); artistice și conceptuale funcția (arta ca analiză a stării lumii); funcția de anticipare(„Începutul Kassandrei”, sau arta ca predicție); informatie si comunicare funcții (arta ca mesaj și comunicare); educational funcția (arta ca catharsis; formarea unei personalități holistice); inspirator funcția (arta ca sugestie, impact asupra subconștientului); estetic funcția (arta ca formare a unui spirit creativ și a orientărilor valorice); hedonist funcţia (arta ca plăcere).

Subiectul artei nu se reduce nici la un obiect de reflecție, nici la o invenție a priori a artistului - este rezultatul, produsul interacțiunii obiectivului și subiectivului în conștiință, experiențe ale artistului însuși. Înțeles astfel, obiectul de artă are o esență estetică.

Potrivit lui M.S. Kagan, teoria leninistă a reflecției servește drept suport în explicarea artei în relația ei cu realitatea, în lumina căreia poate fi înțeleasă ca „o formă socială specială de reflecție și evaluare a realității”. Dar nu ne vom limita la asta. Avem nevoie de această teorie pentru a releva trăsăturile artei ca formă socială de reflectare a realității, specificul funcțiilor sale ca dezvoltare practic spirituală a lumii în raport cu civilizația în comparație cu alte tipuri de astfel de dezvoltare. Pentru a face acest lucru, folosim conceptul de M.M. Bakhtin. O analiză fundamentală a artei Evului Mediu și a moștenirii clasice a secolului al XIX-lea, o profundă retrospectivă istorică i-a permis omului de știință să urmărească legătura succesivă în dezvoltarea lor cu minuțiozitatea științifică și filozofică, pentru a identifica nucleul invariant al artei, care rămâne cu tot „atașamentul” lui față de timpul său. MM. Bakhtin îl definește ca un „eveniment al ființei” (coexistența ființei). Conceptul său constă într-o analiză a artei din punctul de vedere al: teoria reflecției, semnificația socială a artei, unitatea și condiționarea istorică a acesteia.

Să încercăm să verificăm formula lapidă a lui M.M. Bakhtin despre generalitate și aplicabilitate atât la cele mai reprezentative teorii ale artei, trecute și prezente, cât și în raport cu conceptele non-europene. Lumea plină de evenimente a artei, potrivit lui Bakhtin, este o lume reflectată a realității cotidiene, dar ordonată și completată în jurul unei persoane ca mediu de valoare. „Activitatea estetică adună lumea care este împrăștiată în sens și o condensează într-o imagine completă și autosuficientă, găsește pentru trecător în lume (pentru prezentul, trecutul, prezența ei) un echivalent emoțional care o animă și o protejează, găsește o poziție valorică din care tranzitoriul capătă o pondere valoroasă și plină de evenimente, capătă semnificație și certitudine stabilă. Actul estetic dă naștere a fi într-un nou plan de valori al lumii, se va naște o nouă persoană și un nou context de valori - un plan de gândire despre lumea umană ”(M.M. Bakhtin).

Acest tip de compactare a lumii din jurul unei persoane și orientarea sa valorică către o persoană determină realitatea estetică a lumii artei, care este diferită de realitatea cognitivă, dar, desigur, nu este indiferentă față de ei. Poziția estetică a artistului nu se limitează la participarea sa la treburile și realizările lumii existențiale, ci implică o activitate non-practică în legătură cu aceasta. Această activitate se exprimă în „finalizarea valorică a lumii”, adică. în transformarea lumii în conformitate cu idealul. La baza unei astfel de transformări valorice a ființei se află relația „la celălalt”, îmbogățită de un exces de viziune asupra acestui „celălalt” din punctul de vedere al „exteriorității” artistului.

