Einheitliches Staatsexamen in Literatur: künstlerisches Detail und seine Funktion in einem Werk. Künstlerische Details und ihre Analyse im Werk

Städtische Bildungseinrichtung Sekundarschule Nr. 168

mit UIP HEC

Die Rolle künstlerischer Details in Werken der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts

Abgeschlossen von: Schülerin der 11. Klasse „A“ Tomashevskaya V.D.

Geprüft von: Literaturlehrer, Lehrer der höchsten Kategorie

Gryaznova M. A.

Nowosibirsk, 2008

Einführung

1. Künstlerisches Detail in der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts

2. Nekrassow

2.1 Techniken zur Offenlegung des Bildes von Matryona Timofeevna

2.2 „Träger“ von Nekrasov

2.3 Text von Nekrasov. Poesie und Prosa

4. Die Rolle des künstlerischen Details im Werk von I.S. Turgenev „Väter und Söhne“

5. Die objektive Welt im Roman von F.M. Dostojewski „Verbrechen und Strafe“

6. L. N. Tolstoi

6.1. Ironie und Satire im epischen Roman „Krieg und Frieden“

6.2 Über das künstlerische Können von L. N. Tolstoi

7. A.P. Tschechow

7.1 Dialoge von A. P. Tschechow

7.2 Farbdetail bei Tschechow

Referenzliste

Einführung

Die Relevanz der Studie wird dadurch bestimmt, dass die Werke russischer Schriftsteller nicht nur aufgrund der lexikalischen Merkmale und des Textstils interessant sind, sondern auch aufgrund bestimmter Details, die dem Werk einen besonderen Charakter verleihen und eine bestimmte Bedeutung haben. Details in der Arbeit weisen auf ein Merkmal des Helden oder seines Verhaltens hin, da Schriftsteller uns nicht nur lehren, das Leben zu analysieren, sondern auch die menschliche Psyche im Detail zu verstehen. Deshalb beschloss ich, die Details in den Werken russischer Schriftsteller des 19. Jahrhunderts genauer unter die Lupe zu nehmen und herauszufinden, welche Merkmale sie zum Ausdruck bringen und welche Rolle sie im Werk spielen.

Außerdem habe ich vor, in einem der Kapitel meiner Arbeit die lexikalischen Mittel zu betrachten, mit deren Hilfe die individuellen Merkmale der Charaktere geschaffen und die Haltung des Autors gegenüber den Charakteren verbreitet werden.

Gegenstand der Untersuchung sind die Texte russischer Schriftsteller des 19. Jahrhunderts.

Bei meiner Arbeit erhebe ich nicht den Anspruch, eine globale Entdeckung und ein tiefes Studium zu sein, aber für mich ist es wichtig, die Rolle des Details in Werken zu verstehen und aufzudecken.

Für mich ist es auch interessant, den Zusammenhang zwischen der Beschreibung der Einrichtung und Einrichtung des Zimmers oder Hauses des Helden und seinen persönlichen Qualitäten und seinem Schicksal zu bestimmen.

1. Künstlerisches Detail

Ein künstlerisches Detail ist ein bildliches und ausdrucksstarkes Detail, das eine gewisse emotionale und bedeutungsvolle Belastung trägt, eines der Mittel, mit denen der Autor ein Bild der Natur, eines Objekts, einer Figur, eines Interieurs, eines Porträts usw. schafft.

Im Werk eines großen Künstlers gibt es nichts Zufälliges. Jedes Wort, jedes Detail, jedes Detail ist für den vollständigsten und genauesten Ausdruck von Gedanken und Gefühlen notwendig.

Jeder weiß, wie ein kleines künstlerisches Detail ein literarisches (und nicht nur literarisches) Werk verwandeln und ihm einen besonderen Charme verleihen kann.

Details wie Bulgakows „Stör der zweiten Frische“, Gontscharows Oblomows Sofa und Robe, Tschechows Engpass unter dem Mond sind Teil der Realität unserer Zeit.

2. N. A. Nekrasov

Nikolai Alekseevich Nekrasov geht im Gedicht „Wer lebt gut in Russland“ im Kapitel „Bäuerin“ von der Darstellung von Massenszenen und episodischen Figuren einzelner Bauern den nächsten Schritt: Er spricht über das Schicksal und die Entwicklung als Persönlichkeit eines Zeit ihres Lebens war sie eine berufstätige Bäuerin. Darüber hinaus: Das Kapitel enthüllt das hundertjährige Leben eines russischen Bauern. Das belegen die Details. Der Sommer geht zu Ende (offensichtlich der Sommer 1863, wenn man sich das Kapitel „Der Landbesitzer“ anschaut). Die Wahrheitssucher treffen Matrjona Timofejewna, eine Bäuerin „ungefähr dreißig Jahre alt“. Das heißt, sie wurde etwa Mitte Zwanzig geboren. Wir wissen nicht, wie alt sie war, als sie heiratete, aber auch hier können wir ohne großen Fehler sagen: 17-18 Jahre alt. Ihr Erstgeborener, Demushka, starb aufgrund des Versehens des alten Savely irgendwo in der Mitte der 40er Jahre des 19. Jahrhunderts. „Und der alte Mann Savely ist hundert Jahre alt“ – da passierte Demuschka das Unglück. Das bedeutet, dass Savely irgendwo in der Mitte der 40er Jahre des 18. Jahrhunderts geboren wurde und alles, was ihm widerfuhr, mit den Korezh-Bauern und mit dem Gutsbesitzer Schalaschnikow, mit dem deutschen Verwalter, auf die 60er-70er Jahre des 18. Jahrhunderts zurückgeht , das heißt zur Zeit des Pugatschowismus, dessen Echos sich zweifellos in den Handlungen von Savely und seinen Kameraden widerspiegelten.

Wie Sie sehen, lässt die Liebe zum Detail ernsthafte Schlussfolgerungen zu, dass das Kapitel „Die Bäuerin“ in der Breite seiner Lebensdarstellung in der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts seinesgleichen sucht.

2.1 Techniken zur Offenlegung des Bildes von Matryona Timofeevna

Das Schicksal einer einfachen Russin wird im Gedicht „Wer lebt gut in Russland“ am Beispiel der Bäuerin Matrjona Timofejewna gut dargestellt. Das:

würdevolle Frau,

Breit und eng

Ungefähr dreißig Jahre alt.

Schön: graue Haare,

Die Augen sind groß, streng,

Die reichsten Wimpern,

Strenge und dunkel.

Dank der Lieder erwies sich das Bild als wirklich russisch. Die Liedsprache von Matrjona Timofejewna fällt uns auf, wenn sie an ihre verstorbenen Eltern erinnert:

Ich rief meiner Mutter laut zu,

Die heftigen Winde antworteten,

Die fernen Berge antworteten:

Aber mein Lieber ist nicht gekommen!

Die russische Bäuerin zeichnet sich durch Wehklagen aus, weil sie ihre Trauer anders nicht ausdrücken kann:

Ich schlug um mich und schrie:

Schurken! Henker!

Fall, meine Tränen,

Nicht an Land, nicht auf dem Wasser,

Fallen Sie direkt in Ihr Herz

Mein Bösewicht!

(Negative Parallelität, typisch für Volkslieder und Klagelieder).

Das sagt sie, als sie die Entweihung des Körpers ihres toten Sohnes sieht. Die Lyrik der Klagelieder wird auch durch Parallelismen und Beinamen verstärkt, die die Kraft der mütterlichen Liebe zum Ausdruck bringen.

Die Rede von Matryona Timofeevna ist reich an treffenden konstanten und instabilen Beinamen. Im übertragenen Sinne beschreibt sie das Aussehen ihres ersten Sohnes Demushka:

Schönheit von der Sonne genommen,

Der Schnee ist weiß,

Makus Lippen sind rot,

Der Zobel hat eine schwarze Augenbraue,

Der Falke hat Augen!..

Reichhaltig ist auch ihre Rede, wenn sie vergeblich nach ihren Eltern ruft. Doch der Priester, ihr „großer Schutz“, will nicht zu ihr kommen; er starb früh an schwerer Arbeit und bäuerlicher Trauer. In ihren Äußerungen über die Sorgen des Lebens sind deutlich volkstümliche Motive zu spüren:

Wenn du nur wüsstest und wüsstest,

Wem hast du deine Tochter hinterlassen,

Was kann ich ohne dich ertragen?

Dann kommt die folgende Gleichung:

Ich vergieße nachts Tränen,

Tag - ich lege mich hin wie Gras.

Diese außergewöhnliche Frau trauert besonders, nicht offen, sondern heimlich:

Ich ging zum schnellen Fluss,

Ich habe einen ruhigen Ort gewählt

Am Ginsterstrauch.

Ich setzte mich auf einen grauen Kieselstein,

Sie stützte ihren Kopf mit der Hand ab,

Die Waise fing an zu weinen!

In Matrjonuschkas Fängen gibt es auch gebräuchliche Umgangssprachen:

Ich hatte Glück bei den Mädchen,

Also habe ich mich an die Sache gewöhnt, -

Sie sagt. Synonyme werden oft gefunden („Es gibt niemanden, den man lieben und tauchen kann“; „Pfad-Pfad“ usw.).

Vor Nekrasov hatte niemand eine einfache russische Bäuerin so tiefgründig und wahrheitsgetreu dargestellt.

2.2 „Träger“ von Nekrasov

Indem er die Poesie an der Prosa orientiert und russisches Alltagsmaterial in Verse einführt, steht Nekrasov vor der Frage Handlung; er braucht eine neue Handlung – und er sucht sie nicht bei früheren Dichtern, sondern bei Prosaautoren.