Artistul este implicat în ambele lumi - lumea ființei și lumea evenimentelor eroilor săi în lumea ființei, el însuși acționând ca un „altul”, a cărui existență îi rămâne complet necunoscută. Dar în această lume el cuprinde toată plinătatea vieții și incompletitudinea ființei, nemulțumirea cu care naște în el dorința de a-și fluidiza imaginea și de a o completa. „Lumea nu mulțumește o persoană și o persoană decide să o schimbe prin acțiunile sale” (V.I. Lenin). În același timp, schimbarea practică a lumii este precedată de conștiința imperfecțiunii sale, de o idee clară a ceea ce ar putea fi prin necesitate sau probabilitate etc. în sfârşit, hotărâre, disponibilitate pentru acţiune practică. Dar numai scăpând pentru o vreme din lume, ființă neterminată și luând poziția de „exterior”, artistul poate, pe baza propriei experiențe și cunoștințe „despre altceva”, să depășească această incompletitudine a ființei, să o completeze într-un mod holistic. imaginea lumii, care, despărțindu-se de artist, capătă valoare obiectivă. Completitudinea lumii pline de evenimente a artei îi conferă o semnificație obiectivă, mai universală și mai accesibilă contemplației directe decât semnificația ființei fluide a unei vieți neterminate în care individul este cufundat. Un exemplu pentru cele de mai sus este analiza lui Hegel a Divinei Comedie în Estetică a lui Dante.

Participanții la generarea acestei noi lumi a artei, ființă condusă de evenimente, sunt întotdeauna doi: artistul (spectatorul) și eroul, adică. „o altă persoană”, în jurul căreia se concentrează lumea plină de evenimente a artei. Dar pozițiile lor sunt fundamental diferite. Artistul știe mai multe despre eroul său și soarta lui decât știe despre sine, pentru că artistul cunoaște „sfârșitul” evenimentului, în timp ce existența unei persoane este întotdeauna incompletă. Mai mult, artistul vede și știe despre eroul său nu doar în direcția în care îl vede pe eroul însuși, subiect practic, ci și într-o proiecție diferită, fundamental inaccesibilă. Artistul vede acțiunile și soarta eroului nu numai în viața reală, ci și în trecut, care există necunoscut (situația lui Oedip), și în viitor, care nu a fost încă. Poziția „în afara locației” a artistului în raport cu existența lumii îi permite să curețe evenimentul din momentele nesemnificative ale unei singure experiențe aleatorii (existențiale) și să-l ridice la ideal, care în antichitate i-a fost atribuit. un sens magic. Artistul poate astfel surprinde și prezenta sub forma unei imagini holistice a lumii, poziția unei persoane în lume, reflectarea lumii în mintea unei persoane (erou), autoreflecția sa despre propria sa poziție. în lume, reacția la această poziție a „ceilalți” și reacția acestor „ceilalți” asupra stimei de sine.

Cu toate acestea, legând aceste proiecții atât de diferite ale lumii într-o singură imagine coerentă, universal semnificativă pentru toată lumea și, în același timp, concentrând contemplația asupra unuia dintre straturi, fără a pierde din vedere altele, ceea ce conferă multidimensionalitate acestei imagini și semnificație obiectivă, permite artistului să-și exprime propria viziune asupra lumii. În același timp, artistul nu se limitează în niciun caz la imitarea naturii (a ființei), mai ales în sensul corupt al cuvântului, care îi este dat de adversarii realismului sau de vulgarizatorii acestuia. El acționează într-un rol activ și productiv de co-creare a lumii coexistențiale a artei. Această poziție specială a artistului în raport cu lumea artei poate fi invizibilă pentru privitor atunci când evenimentul se dezvoltă, s-ar părea, de la sine, sau deschisă, atunci când artistul este sincer tendențios în atitudinea sa față de eveniment și judecă. ea din punctul de vedere al idealului sau declarată declarativ atunci când artistul își demonstrează în mod conștient puterea asupra materialului până la absurdizarea evenimentului, ceea ce este tipic artei moderniste contemporane. Redundanța viziunii îl pune pe artist în poziția creatorului, a demiurgului eroilor săi și a lumii lor. Cu toate acestea, el se dovedește a fi sincer doar dacă nu insistă asupra „purității” și superiorității viziunii sale valorice în raport cu lumea, iar excesul de cunoștințe despre lume nu se transformă în arbitrar. Astfel, potrivit lui Bakhtin, „exterioritatea” artistului este o poziție specială care îi permite să facă tranziții de la lumea existențială la lumea plină de evenimente a artei, exercitând astfel un „tip special de participare la evenimentul de a fi”.

Imagine artistică. Arta este, în primul rând, rodul muncii grele, rezultatul gândirii creative, al imaginației creatoare, bazată doar pe experiență. Se spune adesea că un artist gândește în imagini. O imagine este un lucru sau obiect real imprimat în minte. Imaginea artistică se naște în imaginația artistului. Artistul ne dezvăluie tuturor conținutul vital al propriei viziuni. Imaginile se nasc doar în cap, iar operele de artă sunt imagini artistice deja întruchipate în material. Dar pentru ca ele să se nască, trebuie să gândiți artistic - figurat, adică. pentru a putea opera cu impresiile de viață care s-ar încadra în țesătura lucrării viitoare.

Imaginația ca proces psihologic vă permite să prezentați rezultatul muncii înainte de a începe, nu doar produsul final, ci și toate etapele intermediare, orientând o persoană în procesul activității sale. Spre deosebire de gândire, care operează cu concepte, imaginația folosește imagini, iar scopul ei principal este transformarea imaginilor pentru a asigura crearea unei noi situații sau obiect care nu exista anterior, în cazul nostru, o operă de artă. Imaginația este inclusă în cazul în care lipsește completitatea necesară a cunoștințelor și este imposibil să se înainteze rezultatele activității cu ajutorul unui sistem organizat de concepte. Operarea cu imagini vă permite să „săriți” peste unele etape de gândire nu complet clare și să vă imaginați totuși rezultatul final. Deci, munca este un vis devenit realitate. Sentimentul întruchipat, experiența, observațiile vieții și fantezia creativă, imaginile realității și imaginile artei s-au contopit în ea. Realitate, sinceritate - caracteristica principală arta, iar arta este o proprietate a sufletului uman. În artă, pentru a spune ceva nou, trebuie să suferi acest lucru nou, să-l experimentezi cu mintea ta, simțindu-l, posedându-l. Desigur, măiestria.

În fiecare formă de artă, imaginea artistică are o structură proprie, determinată, pe de o parte, de particularitățile conținutului spiritual exprimat în ea și, pe de altă parte, de natura materialului în care se află acest conținut. întruchipat. Astfel, imaginea artistică în arhitectură este statică, dar dinamică în literatură, picturală în pictură și intonațională în muzică. În unele dintre genurile lor, imaginea apare în imaginea unei persoane, în altele apare ca o imagine a naturii, în al treilea - lucruri, în al patrulea - face legătura între reprezentarea acțiunii umane și mediul în care se desfășoară. .

Etape ale creației artistice. Enumerăm principalele etape ale creativității artistice: prima etapă este formarea unui concept artistic, care, în cele din urmă, ia naștere ca urmare a unei reflectări figurative a realității; a doua etapă este munca directă asupra lucrării, „realizarea” acesteia. Arta, care ia naștere ca mijloc de a fi al lumii spirituale a omului, poartă aceeași regularitate. Conștiința noastră în interacțiunea ei cu lumea este un fel de integritate și în același timp este de fiecare dată un fel de acțiune spirituală completă care reproduce acțiunea obiectivă a subiectului în lumea obiectivă. Așadar, să zicem, într-o poezie citim o dispoziție clar definită, tocmai aceasta, hotărâtă și în același timp, completată în timp. V.G. Belinsky, determină că într-o operă de artă totul este formă și totul este conținut. Și că, doar atingând perfecțiunea formei, o operă de artă poate exprima cutare sau cutare conținut profund. I. Kant scrie că, în primul rând, forma ne oferă plăcere estetică. El este acuzat de faptul că această declarație a lui a servit drept bază pentru tot felul de curente formaliste. Dar Kant nu este de vină aici. Da, formă. Dar care și de ce? Dacă avem în vedere că unul dintre momentele esențiale ale activității obiective umane este modelarea, atunci ca manifestare subiectivă a acestui moment al activității obiective umane, orice formă ar trebui să ofere o anumită plăcere unei persoane. Ca manifestare a capacităţii sale subiective în raport cu procesul obiectiv. Dar aici Kant nu vorbește despre artă, ci doar despre estetică ca atare.