Aus dieser Sicht ist sein Gedicht „Carrier“ (1848) interessant. Das erste Kapitel zeigt, wie sehr Nekrasov vom alten Balladenvers abweicht – hier haben wir eine (eher offensichtliche) Parodie auf Schukowskis „Ritter von Togenburg“ (die Parodie war genau Nekrasovs Mittel, russisches Alltagsmaterial in die Poesie einzuführen). Es dient als Handlungspunkt in der Handlung. Das zweite Kapitel ist eine Geschichte über einen Taxifahrer, der sich erhängt hat. Im Jahr 1864 nannte B. Edelson dieses Gedicht „eine unbeholfene Übersetzung eines alten Witzes über einen gehängten Taxifahrer in Verse“, gab jedoch keinen wirklichen Hinweis auf diese Anekdote.

Inzwischen verwendete Nekrasov in diesem Gedicht sehr spezifisches Material. Im Almanach „Dennitsa“ von 1830 findet sich ein Aufsatz von Pogodin „Psychologisches Phänomen“, in dem die „Anekdote über einen gehängten Taxifahrer“ in den gleichen Zeilen wie bei Nekrasov entwickelt wird. Der Kaufmann lässt 30.000 Rubel in alten Stiefeln im Schlitten zurück, sucht dann einen Taxifahrer auf, bittet ihn, den Schlitten zu zeigen, und findet sein Geld unberührt vor. Er zählt sie vor dem Taxifahrer und gibt ihm hundert Rubel als Trinkgeld. „Und der Kutscher war reich an Gewinnen: Er erhielt hundert Rubel umsonst.

Sicherlich hat er sich über solch einen unerwarteten Fund sehr gefreut?

Am nächsten Morgen – er – er hat sich selbst erhängt "

Pogodins Aufsatz steht Dahls Erzählungen nahe und sagt bereits die „physiologischen Aufsätze“ der Naturschule voraus. Es enthält viele alltägliche Details, von denen einige von Nekrasov aufbewahrt wurden. Sein Stil ist viel einfacher als der bewusst vulgarisierte Stil von Nekrasovs Stück. Ein Detail ist merkwürdig. Der Nekrasov-Kaufmann vergisst Silber in seinem Schlitten, und dieses Detail wird vom Autor hervorgehoben:

Silber ist kein Papier

Nein Zeichen, Bruder.

Hier korrigiert Nekrasov ein Detail von Pogodin, das im Alltag nicht ganz gerechtfertigt ist. Der Pogodinsky-Kaufmann vergisst Banknoten in seinem Schlitten, „ganz neu, brandneu“, aber die Banknoten hätten „an Hand von Schildern“ gefunden werden können. Dieses Detail ist charakteristisch für den Unterschied zwischen Pogodins frühem, schüchternem „Naturalismus“ und Nekrasovs ausgeprägtem Interesse an alltäglichen Details.

2.3 Text von Nekrasov . Poesie und Prosa

In seinen autobiografischen Notizen charakterisiert Nekrasov den Wendepunkt in seinem dichterischen Werk als „Wende zur Wahrheit“. Es wäre jedoch falsch, dies zu eng zu interpretieren – nur als Appell an neues ungewöhnliches „Material“ der Realität (neue Themen, neue Handlungsstränge, neue Helden). Dies ist die Genehmigung einer neuen Position, die Entwicklung einer neuen Methode, der Aufbau neuer Beziehungen zum Leser.

Die Hinwendung zur Welt der Arbeiter, zur Welt der Armen und Unterdrückten mit ihren dringenden Bedürfnissen und Interessen konfrontierte den Autor mit einer ungeordneten, disharmonischen und vielfältigen Realität. Es war das grenzenlose Element des Alltags, der Alltagsprosa. Natürlich begann seine Entwicklung in einem der künstlerischen Prosa benachbarten Genre – im Essay. Aber die Erfahrung der „physiologischen Skizze“ wurde von der Naturschule übernommen und überarbeitet, die hohe künstlerische Beispiele lieferte. Eine unendliche Vielfalt an Einzelfällen, Fakten und Beobachtungen, eine Fülle gewöhnlicher, massenhafter, alltäglicher Erscheinungsformen wahres Leben erhalten künstlerischer Wert Dank einer genauen sozialpsychologischen Analyse, „Klassifizierung“ und „Systematisierung“ von Typen werden Ursache-Wirkungs-Beziehungen zwischen menschlichem Verhalten und den es beeinflussenden Umständen aufgedeckt.

Nekrasovs frühe Gedichte erscheinen in der Atmosphäre der „natürlichen Schule“ und neben seinen Prosa-Experimenten. Nekrasovs Prosa der 40er Jahre, von der der Autor später nur sehr wenig als beachtenswert und nachdruckwürdig erkannte, zeigt die Vielfältigkeit und „Fragmentierung“ von Eindrücken, Episoden und Szenen.

Nekrasov beherrscht die Lehren der realistischen Beobachtungsgenauigkeit und der sozialen Einsicht in Beurteilungen und unternimmt zunächst Versuche, das Prinzip der „Physiologie“ mit seiner Gründlichkeit, Analytik und oft Satire in die Poesie zu übertragen. Dies ist eine Studie über bestimmte sozialpsychologische Typen, malerisch und aufschlussreich zugleich.

Als Mann der vernünftigen Mitte,

Er wollte nicht viel in diesem Leben:

Vor dem Mittagessen habe ich Ebereschen-Tinktur getrunken

Und er spülte sein Mittagessen mit einem Niesen hinunter.

Ich habe Kleidung bei Kincherf bestellt

Und für eine lange Zeit (verzeihliche Leidenschaft)

Ich hatte eine ferne Hoffnung in meiner Seele

Um Hochschulassessor zu werden...

("Offiziell")

Das treibende Pathos einer solchen Erzählung liegt in der sehr genauen Auseinandersetzung mit einem bisher unbekannten Thema. Das ist das Pathos des Lernens.

I „Vor dem Abendessen habe ich Ebereschen-Tinktur getrunken“ – weder im Vokabular noch in der rhythmischen Organisation dieser Zeile ist an sich etwas Poetisches zu finden. Was hier aufhört, ist die völlige Unerwartetheit des Auftauchens von „Chikhir“ oder, sagen wir, „Kincherf“ im poetischen Text – solchen dokumentierten Details des bürgerlichen Alltagslebens.

Nekrasov hatte weiterhin Gedichte, die gut in den Rahmen der „natürlichen Schule“ passten – zum Beispiel „Wedding“ (1855), „Wretched and Smart“ (1857), „Daddy“ (1859) und einige andere. Ihre Besonderheiten sind das Studium des gesellschaftlichen Schicksals, das Eintauchen in Umstände, Ursachen und Folgen, eine konsequent eingesetzte Motivationskette und schließlich eine eindeutige Schlussfolgerung – ein „Urteil“. Aber in Werken dieser Art ist das lyrische Prinzip selbst deutlich geschwächt. Es besteht beispielsweise kein Zweifel daran, dass Gogols Erzählung über Akaki Akakievich stärker von Lyrik durchdrungen ist als Nekrasovs „Der Beamte“.

Um der alles beherrschenden „Prosa“ gerecht zu werden, war es notwendig, neue Prinzipien der poetischen Verallgemeinerung vorzuschlagen. Nekrasov musste das vielfältige, facettenreiche und vielstimmige Lebensmaterial, das einströmte, nach einem bestimmten, in der Lyrik so wichtigen Bewertungssystem beherrschen. Aber wie dem auch sei, die Poesie musste die Prosa von innen heraus besiegen.

Erinnern wir uns an eines von Nekrasovs relativ frühen Gedichten (1850):

Gestern, gegen sechs Uhr,

Ich ging nach Sennaja;

Dort schlugen sie eine Frau mit einer Peitsche,

Eine junge Bäuerin.

Kein Laut aus ihrer Brust

Nur die Peitsche pfiff, während sie spielte ...

Und ich sagte zur Muse:

"Sehen! Deine liebe Schwester!

(„Gestern, gegen sechs Uhr ...“)

V. Turbin schrieb über dieses Gedicht: „Das ist Zeitungspoesie; Das sind sozusagen Gedichte zum Thema: Ein ständig eiliger, beschäftigter Reporter einer bestimmten Zeitung besuchte Sennaya und skizzierte innerhalb einer Stunde, auf der Tischkante in einem verrauchten Sekretariatsraum sitzend, Gedichte auf Korrekturabzügen .“

Dieses Urteil könnte als durchaus fair angesehen werden, wenn Nekrasov nicht die letzten beiden Zeilen hätte. Tatsächlich werden Zeit und Ort in Reportermanier präzise und vage zugleich angegeben („gestern“ ist definitiv nur in Bezug auf „heute“; „Sennaja“ mit seiner Funktion und Bedeutung ist nur denjenigen bekannt, die Petersburg gut kennen eines bestimmten Zeitraums). Dies ist ein Bericht vom Tatort, eine exakte Reproduktion einer „niederen“ Szene, häuslich und grausam zugleich. Aber Nekrasov beschränkt sich nicht auf die Berichterstattung, hier eine „physiologische Skizze“. Der Leser ist beeindruckt von der ungewöhnlichen Gegenüberstellung: Die gefolterte Bäuerin ist die Muse. Dieser Übergang vollzog sich nach den Gesetzen der Poesie. Nur hier konnten Skizze und Symbol kollidieren, und in dieser Kollision wurden beide transformiert.

Das symbolische Bild der gequälten Muse, der leidenden Muse, zieht sich durch das gesamte Werk Nekrasovs.

Aber schon früh wurde ich mit Anleihen belastet

Eine andere, unfreundliche und ungeliebte Muse,

Der traurige Begleiter der traurigen Armen,

Geboren für Arbeit, Leiden und Fesseln ...

(„Muse“, 1851)

Nein! erhielt ihre Dornenkrone,

Ohne mit der Wimper zu zucken, die entehrte Muse

Und unter der Peitsche starb sie lautlos.

(„Ich bin unbekannt. Ich habe dich nicht verstanden...“, 1855)

Und schließlich in „Last Songs“:

Kein Russe – er wird ohne Liebe aussehen

Zu diesem Blassen, voller Blut,

Die Muse schlug mit der Peitsche ...