Elementul ființei noastre, acel proces spontan, natural pentru noi, în care umanitatea și, împreună cu ea, sunt, este un proces de modelare. Dar care este conținutul? - aceasta este foarte întrebare dificilă. Dacă luăm întreaga lume obiectivă a omului, atunci putem și trebuie să dezvăluim aici conținutul modelării prin reprezentarea cea mai abstractă. Conținutul va fi viața omenirii. În ceea ce privește fiecare articol specific pe care îl creăm. Scaun, masă, pat, stâlp, parchet, interior... Dar într-o operă de artă se concretizează această mare nemărginită de modelare: conținutul va fi procesul de experimentare a subiectului lumii umane obiective. Cu alte cuvinte, imediatitatea semantică a subiectului, ca proces.

L.S. Vygotsky în Psihologia artei scrie că în artă există o depășire a conținutului prin formă. Atât în ​​crearea unei imagini artistice, cât și în percepția operelor de artă. Această concluzie este valabilă pentru existența lumii spirituale a omului. Creăm imagini la fiecare pas în interacțiunea cu lumea oamenilor și suntem forțați să creăm ceva complet pentru a surprinde sensul a ceea ce se întâmplă. În mod firesc, ne formăm imagini ale realității în mintea noastră, desfășurăm acțiunea de formare, depășim mulțumirea cu formă. Se poate ca în același timp să lăsăm ceva în afara imaginii subiective care ne iese în cap. Dar asta depinde deja de profunzimea conținutului semantic al conștiinței noastre. Sau, ca să spunem în limbaj informatic, programul pe baza căruia se formează imaginile în noi este încă departe de a fi perfect. Întregul proces creativ este caracterizat de interacțiunea dialectică a conținutului și a formei. Forma artistică este materializarea conținutului. Un artist adevărat, care dezvăluie conținutul unei opere, pornește întotdeauna din posibilitățile materialului artei. Fiecare formă de artă are propriul material. Deci, în muzică - acestea sunt sunete, de exemplu, tonul, durata, înălțimea, puterea sunetului, iar în literatură - acesta este un cuvânt. Inexpresivitatea, cuvintele și expresiile „întrerupte” reduc arta unei opere literare. Selectarea corectă a materialului de către artist oferă o descriere veridică a vieții, care corespunde percepției estetice a realității de către o persoană. În general, orice operă de artă apare ca o unitate armonioasă a imaginii și materialului artistic.

Astfel, o formă de artă nu este o legătură mecanică a elementelor întregului, ci o formațiune complexă care include două „straturi” – o formă „internă” și una „externă”. „Elementele” formei, situate la nivelul „inferior”, formează forma internă a artei, iar elementele situate la nivelul „superior” - forma ei exterioară. Forma internă include: intriga și personajele, relația lor - există o structură figurativă a conținutului artistic, o modalitate de dezvoltare a acestuia. Forma exterioară include toate mijloacele expresive și vizuale ale artei și acționează ca o modalitate de întruchipare materială a conținutului.

Elemente de formă: compoziție, ritm - acesta este scheletul, coloana vertebrală a țesăturii artistico-figurative a unei opere de artă, ele conectează toate elementele formei exterioare. Procesul de materializare a conținutului artistic în formă vine din adâncuri la suprafață, conținutul pătrunde pe toate nivelurile formei. Percepția unei opere de artă merge în sens invers: mai întâi surprindem forma exterioară, apoi, pătrunzând în profunzimea operei, surprindem și sensul formei interne. Drept urmare, plenitudinea conținutului artistic este stăpânită de noi. Prin urmare, analiza elementelor de formă ne permite să dăm o definiție mai clară a formei unei opere de artă. Forma este organizarea internă, structura unei opere de artă, creată cu ajutorul mijloacelor expresive și vizuale ale acestui tip de artă pentru a exprima conținutul artistic.