(„Oh Muse! Ich bin an der Sargtür!“)

Die Ursprünge dieses Bildes liegen in eben jenem „Zeitungsgedicht“ von 1850, wo es zum ersten Mal erscheint, als wäre es in der Gegenwart des Lesers. Ohne diesen Rückgriff auf die „Prosa“ der dokumentierten Sennaja-Episode könnte das Bild der Muse vielleicht als zu rhetorisch und konventionell wahrgenommen werden. Nekrasovs Werk ist nicht nur eine „gequälte“, „erschöpfte“, „trauernde“ Muse, nicht einmal eine Muse unter Folter, sondern eine „mit der Peitsche geschnittene“ Muse (eine äußerst spezifische und russische Version der Folter).

Ein solches Bild konnte mit sehr geringen Mitteln nur in einem äußerst intensiven „Feld“ der Subjektivität des Autors geschaffen werden.

Gedichte könnten zwar „auf Bestellung“ und auf Fetzen von Zeitschriften geschrieben werden, aber sie gehorchten dennoch ihrer eigenen besonderen, poetischen Logik. So wie Nekrasov auf der Grundlage der lebenseigenen Polyphonie der Stimmen neue Prinzipien des poetischen „Stimmenmanagements“ entwickelte, so eröffneten sich in der beispiellosen thematischen Bandbreite seiner Welt neue Möglichkeiten der künstlerischen Gestaltung.

Wenn die Definition von Nekrasov von B. Eikhenbaum – „Dichter-Journalist“ – einst dazu beigetragen hat, den Schlüssel zum Verständnis seiner kreativen Originalität zu finden, dann bedarf die Idee, dass Nekrasov in den Intervallen zwischen den Leseproben Gedichte schreibt, heute einer erheblichen Klärung . Für Nekrasov selbst ist Poesie die organischste und fruchtbarste Art kreativen Handelns. Dies ist auch der intimste Bereich seines literarischen Schaffens. I. Nekrasovs Poesie, die den bedeutenden Einfluss von Prosa und Journalismus erfahren hatte und gewissermaßen als „Anti-Poesie“ fungierte, eröffnete neue poetische Ressourcen. Es hat nicht aufgehört, eine Ausstellung von Idealen und menschlichen Werten zu sein. Wenn man über einige Gedichte Nekrasovs spricht – „Bericht“, „Feuilleton“ oder, wie es bei den Zeitgenossen des Dichters üblich war, „Artikel“, muss man den bekannten metaphorischen Charakter dieser Definitionen berücksichtigen. Zwischen der Berichterstattung im eigentlichen Sinne und der poetischen Berichterstattung Nekrasovs liegt jene qualitative Grenze, die sich als so schwer zu definieren erweist. Und doch ist es unverkennbar spürbar.

Tatsächlich erhält das poetische Wort eine besondere Authentizität; Vor uns liegt die Aussage eines Augenzeugen und manchmal eines Teilnehmers der Veranstaltung. Viele von Nekrasovs Gedichten sind als Geschichte über das Gesehene oder Gehörte aufgebaut, eher als „Bericht“ vom Schauplatz eines Vorfalls, als Übertragung eines Live-Dialogs. Dabei erhebt der Autor keinen Anspruch auf die Exklusivität seiner Position oder seines Standpunktes. Kein Dichter – ein Auserwählter, der über der Realität steht, sondern ein gewöhnlicher Beobachter, genau wie die anderen, der den Druck des Lebens erlebt.

Es entsteht eine fesselnde Illusion eines echten, unorganisierten Ablaufs der Ereignisse, eine Atmosphäre des Vertrauens in das Gewöhnliche und Zufällige, in den unabhängigen, ungeordneten Verlauf des Lebens, „wie es ist“. Damit das Leben jedoch seinen inneren Sinn frei und natürlich offenbaren kann, ist vom Autor erhebliche Energie erforderlich. Ein Reporter ist ständig in Bewegung, er ist nicht nur zum Beobachten und Zuhören, zum Aufnehmen von Eindrücken, sondern auch zum Mitmachen bereit.

Andererseits beruhte die Möglichkeit einer solchen Annäherung an die Realität auf einige ihrer charakteristischen Eigenschaften, die eine besondere Ausdruckskraft und Eindringlichkeit erlangten. Das außerordentliche Interesse an dem Beobachteten und Gehörten entstand dadurch, dass verschiedene Erscheinungsformen des Lebens zunehmend öffentlich und sichtbar wurden. Massives, dramatisches Geschehen wurde auf Straßen und Plätze, auf „öffentliche Plätze“ und Krankenhäuser, in Theater und Vereinssäle verlagert. Deshalb spielen „Straßenimpressionen“ in Nekrasovs Poesie eine so große Rolle; Manchmal muss der Autor nur aus dem Fenster schauen, damit sich das Leben um ihn herum in den charakteristischsten Szenen und Episoden (z. B. „Reflexionen am Haupteingang“, „Morgen“ usw.) seiner gierigen und scharfen Aufmerksamkeit öffnet .).

Und es geht nicht nur darum, die Szene zu verändern. Die Hauptsache ist, dass sich das menschliche Leben in Kommunikation und Interaktion offenbart, oft auf ganz alltägliche Weise. Und Nekrasovs „Reporter“ nimmt als gleichberechtigter „Akteur“ an dieser Kommunikation teil.

Nekrasovs Werk zeichnet sich durch komplexe poetische Strukturen aus, die gleichsam an der Grenze zwischen epischer und lyrischer Poesie erscheinen. Das Zusammenspiel dieser beiden Elemente, ihre Untrennbarkeit, bestimmen die künstlerische Originalität. Dies sind die „Nekrasov“-Gedichte: „Über das Wetter“ (Teil eins – 1859, Teil zwei – 4865), „Zeitung“ (1865), „Ballett“ (1867). Indem sie aus einer „Reportage“ und einem „Feuilleton“ kommen und über etwas sprechen, das vor Nekrasov in der Lyrik noch nicht thematisiert wurde, erreichen sie ein hohes Maß an poetischer Spannung.

Äußerlich bewegt sich Nekrasov im Einklang mit dem St. Petersburger „Feuilleton“ – beiläufigem Geplapper über „Wetter“ und „Stadtnachrichten“ – und schafft ein ganzheitliches Bild der Welt.

Ein hässlicher Tag beginnt -

Schlammig, windig, dunkel und schmutzig.

Oh, wenn wir nur mit einem Lächeln auf die Welt blicken könnten!

Wir betrachten ihn durch ein dunkles Netzwerk,

Was wie fließt, reißt die Fenster der Häuser ein

Von feuchtem Nebel, von Regen und Schnee!

Ganz echter Regen, Schnee, Nebel werden hartnäckig mit „Blues“, Verzweiflung und direkt mit „Tränen“ in Verbindung gebracht:

Wut übernimmt, Milz zerquetscht,

Es schreit einem einfach die Tränen aus den Augen.

Und jetzt strömen nicht nur Tränen aus den Augen, -

Schluchzen ist zu hören. Sie begleiten den Rekruten.

Und die Frauen werden ihre Tränen teilen!

Ein Eimer Tränen pro Schwester wird gehen,

Die junge Frau bekommt einen halben Eimer...

„Ein Eimer“, „ein halber Eimer“ voller Tränen... Und schließlich von verhaltener Ironie bis zur Intonation unausweichlicher Verzweiflung:

Und die alte Frau wird ihre Mutter ohne Maß nehmen -

Und er wird ohne Maß nehmen – was übrig bleibt!

Untröstliches Schluchzen – im Rhythmus selbst, im Klang der Zeilen.

Am Anfang des Zyklus „Über das Wetter“ stehen Worte, die an Puschkins „St. Petersburger Gedicht“ mit seinem bedrohlichen Bild einer Überschwemmung erinnern:

Und das große Problem ging vorüber – das Wasser ging allmählich zurück.

Auch der Bronzene Reiter ist hier präsent – ​​für Nekrasov handelt es sich einfach um eine „Kupferstatue von Petrus“, unweit davon sah der Reporter die dramatische Szene des Abschieds der Soldaten. Aber Peter ist hier kein gewaltiger Herrscher, sondern nur ein gleichgültiges, lebloses Zeichen von St. Petersburg, einer Stadt, die sich so sehr von der von Puschkin unterscheidet und von ganz anderen, viel alltäglicheren Sorgen und Nöten geplagt wird. Aber auch hier erweist sich das Motiv „Wasser“ – „Ärger“, wie wir sehen, als bedeutsam und stabil. Es scheint die verschiedenen Episoden, die der Reporter miterlebt, in einer Stimmung zu vereinen.

An den Soldaten ist kaum etwas trocken,

Regenströme fließen von unseren Gesichtern,

Artillerie ist schwer und langweilig

Bewegt seine Waffen.

Alles ist still. In diesem nebligen Rahmen

Die Gesichter der Krieger sind erbärmlich anzusehen.

Und der gedämpfte Klang der Trommel

Es ist, als würde es aus der Ferne flüssig rasseln...

Wasser verschärft den hoffnungslos düsteren Eindruck der Beerdigung eines armen Beamten, auf den der Erzähler „zufällig“ gestoßen ist, aufs Äußerste:

Endlich kommt das frische Loch,

Und da ist knietiefes Wasser drin!

Wir haben den Sarg in dieses Wasser gesenkt,

Sie bedeckten ihn mit flüssigem Schlamm,

Und das Ende!..

Damit hängt auch das „lustige Wortspiel“ zusammen, das auf dem Friedhof zu hören war:

„Ja, Herr, wie er beleidigen will,

Es wird so sehr beleidigen: Gestern habe ich verbrannt,

Und heute, bitte, sehen Sie

Ich bin direkt vom Feuer ins Wasser gegangen!“

So wird das übliche „Raus aus der Pfanne, rein ins Feuer“ umformuliert. Aber Nekrasovs Feuer und Wasser sind nicht symbolisch, sondern natürlich, echt.

Gleichzeitig ist Nekrasovs „Wetter“ der Zustand der Welt; Er spricht von allem, was die Grundgrundlagen des Wohlbefindens eines Menschen beeinträchtigt – Feuchtigkeit, Nebel, Frost, Krankheit –, ihn „bis auf die Knochen“ packt und ihn manchmal sogar mit dem Tod bedroht.

St. Petersburg sei eine Stadt, in der „jeder krank ist“.

Der Wind ist etwas erstickend,

Darin liegt eine bedrohliche Note,

Alle Cholera - Cholera - Cholera -

Typhus verspricht jede Menge Hilfe!

Der Tod ist hier ein Massenphänomen, Beerdigungen sind ein alltäglicher Anblick, das Erste, was einem Reporter begegnet, wenn er auf die Straße geht.

Alle Arten von Typhus, Fieber,

Entzündungen gehen immer weiter,

Taxifahrer und Wäscherinnen sterben wie die Fliegen,

Die Kinder frieren auf ihren Betten.

Das Wetter hier verkörpert fast das Schicksal selbst. Das Klima in St. Petersburg tötete Bosio, den berühmten italienischen Sänger.

Ihr Epitaph fügt sich natürlich und organisch in Nekrasovs Zyklus „Über das Wetter“ ein:

Tochter Italiens! Mit russischem Frost

Für Mittagsrosen ist es schwierig, miteinander auszukommen.

Vor seiner tödlichen Kraft

Du hast deine perfekte Stirn gesenkt,

Und du liegst in der Heimat eines Fremden

Der Friedhof ist leer und traurig.

Die außerirdischen Menschen haben dich vergessen

Am selben Tag wurdest du der Erde übergeben,

Und lange sang da noch einer,

Wo sie dich mit Blumen überschüttet haben.

Dort ist es hell, dort summt der Kontrabass,

Die Pauken sind dort immer noch laut.

Ja! in unserem traurigen Norden

Geld ist schwierig und Lorbeeren sind teuer!

Ein vergessenes Grab auf einem verlassenen Friedhof... Dies ist auch das Grab eines brillanten Sängers mit Melodie ausländischer Name, verloren in den kalten Weiten eines fremden Landes. Und das Grab des armen, einsamen Beamten ist ein Loch voller Wasser und flüssigem Schlamm. Lass uns erinnern:

Weder Verwandte noch Priester gingen vor den Sarg,

Da war kein Goldbrokat drauf...

Und schließlich das Grab, „in dem große Mächte schliefen“, ein Grab, das der Erzähler nie finden konnte – das wird besonders hervorgehoben, obwohl es nicht auf einem fremden Friedhof, nicht in einem fremden Land liegt:

Und wo es weder eine Platte noch ein Kreuz gibt,

Da muss ein Schriftsteller sein.

Alle diese drei Momente scheinen sich miteinander zu „reimen“ und bilden das Querschnittsthema von Nekrasovs „Petersburg-Gedicht“. Es entsteht ein Nekrasov-artiges komplexes Bild von St. Petersburg, das wiederum zum Symbol des russischen Nordens wird.

Petersburg wird hier nicht als harmonisches, vollständiges Ganzes, als souveräne Hauptstadt dargestellt, wie es bei Puschkin der Fall war, sondern im Sinne einer anderen Poetik. „Physiologische“ Beschreibungen erlauben es uns, St. Petersburg als hässlich zu betrachten. Tatsächlich:

Die Straßen, Geschäfte, Brücken sind schmutzig,

Jedes Haus leidet an Skrofulose;

Der Putz fällt und trifft

Menschen, die den Bürgersteig entlanggehen...

Darüber hinaus ist seit Mai

Nicht sehr sauber und immer

Nicht von der Natur zurückgelassen werden wollen,

Wasser blüht in den Kanälen...

Aber das haben wir noch nicht vergessen,

Dass man im Juli völlig durchnässt ist

Eine Mischung aus Wodka, Ställen und Staub -

Eine typisch russische Mischung.

Sogar der traditionelle Beiname „schlank“ findet Nekrasov im unerwartetsten Kontext: „spießig, schlank, düster, faul.“

Es ist interessant, dass in „Verbrechen und Strafe“ – vielleicht Dostojewskis „St. Petersburger“ Roman aus derselben Zeit – die folgenden Zeilen über Raskolnikows „Straßeneindrücke“ stehen: „Die Hitze auf der Straße war schrecklich, und auch stickig, überfüllt, überall gibt es Kalk, Wälder, Ziegel, Staub und diesen besonderen Sommergestank, der jedem St. Petersburger so vertraut ist, der nicht die Möglichkeit hat, eine Datscha zu mieten …“ Es war in dieser stinkenden Muffigkeit von St . Petersburg, dass Raskolnikow seine monströse Idee ausbrütete. „Physiologische“ Details hängen zu sehr mit eher abstrakten Dingen zusammen, mit der allgemeinen Atmosphäre der Stadt, ihrem spirituellen Leben.

Das Gleiche gilt für Nekrasovs St. Petersburg.

Mit jeder neuen Episode klingen die Worte des Dichters immer sarkastischer:

Wir drängen nicht.

In der Nähe der russischen Hauptstadt

Außer düster

Newa und Kerker,

Es gibt einige helle Gemälde.

Nekrasovs „Straßenszenen“ sind fast immer „grausame Szenen“.

Überall finden Sie eine grausame Szene, -

Der Polizist ist zu wütend,

Mit einem Hackbeil, wie in eine Granitwand,

Es gibt einen Schlag auf den Rücken der armen Vanka.“

Chu! schrilles Stöhnen eines Hundes!

Jetzt ist es stärker, es ist klar, dass sie wieder geknackt haben ...

Sie begannen sich aufzuwärmen – sie bereiteten sich auf einen Kampf vor

Zwei Kalaschnikows... Gelächter – und Blut!

Diese Gedichte führen die Motive früherer Werke fort (erinnern wir uns zum Beispiel an den Zyklus „Auf der Straße“ mit seinen Schlussworten: „Überall sehe ich Drama“) und nehmen die Themen und Stimmungen des nachfolgenden Werks vorweg. In diesem Zusammenhang ist mindestens eines von Nekrasovs späteren Gedichten, „Morgen“ (1874), mit seiner Konzentration an „grausamen Szenen“ und seiner „entfremdeten“ Intonation erwähnenswert:

Der Hausmeister schlägt den Dieb – wurde erwischt!

Sie treiben eine Herde Gänse zum Schlachten;

Irgendwo im obersten Stockwerk war ein Geräusch zu hören

Schuss - jemand hat Selbstmord begangen...

Im Zyklus „Über das Wetter“ wird die Szene, in der ein Pferd geschlagen wird, symbolisch, als ob sie später von Dostojewski in Raskolnikows berühmtem Traum „zitiert“ würde.

Zufällig gesehene Bilder sind nicht so zufällig – sie wirken in eine Richtung und erzeugen ein einziges Bild. Auch Nekrasovs alltägliche Fakten sind keineswegs alltäglich – dafür sind sie zu dramatisch. Er konzentriert die Dramatik der umliegenden Ereignisse in höchstem Maße. „Schrecklich“, „grausam“, „quälend“ werden so gesteigert, dass es bereits das menschliche Wahrnehmungsmaß überschreitet. Die Bilder von St. Petersburg können das Auge nicht streicheln, seine Gerüche sind irritierend, seine Geräusche sind voller Dissonanzen...

In unserer Straße, Arbeitsleben:

Sie beginnen vor der Morgendämmerung,

Dein schreckliches Konzert, Chor,

Drechsler, Schnitzer, Mechaniker,

Und als Antwort donnert das Pflaster!

Der wilde Schrei eines Verkäufers,

Und eine Drehorgel mit durchdringendem Heulen,

Und der Schaffner mit der Pfeife und die Truppen,

Gehen mit Trommeln,

Das Drängen erschöpfter Nörgler,

Kaum lebendig, blutig, schmutzig,

Und die Kinder werden vom Weinen zerrissen

In den Armen hässlicher alter Frauen ...

Aber all diese „reißenden“, prosaischen „Geräusche“ der St. Petersburger Straße, die einen Menschen taub machen, ihn schockieren – sie sind wirklich „furchtbar für die Nerven“ – steigern sich bei Nekrasov zu einer unheilvollen, fast apokalyptischen Symphonie.

Alles verschmilzt, stöhnt, summt,

Es grollt irgendwie dumpf und bedrohlich,

Als würden den Unglücklichen Ketten angelegt,

Als ob die Stadt zusammenbrechen wollte.

Und gleichzeitig hat die „Musik“ dieser „fatalen“ Stadt etwas schmerzlich Anziehendes:

Dort ist es hell, der Kontrabass brummt, die Pauken sind dort noch laut...

Dies ist Nekrasovs komplexe Wahrnehmung der Stadt, hart und kalt, wo der Erfolg schwierig und der Kampf grausam ist („Geld und die Wege der Lorbeeren sind schwierig“), wo Disharmonie und Dunkelheit herrschen, nur manchmal schärfer überschattet von äußerer Pracht . Wie N. Ya. Bekovsky zu Recht schreibt, ist „Petersburg“ das Thema, der Stil und der Geschmack der besonderen Phantastik, die russische Schriftsteller jeder brillanten und langweiligen Prosa verleihen modernes Leben, sein Mechanismus und seine tägliche Arbeit, die das menschliche Schicksal zermahlen.“

Die Hauptstadt erscheint in Nekrasov als integraler Organismus, der harmonischer Harmonie fremd ist, aber ein eigenes Leben führt, gesättigt mit Energie und inneren Widersprüchen. Es besteht sozusagen aus vielen verschiedenen gegensätzlichen Welten (zum Beispiel der Welt von Nekrasovs Sovremennik und der Welt der Dandys von Newski oder der Welt einer einsamen alten Frau, die den Sarg eines Beamten abträgt), die in aktiver Wechselwirkung stehen . Sie können sich plötzlich hier treffen, auf den Straßen von St. Petersburg, wo alles und jeder durcheinander ist. Schließlich nehme jeder auf die eine oder andere Weise am Leben der Hauptstadt teil, „jeder ist in Scharen dabei“. Kein Wunder, dass dieses Wort hin und wieder wiederholt wird:

Alle sind krank, die Apotheke triumphiert -

Und er braut seine Tränke in Scharen ...