Fiecare epocă dă naștere propriei sale arte, propriilor sale opere de artă. Au trăsături distinctive pronunțate. Acesta este subiectul și principiile percepției realității și interpretarea sa ideologică și estetică, precum și sistemul de mijloace artistice și expresive prin care lumea din jurul unei persoane este recreată în opere de artă. Astfel de fenomene în dezvoltarea artei sunt de obicei numite metodă artistică.

metoda artistica - acesta este un anumit mod de a cunoaște realitatea, un mod deosebit de a o evalua, un mod de modelare inversă a vieții. Realitatea istorică concretă este sursa și determinantul în apariția și răspândirea metodei artistice; ea formează, parcă, baza obiectivă, pe care ia naștere cutare sau cutare metodă. Până și Hegel a susținut că „artistul aparține timpului său, trăiește după obiceiurile și obiceiurile sale”. Dar estetica materialistă este de altă părere: bogăția creativității depinde de integritatea viziunii asupra lumii. Prin urmare, în cadrul unei singure formații socio-economice, pot coexista diverse metode de creativitate artistică. Limitele de timp ale metodelor artistice nu trebuie luate la propriu. Germenii metodelor noi apar de obicei în lucrările create pe baza metodelor vechi. În același timp, altceva este de asemenea evident: grupuri de artiști din cadrul aceleiași metode artistice se abordează reciproc în ceea ce privește o serie de caracteristici de bază ale creativității și rezultatele sale practice. Acest fenomen în artă se numește stil.

Stil artistic - aceasta este o categorie estetică care reflectă o comunalitate relativ stabilă a principalelor trăsături ideologice și artistice ale creativității, datorită principiilor estetice ale metodei artistice și caracteristice unui anumit cerc de creatori de artă. Yu. Borev notează o serie de factori inerenți stilului: factorul procesului de creație; factorul existenței sociale a operei; factorul procesului artistic; factor de cultură factor de impact artistic al artei

Conceptul de „școală de artă” este folosit cel mai adesea pentru a se referi la ramificațiile naționale și provinciale ale direcției artistice. O categorie estetică importantă care reflectă practica artistică este direcție artistică . Această categorie practic nu este dezvoltată în literatură și este adesea identificată cu metoda creativității, stilul. Cu toate acestea, metoda creativă este un mod de a cunoaște realitatea și modelarea ei artistică, dar în sine nu este încă o realitate estetică. Numai fructele creativității artistice, operele de artă create prin una sau alta metodă de creație, au realitate.

În consecință, unitatea principală a dinamicii dezvoltării istoriei artei nu este metoda creativă, ci direcția artistică, i.e. un ansamblu de lucrări care se apropie unele de altele într-o serie de trăsături ideologice și estetice esențiale. Cu alte cuvinte, metoda artistică se concretizează într-o direcție artistică. Dezvoltarea, formarea și confruntarea metodelor artistice se refractă într-o direcție artistică. Dar este strâns legat de stil.

Direcția artistică este cea mai mare și mai încăpătoare unitate a procesului artistic, acoperind epoci și sisteme ale artei. Face posibilă judecarea unei întregi perioade istorice în cultura artistică și a unui întreg grup de artiști. Refractează trăsăturile artistice și ideologice, ideologice și estetice ale dezvoltării artistice. O mișcare artistică se numește astfel de mișcări artistice care se formează în anumite condiții naționale, istorice și unesc grupuri de artiști care urmează diferite principii estetice în cadrul unei metode artistice și a unui tip de artă, pentru a rezolva probleme creative specifice. Distincțiile în cadrul mișcării artistice sunt relative. LA principalele direcții de artă includ: realism mitologic al antichității, simbolism medieval, realism renascentist, baroc, clasicism, realism iluminist, sentimentalism, romantism, realism critic al secolului al XIX-lea, realism al secolului al XX-lea, realism socialist, expresionism, suprarealism, existențialism, abstractionism, artă pop , hiperrealismul și etc. Astfel, dezvoltarea istorică a artei apare de fapt ca un proces istoric de apariție și schimbare a metodelor, stilurilor și tendințelor artistice.