Und der Tote wurde in die Kirche getragen.

Viele von ihnen hielten dort in Scharen eine Trauerfeier ab...;

Die Nachricht, was irgendwo und mit jemandem passiert ist, wird sofort jedem bekannt:

Wir werden alles lesen, wenn die Zeitung es aushält,

Morgen früh in den Zeitungsblättern...

Dies verleiht Nekrasovs Gedichten über St. Petersburg eine besondere Würze. Im Dichter selbst lebt dieser hohe Grad Vitalität und die lebenswichtige Sensibilität, die die Hauptstadt auszeichnet, macht ihre Poesie aus. Der intensive Rhythmus dieses Lebens erregt, vertreibt den Blues, trotz der Fülle an grausamen, hässlichen, düsteren Dingen. Dies ist der Rhythmus der Arbeit und der Rhythmus wachsender Stärke und erwachender Möglichkeiten. Hier in St. Petersburg werden nicht nur „Ketten für die unglücklichen Menschen geschmiedet“, sondern irgendwo in den unsichtbaren Tiefen findet eine schwierige, unaufhaltsame spirituelle Arbeit statt. Und die hier erbrachten Opfer sind nicht umsonst.

In der Tat: St. Petersburg „hat die ihm überlegenen Kräfte gestärkt, die russische Demokratie und die russische Revolution gefördert.“

Komplex und indirekt, in der „Kopplung“ von künstlerischen Motiven und Bildern, verwirklicht Nekrasov die Verallgemeinerung, die er bereits früher, im Gedicht „Der Unglückliche“ (1856), mit journalistischer Direktheit über die Rolle von St. Petersburg zum Ausdruck brachte:

Innerhalb deiner Mauern

Und es gibt und gab es früher

Freunde des Volkes und der Freiheit,

Und zwischen den Gräbern der Stummen

Es wird laute Gräber geben.

Du bist uns lieb, das warst du schon immer

Die Arena der aktiven Kraft,

Neugieriges Denken und Arbeiten!

Allerdings würde eine Aufgabe dieser Größenordnung natürlich die Macht des effizientesten St. Petersburger „Reporters“ übersteigen. Entweder nähert sich der Autor diesem von ihm selbst generierten Helden, oder er schiebt diese Figur beiseite und tritt selbst in den Vordergrund. Ihn, „Nikolai Alekseich“, sehen wir als erstes, als der „Reporter“ den Boten Minai nach Zeitschriften und Schriftstellern befragt. Wir hören auch die Stimme von Nekrasov selbst im „Feuilleton“ „Gazetnaya“ (1865), als inmitten einer entspannten, ironischen Geschichte plötzlich echtes Pathos durchbricht:

Schließe Frieden mit meiner Muse!

Ich kenne keine andere Melodie.

Wer lebt ohne Anfang und Zorn,

Er liebt seine Heimat nicht...

Die Entwicklung des „Bildes des Erzählers“ findet auch im „Ballett“ (1866) statt. Der Reporter beschloss, einer Benefizvorstellung im Ballett beizuwohnen – es schien, als sei es ein „Bild der Moral der Hauptstadt“, das ist alles. Aber hier ist das Corps de Ballet und Petipa in der Kleidung eines russischen Bauern, wie K. I. Chukovsky schreibt, „als ob sie zusammen mit dem Orchester und der Bühne durch den Boden fallen würden – und vor demselben „Blumengarten der“. Mezzanine“, vor den gleichen goldenen Epauletten und Sternen des Parketts, düster, wie eine Beerdigung, dörfliche Rekrutierung:

Schnee – Kälte – Dunst und Nebel …“

Das gleiche Rekrutierungsset wird von Nekrasov sowohl im Zyklus „Auf der Straße“ als auch im Zyklus „Über das Wetter“ stets dargestellt. Im „Ballett“ ist dies ein ganzes Bild, das sich in den weiten russischen Weiten entfaltet und alle bisherigen Eindrücke unaufhaltsam verdrängt, so wie die Realität einen Traum verdrängt – obwohl das Bild hier durch die Fantasie des Autors entstanden ist:

Doch vergebens schnappt der Mann.

Der Nörgler geht kaum – er wehrt sich;

Die Nachbarschaft ist voller Knarren und Quietschen.

Wie ein trauriger Zug ins Herz

Durch das weiße Leichentuch

Es zerschneidet die Erde und es stöhnt,

Das weiße, schneebedeckte Meer stöhnt ...

Es ist schwer, du bist der Kummer eines Bauern!

Die gesamte Struktur der Sprache verändert sich entscheidend. B. Eikhenbaum machte einst darauf aufmerksam, wie Nekrasov hier „den drei Fuß großen Anapaest von der Feuilletonform in die Form eines zähen, hysterischen Liedes verwandelt:

Wisse, Leute mit gutem Geschmack,

Dass ich selbst Ballett liebe.

Oh, du Gepäck, unauffälliges Gepäck!

Wo müssen wir Sie abladen? …“

Das Verschwinden der Feuilleton-Intonation markiert das Verschwinden des „Feuilletonisten“ selbst, an dessen Stelle der Dichter offen sprach.

Jetzt sind wir uns völlig bewusst, dass das Erscheinungsbild des endgültigen Bildes durch die Details und Assoziationen vorbereitet wird, die von Anfang an durchbrechen und das gesamte Werk durchdringen, durch die Einheit der Weltanschauung trotz der scharfen Übergänge des Stils: dieses und das Bissige und traurige Bemerkung über die General- und Senatorensterne – „man merkt sofort, dass sie nicht vom Himmel gerissen wurden – //Die Sterne des Himmels leuchten für uns nicht“; Dies ist auch eine bedeutende Anerkennung im Zusammenhang mit der begeisterten Aufnahme des Bauerntanzes von Petipa durch das Publikum – „Nein! wo es um die Menschen geht, // Da bin ich der Erste, der sich mitreißen lässt. Schade: In unserer kargen Natur gibt es nicht genug Blumen für Kränze!“ Dieses Motiv spiegelt sich erneut im Bild des „knappen Nordens“ wider, dem Land, das in das „weiße Leichentuch des Todes“ gehüllt ist:

Sehen Sie, wie manchmal unter einem Busch

Dieser kleine Vogel wird flattern

Was von uns nicht wegfliegt -

Liebt unseren kargen Norden, das arme Ding!

Die „Geheimnisse“ von St. Petersburg finden somit ihren wahren Platz – dies ist überhaupt nicht die ganze Welt, sondern nur ein Teil davon, überhaupt nicht der bedeutendste, obwohl er von Nekrasov in wahrer Komplexität und Farbe nachgebildet wurde. Was auch immer Nekrasov schreibt, das Erste sind für ihn Bilder des Volkslebens, der Gedanke an das Schicksal der Menschen – dies wird explizit oder versteckt gegeben, wird aber immer erraten.

So wie die Blutsverwandtschaft mit der Weltanschauung des Volkes, die von Nekrasov stets lebendig empfunden, von ihm bewahrt und gestärkt wurde, nicht zuließ, dass Widersprüche und Zweifel die innere Einheit und Stärke seines Wesens zerstören, so auch das Leben des Volkes als Ganzes mit seinen Der dramatische Inhalt, seine spirituellen Ursprünge und Bestrebungen bestimmten die Grundlage der Einheit seiner poetischen Welt.

Dies ist das Zentrum, von dem alle Impulse ausgehen und in dem alle Fäden zusammenlaufen.

Die russische Lyrik zeichnete sich, wie N. Ya und Berkovsky zu Recht bemerkten, durch die besondere Art der Erforschung der umgebenden Welt und vor allem der nationalen Natur und des nationalen Lebens aus. Dabei handelt es sich nicht einmal um eine Suche nach Entsprechungen, sondern vielmehr darum, dass Dichter hier erstmals ihre Gefühle fanden und erkannten. Daher die weiteste Einbeziehung von Bildern der Außenwelt als Erfahrungsbilder in die Lyrik.

„Der Turm auf dem Ackerland, die „Keule der Krähenfamilie“, der faule Dezember von St. Petersburg mit seiner verschwommenen Straße, die tränenüberströmte, feuchte riesige Tür in der Holzkirche – all das sind Bilder von Nekrasovs lyrischen Zuständen .“

Nekrasovs lyrisches Gefühl erkennt sich vor allem dort, wo der Schmerz, die Melancholie, die Unterdrückung und das Leid der Menschen zu hören sind. Nekrasovs Handlungsstränge sind in der Regel unglückliche Geschichten, ihre Helden sind „Kutscher, alte Dorffrauen ... Leute vom St. Petersburger Bürgersteig, Schriftsteller auf Krankenhäusern, verlassene Frauen …“. Natürlich war Dostojewski weitgehend einseitig, als er argumentierte, dass „Nekrassows Liebe zum Volk nur das Ergebnis seiner eigenen Trauer war ...“. Er sprach jedoch zu Recht nicht nur von Sympathie, sondern von Nekrasovs „leidenschaftlicher bis quälender Liebe“ für alles, was unter Gewalt leidet, unter der Grausamkeit des ungezügelten Willens, der unsere russische Frau, unser Kind in einer russischen Familie, unseren Bürger unterdrückt in einem bitteren ... ... seinen Anteil. Tatsächlich wird dies in der berühmten Beschreibung von Nekrasov zum Ausdruck gebracht – „der Traurige über die Trauer des Volkes“. Hier sind beide Seiten gleichermaßen wichtig und untrennbar miteinander verbunden: Die Welt der Leidenschaften, Interessen und Sehnsüchte der Menschen spiegelt sich in Nekrasov als eine Welt wider, die nach ihren eigenen komplexen Gesetzen lebt, eine unabhängige und souveräne Welt, die die Persönlichkeit des Dichters formt und verändert, aber diese Welt bleibt nicht dem Dichter selbst überlassen – in der Weltanschauung ist der Dichter eng mit ihm verbunden.

Bereits im ersten lyrischen Gedicht mit einer „bäuerlichen“ Handlung im Kern – „On the Road“ – erreicht Nekrasov eine sehr komplexe Einheit. Er betrachtet das Leben der Menschen nicht nur durch ein „analytisches Prisma“, wie Apollo Grigoriev glaubte, sondern auch durch das Prisma seines eigenen Geisteszustands: „Langweilig! langweilig!..“ Das Leiden hier kommt nicht nur „aus der Trauer des Mannes, der von der „schurkischen Frau“ niedergeschlagen wurde, und aus der Trauer der unglücklichen Gruscha und aus der allgemeinen Trauer des Lebens des Volkes“, wie N. N. Skatov sagt in dem Buch zu Recht. Es existiert, lebt im Dichter wie von Anfang an – mit der Kutschergeschichte wird es nur bestätigt, untermauert und verstärkt. Ein bestimmter Teufelskreis: „die Melancholie vertreiben“ kann, so scheint es, nur noch einmal an dieselbe Melancholie adressiert werden – etwa im Lied „über Rekrutierung und Trennung“. Vom Gesprächspartner „provoziert“, verblüfft ihn jedoch der Kutscher: Er „tröstet“ ihn mit einer Geschichte über seine eigene Trauer, die er selbst, wie sich herausstellt, nicht ganz nachvollziehen kann:

Und hör zu, ich habe dich fast nie geschlagen,

Es sei denn, Sie stehen unter dem Einfluss eines Betrunkenen...

Hier erreicht die Angst des Zuhörers ihren Höhepunkt – er unterbricht die Geschichte. Das ist sehr typisch für Nekrasov: Man erwartet, dass die Melancholie, der Schmerz irgendwie gestillt wird, dass er irgendwie gelöst wird, aber es stellt sich heraus, dass das Gegenteil der Fall ist, es gibt kein Ergebnis, und vielleicht gibt es eines. Die Grausamkeit wird in der berühmten Szene des Kutschers mit dem Pferd hoffnungslos gesteigert:

Und er hat sie geschlagen, geschlagen, geschlagen!

Er noch einmal: auf der Rückseite, an den Seiten,

Und vorwärts laufen, über die Schulterblätter

Und bei den weinenden, sanftmütigen Augen!

Aber die letzte Szene war

Unverschämter als der erste:

Das Pferd verspannte sich plötzlich und ging

Irgendwie seitwärts, nervös bald,

Und der Fahrer bei jedem Sprung,

Als Dank für diese Bemühungen

Er verlieh ihr mit Schlägen Flügel

Und er selbst lief leichtfüßig neben ihm her.

("Über das Wetter")

Das Gedicht „Morgen“ (1874) zeichnet ein düsteres Bild des Dorfes, in dem es „schwer ist, nicht zu leiden“. Die Teile sind zu einer Kette verwoben und verstärken sich gegenseitig:

Unendlich traurig und erbärmlich

Diese Weiden, Felder, Wiesen,

Diese nassen, schläfrigen Dohlen...

Dieser Nörgler mit einem betrunkenen Bauern...

Das ist ein bewölkter Himmel -

Es wäre natürlich, hier eine Art Widerstand zu erwarten, aber genau wie im Fall der Beschwerde des Kutschers kann es den Wahrnehmenden noch betäubender und deprimierender machen:

Aber die reiche Stadt ist nicht schöner ...

Und dann entfaltet sich eine Art „Totentanz“, wie N. N. Skatov schreibt. Dies ist offenbar der Grund für die scheinbare Gleichgültigkeit im Ton des Autors, auf die der Forscher aufmerksam gemacht hat. Aber das ist natürlich keine Gleichgültigkeit, sondern im Gegenteil ein äußerster Schock. Nirgendwo in der gesamten umgebenden Welt scheint sich etwas zu finden, das dem, was er sah, widerstehen, es übertreffen und widerlegen könnte. Und eine solche Betonung hat eine viel stärkere Wirkung als direkte Ausrufe von Sympathie und Mitgefühl.

Die lyrische Tätigkeit des Autors sucht nach neuen, immer komplexeren Ausdrucksformen. Die Veranstaltung erweist sich als Schnittpunkt emotionaler und ethischer Bewertungen. Wenn wir also zum Gedicht „Unterwegs“ zurückkehren, ist es nicht schwer zu erkennen, dass die hervorgehobenen Merkmale der Rede des Fahrer-Erzählers „auf der Harfe“, „tois“, „abgestürzt“, „gerieben“ sind. usw. - schaffen nicht nur ein soziales Merkmal, sondern sollen (vor dem Hintergrund einer korrekten allgemeinen literarischen Sprache) die dramatische Bedeutung der Geschichte hervorheben und dadurch ihre Wahrnehmung verbessern. Der Standpunkt des Erzähler-Helden und der Standpunkt des Zuhörer-Autors kreuzen sich und interagieren, auch wenn sie nicht übereinstimmen.

Die Energie eines interessierten Beobachters, Zuhörers und Gesprächspartners offenbart die verborgenen Tiefen des Lebens und Charakters der Menschen. Er blickt hin, hört zu, hinterfragt, analysiert – ohne seine Bemühungen hätte unsere Begegnung mit dieser Welt in ihrer ganzen Authentizität nicht stattgefunden. Gleichzeitig scheint er Angst davor zu haben, es mit sich selbst zu verdecken, sich zurückzuziehen, zu verschwinden und uns mit dem Phänomen allein zu lassen. Manchmal ist er sogar bestrebt, mit seinen Interessen, Aktivitäten, Stimmungen und Lebensweisen seine besondere Stellung als außenstehender Beobachter hervorzuheben:

Seit dem Morgen ist es trüb und regnerisch

Heute war ein unglücklicher Tag:

Umsonst wurde ich im Sumpf bis auf die Knochen nass,

Ich habe beschlossen zu arbeiten, aber Arbeit funktioniert nicht,

Und siehe da, es ist schon Abend – die Krähen fliegen...

Zwei alte Frauen trafen sich am Brunnen,

Lass mich hören, was sie sagen ...

Hallo Schatz. -

„Wie kann das sein, Klatsch?

Noch weinend?

Geht und kennt aus tiefstem Herzen einen bitteren Gedanken,

Wie ein Großstadtbesitzer?“ --

Wie kann man nicht weinen? Ich bin verloren, Sünder!

Liebling schmerzt und tut weh...

Er ist gestorben, Kasjanowna, er ist gestorben, meine Liebe,

Er starb und wurde in der Erde begraben!

Der Wind erschüttert die elende Hütte,

Die ganze Scheune fiel auseinander...

Wie ein Verrückter ging ich die Straße entlang:

Wird mein Sohn erwischt?

Ich würde ein Beil nehmen - das Problem ist lösbar, -

Mutter würde sie trösten...

Gestorben, Kasjanowna, gestorben, Liebling -

Ist es nötig? Ich verkaufe die Axt.

Wer kümmert sich um eine entwurzelte alte Frau?

Alles ist völlig verarmt!

Im regnerischen Herbst, im kalten Winter

Wer versorgt mich mit Brennholz?

Wer, wie Sie einen warmen Pelzmantel hören.

Bekommt er ein paar neue Hasen?

Er ist gestorben, Kasjanowna, er ist gestorben, meine Liebe -

Die Waffe wird verschwendet!

Aber auch hier beeilt sich der Erzähler, sich vom Geschehen zu distanzieren:

Die alte Frau weint. Was interessiert mich?

Warum es bereuen, wenn nichts hilft?

Dieses Motiv ist bei Nekrasov immer deutlich erkennbar. Im Gedicht „Über das Wetter“ unterbricht er sich genervt, während er die schreckliche Szene eines Kutschers mit einem Pferd beschreibt:

Ich war wütend und dachte traurig:

„Soll ich für sie eintreten?

Heutzutage ist es Mode, mitzufühlen,

Es würde uns nichts ausmachen, Ihnen zu helfen,

Das unerwiderte Opfer des Volkes, -

Wir wissen nicht, wie wir uns selbst helfen können!“

Hier liegt die Bitterkeit der Machtlosigkeit und Hoffnungslosigkeit und eine Herausforderung für diejenigen, die dazu neigen, selbstgefällig zu werden und Verantwortung nur durch „Mitfühlen“ mit den Unglücklichen aufzugeben. Für den Dichter ist das Nachdenken über ihr Leiden auch ein Nachdenken über sein eigenes Leiden („Aber wir wissen nicht, wie wir uns selbst helfen sollen“).

Die „Einseitigkeit“ der Sicht des Autors wird dadurch erzwungen und ihm nicht gegeben. So sehr der Erzähler, der Beobachter auch danach strebt, seine Position zu verteidigen, wird er doch unwiderruflich zerstört von jenen Eindrücken, die aus der umgebenden Realität entstehen und für die seine Seele offen ist.

Mein müder Körper ist schwach,

Zeit fürs Bett.

Meine Nacht ist nicht lang:

Morgen gehe ich früh auf die Jagd,

Ich muss besser schlafen, bevor es hell wird...

Also sind die Krähen bereit wegzufliegen,

Die Party ist vorbei...

Nun, los geht’s!

Also standen sie auf und krächzten sofort. -

Hören Sie, seien Sie gleich! -

Die ganze Herde fliegt:

Es scheint wie zwischen Himmel und Auge

Der Kescher hängt.