Morfologia artei. Problema identificării formelor de artă și clarificării trăsăturilor lor a îngrijorat omenirea de multă vreme. Mulți filozofi, personalități culturale, artiști au încercat să rezolve în sfârșit această problemă. Cu toate acestea, starea actuală a acestei probleme nu este suficient de clară. Prima clasificare a formelor de artă, care a fost realizată de Platon și Aristotel, nu a depășit studiul specificului tipurilor individuale de artă. Prima clasificare integrală a fost propusă de I. Kant, dar nu în plan practic, ci în plan teoretic. Hegel a oferit primul sistem de prezentare a relației dintre anumite tipuri de artă în prelegerea „Sistemul artelor individuale”, în temeiul căreia a pus relația dintre idee și formă, creând o clasificare a formelor de artă de la sculptură la poezie. .

În secolul al XX-lea, Fechner a clasificat artele din punct de vedere psihologic: din punctul de vedere al utilităţii practice a formei de artă. Așa că a atribuit artei atât gătitul, cât și parfumeria, adică. tipuri de activități estetice care, pe lângă valorile estetice, îndeplinesc și alte funcții practice. Aproximativ aceleași puncte de vedere au avut și T. Munro și în total a numărat aproximativ 400 de tipuri de artă. În Evul Mediu, Al-Farabi avea opinii similare. Diversitatea artei s-a dezvoltat istoric ca o reflectare a versatilității realității și a caracteristicilor individuale ale percepției acesteia de către o persoană. Prin urmare, atunci când evidențiază orice fel de artă, ne referim la forma de artă care s-a dezvoltat istoric, principalele sale funcții și unități de clasificare.

Tipuri de artă- literatură, arte vizuale, muzică, coregrafie, arhitectură, teatru etc. sunt legate de artă ca special de general. Trăsăturile speciei, reprezentând o manifestare specifică a generalului, se păstrează de-a lungul istoriei artei și în fiecare epocă în diferite culturi artistice se manifestă în moduri diferite.

Există două tendințe în sistemul modern al artei: dorința de sinteză și păstrarea suveranității tipurilor individuale de artă. Ambele tendințe sunt fructuoase și contribuie la dezvoltarea sistemului artei. Dezvoltarea acestui sistem este influențată decisiv de realizările moderne progresul științific și tehnologic, fără de care apariția cinematografiei, a holografiei, a operei rock etc. ar fi imposibilă.

Caracteristicile calitative ale formelor de artă și interacțiunea lor

Arhitectură este un fel de artă, al cărei scop este crearea de structuri și clădiri necesare vieții și activităților oamenilor. Îndeplinește în viața oamenilor nu doar o funcție estetică, ci și una practică. Arhitectura ca formă de artă este statică, spațială. Imaginea artistică de aici este creată într-un mod non-pictural. Ea reflectă anumite idei, stări și dorințe cu ajutorul raportului de scări, mase, forme, culori, conexiunea cu peisajul înconjurător, adică cu ajutorul unor mijloace expresive specific. Ca domeniu de activitate, arhitectura își are originea în vremuri străvechi. Ca domeniu al artei, arhitectura prinde contur în culturile din Mesopotamia și Egipt, înflorește și primește drept de autor în Grecia Antică și Roma. În Renaștere, L.B. Alberti scrie faimosul său tratat „Despre arhitectură”, în care definește dezvoltarea arhitecturii renascentiste. De la sfârșitul secolului al XVI-lea până în secolul al XIX-lea În arhitectura europeană, înlocuindu-se unul pe altul, dominat de astfel stiluri arhitecturale ca: baroc, rococo, imperiu, clasicism etc. Din acel moment, teoria arhitecturii a devenit disciplina principală în academia de arte din Europa. Arhitectura în secolul XX apare într-o nouă calitate. Există direcții și tendințe asociate cu apariția de noi tipuri de clădiri: administrative, industriale, sportive etc. Toate acestea au necesitat noi soluții din partea arhitecților: crearea unei clădiri ușor de utilizat, inclusiv un design economic și care conține o formă artistică și expresivă completată estetic. Apar și noi tipuri: „arhitectura formelor mici”, „arhitectura formelor monumentale”, „cultura peisajului sau arhitectura verde.