Anstelle direkter Ergüsse, mit denen der Erzähler offensichtlich zu kämpfen hat und die er zu unterdrücken und zu vermeiden versucht, erscheint ein Bild, das versehentlich den umgebenden „Empirien“ entrissen wurde – eine Krähe. Als ginge es nur um sie, als wären sie diejenigen, die „den Ärger verursacht haben“. Hier konzentriert sich die emotionale Spannung. So beginnt das Gedicht:

Ist das nicht wirklich ein Krähenclub?

Heute in der Nähe unserer Pfarrei?

Und heute... nun ja, es ist einfach eine Katastrophe!

Blödes Quaken, wildes Stöhnen... -

und dies endet, wie wir gesehen haben, damit. Der Autor wird das nicht mehr los: Etwas Schwarzes, Düsteres trübt die Augen, stört beim Schauen, etwas Hässliches, Disharmonien klingelt in den Ohren...

Aber das Gespräch der alten Frauen am Brunnen selbst ist keineswegs ein Genrebild, keine Skizze aus dem Leben – das lyrische Gefühl des Autors ist hier sehr deutlich verbunden. Es lebt vor allem in der gesteigerten Wahrnehmung von Tod und Verlust, in der Wahrnehmung und dem poetischen Ausdruck davon, die eine hohe Stufe der persönlichen Entwicklung markieren. Der Sohn ist hier sowohl Ernährer als auch Beschützer, aber nicht nur das. Es enthält die einzige Rechtfertigung für das Leben, die einzige Quelle von Licht und Wärme. Materielle, alltägliche Details, die von der armen alten Frau aufgeregt geklärt werden, sind für sie nicht an sich wichtig, sondern als Dinge, die im Leben ihres Sohnes eine Rolle spielen und jetzt müßig, unnötig sind und gnadenlos von seinem unwiderruflichen Abschied zeugen – daher ihre Erwähnung wird mit besonderer Zärtlichkeit gefächert.

Mit dem Tod eines Menschen bricht die ganze Welt zusammen, und den Worten hier kommt eine besondere Bedeutung zu: „Er starb und wurde in der Erde begraben!“ Dies ähnelt überhaupt nicht dem Bild vom Tod eines Menschen, das beispielsweise Tolstoi in der Geschichte „Drei Todesfälle“ vermittelt. Nekrasovs Tod eines Bauern wird später zum Thema eines ganzen Gedichts, und das Gedicht „Im Dorf“ kann als eine der Vorskizzen betrachtet werden.

Hier kommt es auf wörtliche und in Bedeutung und Stil sehr bedeutsame Zufälle an:

Du bist gestorben, du hast nicht gelebt, um zu leben,

Gestorben und in der Erde begraben! -

lesen wir im Gedicht „Frost, rote Nase“ (1863).

Auch ihr Held Proklos sei „der Ernährer, die Hoffnung der Familie“. Doch was sie hier betrauern, ist nicht nur der Verlust eines Ernährers, sondern ein schrecklicher, unwiederbringlicher Verlust – eine Trauer, die nicht überlebt werden kann:

Die alte Frau wird an der Klippe sterben, Dein Vater wird auch nicht leben, Eine Birke im Wald ohne Wipfel - Eine Hausfrau ohne Mann im Haus.

Es ist bezeichnend, dass die Tragödie der Bauernfamilie frei und natürlich mit dem Schicksal des Dichters selbst korreliert. Die Widmung an „Schwester“ für das später verfasste Gedicht „Frost, rotes Dorf“ wird als innerlich notwendig empfunden; es scheint von etwas ganz anderem zu sprechen, ist aber durch die Einheit von Gefühl und Ton mit dem Gedicht selbst verbunden. Gleichzeitig behält es die Eigenständigkeit des lyrischen Appells und wird zu einem kraftvollen lyrischen Refrain:

Für alltägliche Berechnungen und Zauber

Ich würde mich nicht von meiner Muse trennen,

Aber Gott weiß, wenn diese Gabe nicht erloschen ist,

Was passierte damit, dass ich mit ihr befreundet war?

Aber der Dichter ist noch kein Bruder der Menschen,

Und sein Weg ist dornig und zerbrechlich ...

. . . . . . . . . . .

Und die Zeit ist vergangen, ich bin müde ...

Ich war vielleicht kein Kämpfer ohne Vorwürfe,

Aber ich erkannte die Stärke in mir selbst,

Ich habe zutiefst an viele Dinge geglaubt,

Und jetzt ist es Zeit für mich zu sterben ...

Ich singe das letzte Lied

Für Dich – und Dir widme ich es.

Aber mehr Spaß wird es nicht machen

Es wird viel trauriger sein als zuvor,

Weil das Herz dunkler ist

Und die Zukunft wird noch hoffnungsloser sein ...

Das Gefühl der Verzweiflung und Hoffnungslosigkeit – in Verbindung mit den ständigen Nekrasov-Motiven des dornigen Weges des Dichters, seiner eigenen Fehlerhaftigkeit, dem drohenden Tod – scheint genau zu dieser Handlung zu führen, bestimmt seine Wahl. Hier verwoben sind der Schmerz über die eigenen Verluste und sogar der allgemeine ängstliche Zustand der Natur, die in einen Sturm versunken ist.

Und das Fenster zittert und plätschert...

Chu! wie große Hagelkörner springen!

Lieber Freund, dir ist schon vor langer Zeit klar geworden –

Hier weinen nur die Steine ​​nicht...

Der Schneesturm heulte heftig

Und sie warf Schnee ans Fenster ...

Die traurige Hütte einer verwaisten Familie und die ganze Erde, „wie ein Leichentuch, in Schnee gekleidet“ (später wird dasselbe im Gedicht „Ballett“ zu hören sein: Nachdem sie die Rekruten verabschiedet haben, kehren sie wie von einer Beerdigung zurück , „Die Erde liegt in einem weißen Leichentuch des Todes“).

Mit dem Motiv Tod, Beerdigung, Leichentuch taucht das Motiv des Schluchzens wieder auf und steigert sich.

In Widmung:

Ich weiß, wessen Gebete und Tränen

Nähen mit einer flinken Nadel

Auf dem Leichentuch liegt ein Stück Leinen,

Wie Regen, der sich lange auflädt,

Sie schluchzt leise.

Für ihre Tränen wird Nekrasov ein anderes, vielleicht unerwartetes Bild finden:

Eine Träne nach der anderen fällt

In Ihren schnellen Händen.

Da sinkt das Ohr lautlos

Ihre reifen Körner...

Dieses Bild erscheint nicht plötzlich, es erwächst organisch aus der gesamten bäuerlichen Weltanschauung und Weltanschauung, in die sich der Dichter hier vertiefte. Sogar im Gedicht „The Uncompressed Strip“ (1854) betet eine reife Ähre für einen Pflüger:

„...Es ist langweilig, sich zu Boden zu beugen,

Fette Körner baden im Staub!

Nein! Wir sind nicht schlechter als andere – und das schon lange

Das Korn hat sich in uns gefüllt und ist gereift.

Nicht aus diesem Grund pflügte und säte er,

Damit der Herbstwind uns zerstreut?…“

Aber der Pflüger ist nicht mehr dazu bestimmt, auf sein Feld zurückzukehren:

Die Hände, die diese Furchen gemacht haben,

Sie vertrockneten zu Splittern, hingen wie Peitschen,

Was für ein trauriges Lied er sang ...

Die auf den Boden fallenden Körner sind wie die Tränen eines verwaisten „Streifens“ über einem sterbenden Pflüger. In diesem Sinne klingt „Der unkomprimierte Streifen“ auch wie ein Vorbote, eine Vorwegnahme des späteren Gedichts. In „Frost...“ werden wir in einer Ansprache an den verstorbenen Proklos erneut hören:

Von Ihrem reservierten Streifen

Diesen Sommer werden Sie die Ernte einfahren!

Daria hat einen schrecklichen Traum:

Ich sehe, dass ich falle

Stärke ist eine zahllose Armee,-

Er wedelt bedrohlich mit den Armen, seine Augen funkeln bedrohlich:..

Doch die „Busurman-Armee“ entpuppt sich als schwankende, raschelnde Ähren in einem Roggenfeld:

Das sind Roggenähren,

Gefüllt mit reifen Körnern,

Komm raus, um mit mir zu kämpfen!

Ich begann schnell zu ernten,

Ich ernte, und zwar an meinem Hals

Große Körner fallen -

Es ist, als stünde ich unter Hagel!

Es wird auslaufen, es wird über Nacht auslaufen

All unser Mutterroggen...

Wo bist du, Prokl Savastyanich?

Warum wirst du nicht helfen?

Reife Körner fallen, zerbröckeln, fließen, laufen aus, geben keine Ruhe, erfordern extreme Belastungen und erinnern an unwiederbringlichen Verlust:

Ich werde anfangen zu ernten ohne mein Liebstes,

Stricken Sie die Garben fest,

Lass Tränen in Garben fallen!

Was die Grundlagen des bäuerlichen Lebens bestimmt, ist sein Sinn und seine Freude:

Das kleine Vieh begann in den Wald zu gehen,

Mutter Roggen begann ins Ohr zu strömen,

Gott hat uns eine Ernte geschickt! -

Jetzt, mit dem Tod von Proklos, ist es irreparabel und vollständig zerstört. In einer glücklichen Sterbevision stellt sich Daria noch immer die Hochzeit ihres Sohnes vor, auf die sie und Proklos sich „wie auf einen Feiertag“ freuten und in der die Rolle der Ähre wieder strahlend und lebensbejahend erscheint:

Streue Getreidekörner darauf,

Überschütten Sie die Jungen mit Hopfen!..

Aber auch sie ist wie Proklos nicht mehr dazu bestimmt, an diesem maßvollen, weisen, naturnahen Fluss des erneuerten Lebens teilzunehmen. Alles, was für sie eine lebendige Bedeutung hatte, verblasste.