Arte Frumoase. Artele plastice reprezintă un grup de tipuri de creativitate artistică (pictură, grafică, sculptură, fotografie artistică) care reproduc fenomene specifice ale vieții în aspectul lor obiect vizibil. Operele de artă plastică sunt capabile să transmită dinamica vieții, să recreeze imaginea spirituală a unei persoane. Principalele sale tipuri sunt pictura, grafica, sculptura.

Pictura - acestea sunt lucrări care sunt create pe un plan folosind vopsele și materiale colorate. Principalul mijloc vizual este sistemul de combinații de culori. Pictura este împărțită în monumentală și șevalet. Genurile principale sunt: ​​peisaj, natură moartă, picturi tematice, portret, miniatură etc.

Arte grafice. Se bazează pe un desen monocrom și folosește linie de contur. Punct, contur, punct. În funcție de scop, se împarte în tipar de șevalet și aplicat: gravură, litografie, gravură, caricatură etc.

Sculptură. Ea reproduce realitatea în forme volume-spațiale. Principalele materiale sunt: ​​piatra, bronzul, marmura, lemnul. După conținutul său, se împarte în: monumental, șevalet, sculptură de forme mici. După forma imaginii, ele disting: sculptură tridimensională tridimensională, imagini relief-convexe în plan. Relieful, la rândul său, se împarte în: basorelief, înalt relief, contrarelief. Practic, toate genurile de sculptură s-au dezvoltat în perioada antichității.

Fotografie . Astăzi, o imagine fotografică nu este doar o copie a aspectului exterior al unui fenomen pe film. Un artist-fotograf, prin alegerea unui obiect pentru fotografiere, iluminare, o înclinare specială a aparatului, poate recrea un aspect artistic autentic. La sfârșitul secolului al XX-lea, fotografia și-a ocupat pe bună dreptate un loc special printre artele plastice.

Arte și Meserii. Acesta este unul dintre specii antice activitatea creativă a omului în crearea obiectelor de uz casnic. În această formă de artă sunt folosite o varietate de materiale: lut, lemn, piatră, metal, sticlă, țesături, fibre naturale și sintetice etc. În funcție de criteriul ales, se împarte pe domenii de specialitate: ceramică, textile, mobilier, vesela, pictură etc. punctul culminant al acestei forme de artă este bijuteriile. Meșteșugurile populare au o contribuție deosebită la dezvoltarea acestei arte.

Literatură. Literatura este o formă scrisă a artei cuvântului. Ea creează o adevărată ființă vie cu ajutorul cuvântului. Operele literare sunt împărțite în trei tipuri: epice, lirică, dramă. Literatura epică include genurile romanului. Povestea, povestea, eseul. Lucrările lirice includ genuri poetice: elegie, sonet, odă, madrigal, poem. Drama este menită să fie pusă în scenă. Genurile dramatice includ: dramă, tragedie, comedie, farsă, tragicomedie etc. În aceste lucrări, intriga este dezvăluită prin dialoguri și monologuri. Principalul mijloc expresiv și vizual al literaturii este cuvântul. În literatură, cuvântul este cel care generează imaginea; pentru aceasta se folosesc căi. Cuvântul dezvăluie intriga, arată imagini literare în acțiune și, de asemenea, formulează direct poziția autorului.

Muzică. Muzica este un fel de artă care, exprimând diverse stări emoționale, afectează o persoană cu ajutorul unor complexe sonore aranjate într-un mod special. Natura intonațională este principalul mijloc expresiv al muzicii. Alte componente ale expresivității muzicale sunt: ​​melodia, modul, armonia, ritmul, metrul, tempo-ul, nuanțe dinamice, instrumentația. Muzica conține și o structură de gen. Principalele genuri: camera, operă, simfonie, instrumentală, vocal-instrumentală etc. D. Kabalevsky a numit și genuri muzicale de cântec, dans și marș. Cu toate acestea, practica muzicală are multe varietăți de gen: coral, masă, oratoriu, cantată, suită, fugă, sonată, simfonie, operă etc.

Muzica modernă este inclusă activ în sistemul sintetic arte: teatru și cinema.

Teatru. Elementul fundamental al spectacolului teatral este acțiunea scenică. V. Hugo scria: „Teatrul este țara adevăratului: pe scenă – inimi umane, în culise – inimi umane, în sală – inimi umane”. Potrivit lui A.I. Teatrul Herzen este „cea mai înaltă autoritate pentru rezolvarea problemelor vieții.” Teatrul a avut o asemenea semnificație socială de la apariția sa în Grecia antică, cetățenii în spectacolele de teatru au rezolvat problemele sunetului public. Teatrul este un fel de artă care ajută la dezvăluirea contradicțiilor timpului, a timpului interior al lumii umane, ideile se afirmă cu ajutorul unei acțiuni dramatice – un spectacol. În cursul unei acțiuni teatrale, evenimentele se desfășoară în timp și spațiu, dar timpul teatral este condiționat și nu este egal cu timpul astronomic. Spectacolul în desfășurarea sa este subdivizat în acte, acțiuni, iar acestea, la rândul lor, în mișcări, tablouri etc.

Teatrul combină cele mai diverse genuri de arte spectacolului - fie că este vorba de dramă sau balet, operă sau pantomimă. Multă vreme, figura principală a teatrului a fost actorul, iar regizorul a fost destinat unui rol secundar. Dar timpul a trecut, teatrul s-a dezvoltat și cerințele pentru el au crescut. Era nevoie de o persoană specială în teatru responsabilă de tot. Acea persoană era directorul. Primul teatru de regizor matur a apărut în Rusia. Fondatorii săi au fost K.S. Stanislavsky și V.I. Nemirovici-Danchenko, apoi V. Meyerhold și E. Vakhtangov. În secolul al XX-lea practica teatrală a fost completată cu multe forme experimentale: au apărut teatrul absurdului, teatrul de cameră, teatrul politic, teatrul de stradă etc.

Cinema . Cinematograful este considerat cea mai eficientă formă de artă, deoarece realitatea pe care o creează cinematograful nu diferă în aspectul său de viața reală. Cinematograful este asemănător în multe privințe cu teatrul: sintetic, spectaculos și colectiv. Dar, după ce au găsit montajul, artiștii de film au avut ocazia să-și creeze propriul timp de film, spațiu de film, în teatru aceste posibilități sunt limitate la scenă și în timp real. Există genuri de cinema: ficțiune, documentar, popular science, animalistic.

O televiziune- cel mai tânăr dintre arte. Valoarea sa socială este informația audio și video. Ecranul televizorului oferă o imagine luminii, prin urmare are o textură puțin diferită și alte legi de compoziție decât cinematograful. Lumina este cel mai puternic mijloc de exprimare în televiziune. Televiziunea, cu natura sa faptică și apropierea de natură, are mari posibilități de selectare și interpretare a realității. În același timp, conține o amenințare la adresa standardizării gândirii oamenilor. O caracteristică estetică importantă a televiziunii este transmiterea sincronismului evenimentelor, raportarea directă din scenă, includerea spectatorului în fluxul modern al istoriei. Televiziunea ascunde, pe de o parte, oportunități sociale bogate, iar pe de altă parte, amenințări și perspective bune. Se poate dovedi a fi atât un cal troian, cât și un mare profesor al omenirii.