Forscher haben bereits festgestellt, dass sich die lyrische Intensität des Gedichts „Frost, Red Nose“ glücklich mit seinem epischen Anfang verbindet. Dies offenbart ein allgemeineres Muster für Nekrasov. Das lyrische Gefühl des Dichters kommt erst dann wirklich zur Geltung, wenn es mit den epischen Grundlagen der Volkswelt in Berührung kommt. Sein inneres „Ich“ erhält hier erst seine vollständigste und freieste Verkörperung. Die Entfaltung des Gedichts überwindet tatsächlich die Verzweiflung und Einsamkeit des Dichters, obwohl die Handlung nichts im wahrsten Sinne des Wortes Tröstliches enthält. Was hier wertvoll ist, ist die Möglichkeit der inneren Verschmelzung mit der hohen Lebensordnung. „Bis zum Ende von Darias Leben, bis zu ihren letzten Minuten“, schreibt J. Bilinkis, „wird der Dichter nirgendwo und in irgendetwas anderer Meinung sein als seine Heldin, er wird in der Lage sein, ihre sterbenden Visionen und Gefühle zu vermitteln.“

Kein Ton! Die Seele stirbt

Aus Trauer, aus Leidenschaft.

Und du spürst, wie du siegst

Es ist diese Totenstille.

Nekrasov tritt in seinen Gedichten manchmal als größerer Lyriker auf als in den Lyrikgedichten selbst, insbesondere wenn es um das Volksleben geht. Eine strikte Genretrennung ist hier überhaupt nicht hilfreich – das Gesamtbild ergibt sich erst durch den Vergleich und das Nachspüren übergreifender Themen, Motive und figurativer Zusammenhänge.

Nekrasov braucht die Integrität einer Welt, die in sich sehr widersprüchlich ist – und hier durchdringen und verstärken sich Epos und Text.

Nicht umsonst werden einige Passagen aus Nekrasovs Gedichten häufig in der Poesiewissenschaft berücksichtigt. So beschäftigte sich Andrei Bely (gefolgt von vielen Literaturkritikern) beispielsweise mit den folgenden Strophen des Gedichts „Frost, rote Nase“ und spürte in ihnen die Integrität des lyrischen Gefühls:

Ich bin nach harter Arbeit schweißgebadet eingeschlafen!

Nach der Bodenbearbeitung eingeschlafen!

Lügen, unbeteiligt an der Pflege,

Auf einem weißen Kieferntisch,

Liegt regungslos, streng,

Mit einer brennenden Kerze im Kopf,

In einem weiten Canvas-Shirt

Und in gefälschten neuen Bastschuhen.

Große, schwielige Hände,

Wer sich viel Mühe gibt,

Schön, quälungsfremd

Gesicht - und Bart bis zu den Armen...

Tatsächlich kann diese Passage als vollständiges Gedicht gelesen werden, das die Welt des bäuerlichen Lebens als höchste Realität bekräftigt. Dies ist ein direkter Ausdruck menschlicher Werte. Hier gibt es keine prosaischen Details. „Schweiß“ und „Schwielen“, „Arbeit“ und „Erde“ sind in diesem Zusammenhang hohe, poetische Worte.

Das Bild des „Schlafenden“ ist wahrer Größe innewohnend. Es ist kein Zufall, dass sein Name hier nicht erwähnt wird. Vor der Nalga scheint es, als wäre er nicht mehr der konkrete, von seinen Lieben so lebendig und individuell wahrgenommene „Prokl Savastyanich“, „Proklushka“, wie er es in Alltagsszenen ist. Aber vergessen wir nicht, dass diese Szenen selbst nur in Darias Fantasie entstehen; in Wirklichkeit sehen wir Proklos nicht lebend. Eine beträchtliche Distanz trennt ihn von der Welt der Lebenden.

Das Erscheinungsbild des Pflügers in „The Uncompressed Strip“ ist, wie wir uns erinnern, durch Krankheit und Überarbeitung verzerrt; er ist eher ein Objekt des Mitgefühls des Autors („das ist schlecht für den armen Kerl“), und „nicht-poetische“ Beschreibungen verstärken nur den Eindruck („seine Hände... bis auf einen Splitter vertrocknet, hingen wie Peitschen“, „der Augen getrübt“ usw.). Der Held von „Frost...“ ist davon frei, er wird nicht mit Sympathie, sondern mit Bewunderung behandelt. Stille, Mangel an Eitelkeit („daliegen, unbeteiligt an der Pflege“), Nähe zur „anderen“ Welt („mit einer brennenden Kerze im Kopf“, „ein quälungsfremdes Gesicht“) schaffen eine besondere Feierlichkeit und Idealität des Erscheinungsbildes .

Proclus, der „lebende“, „alltägliche“ Mensch, der sich bei Bedarf in einem Karren verstecken, gemächlich Sauerteig aus einem Krug trinken oder beiläufig liebevoll seinen Grie-gauha „kneifen“ könnte, und derjenige, der still „auf“ liegt Der weiße Kieferntisch“ verschmelzen erst im weiten Raum des gesamten Gedichts zu einem einzigen Bild. Aber es ist interessant, dass die meisten Gedichte Nekrasovs sozusagen genau auf „Gedicht“ ausgerichtet sind.

Für Nekrasov ist die innere Korrelation aller Elemente von entscheidender Bedeutung.

In seinen „bäuerlichen“ Texten sowie in den damit eng verbundenen Gedichten dominiert das Bild des Leidens und der Askese. Ganz gleich, an welche unterschiedlichen Werke wir uns hier wenden – „Unterwegs“, „Troika“, „Im Dorf“, „Unkomprimierte Gasse“, „Orina, die Mutter des Soldaten“, „Reflexionen am Haupteingang“, „Eisenbahn“ , „Hausierer“ „“, „Frost, rote Nase“ – überall wird mit erstaunlicher Konsequenz von untergrabener, zerstörter Kraft, von zerbrochenen Hoffnungen, von Waisen- und Obdachlosigkeit und schließlich vom Tod gesprochen, der bereits eingetreten ist oder unausweichlich ist nähert sich. Doch hinter all diesem extremen Ausmaß menschlichen Unglücks tut sich ein strahlender, idealer, heroischer Anfang auf.

So wie in Nekrasovs „reumütigen“ Gedichten die wahre Leistung des Dichters nur durch seine inneren Widersprüche, seinen mentalen Kampf, seine Verwirrung und Verzweiflung erscheinen und zum Ausdruck kommen konnte, so offenbaren sich hier die hohen und unsterblichen Grundlagen des Lebens der Menschen in den Abgründen des Unglücks und Hässlichkeit, Dunkelheit und Elend. In dieser Arena des unerträglich schwierigen Kampfes manifestieren sich die Heldenkräfte der Helden.

Wenn in „The Peddlers“ (1861) diese nicht-patriarchalische, grausame Welt, in der „drei Meilen“ „geht“, „sondern sechs geradeaus“, wo Feilschen und Liebe so seltsam miteinander verflochten sind, der Stöhngesang des „elenden Wanderers“ und die verräterischen Schüsse des Försters, - wenn diese Welt nicht völlig zusammenbricht, dann nur, weil es noch irgendwo einen bäuerlichen, ernsten, starken, vielleicht schlichten Ort gibt, wie Katerinushkas Gedanken, wie ihre Träume von einer Familienidylle mit ihrer Geliebten:

Weder Sie noch Ihr Schwiegervater

Ich werde Nikola gegenüber nicht unhöflich sein,

Von deiner Schwiegermutter, deiner Mutter,

Ich werde jedes Wort ertragen.

...........................

Langweile dich nicht mit der Arbeit,

Ich brauche nicht die Kraft,

Ich bin bereitwillig für meinen Liebsten

Ich werde das Ackerland pflügen.

Du lebst für dich selbst und gehst,

Für eine berufstätige Frau,

Durch die Basare fahren,

Viel Spaß, singt Lieder!

Und du kommst betrunken vom Verhandeln zurück -

Ich werde dich füttern und ins Bett bringen!

„Schlaf, Schöner, schlaf, Rosiger!“

Ich werde kein weiteres Wort sagen.

Diese Worte klingen umso eindringlicher, je klarer wird, dass sie nicht wahr werden können. Auch in „Troika“ kontrastiert die Schillerbarkeit des ersten Teils mit der düsteren Farbgebung des Finales:

Und sie werden dich in einem feuchten Grab begraben,

Wie werden Sie Ihren schwierigen Weg gehen?

Nutzlos erloschene Kraft

Und eine ungewärmte Brust.

Wenn Nekrasov das Reich der Idylle betritt, dann ist dies, wie N. Ya. Berkovsky es treffend ausdrückte, „eine Idylle in Trauerkleidung“.

Im Gedicht „Frost, rote Nase“ sind die Schönheit und das Glück des Bauernlebens wirklich vorhanden, aber sie werden unter Tränen gesehen, wenn es keine Rückkehr zu dieser freudigen Harmonie gibt. Und je genauer Nekrasov diese gewöhnlichen Bilder mit all ihren alltäglichen, unaufdringlichen Details betrachtet, desto mehr Bedeutung gewinnen sie nun für Daria – sie hat nicht die Kraft, sich von ihnen loszureißen.

Er rennt!... äh!... er rennt, kleiner Schütze,

Das Gras brennt unter deinen Füßen! -

Grishukha ist so schwarz wie ein kleiner Kieselstein,

Nur ein Kopf ist weiß.

Schreiend rennt er in die Hocke

(Ein Erbsenkragen um den Hals).

Behandelte meine Großmutter, meinen Mutterleib,

Kleine Schwester – sie dreht sich wie eine Schmerle!

Freundlichkeit der Mutter gegenüber dem jungen Mann,

Der Vater des Jungen zwickte ihn;

Unterdessen döste auch Savraska nicht:

Er zog und zog an seinem Hals,

Ich kam dort an und fletschte meine Zähne,

Kaut appetitlich Erbsen,

Und in weiche, freundliche Lippen

Grishukhinos Ohr wird weggenommen...

In Darias glücklichen Träumen sind nicht nur „Garben aus Gold“ von großer künstlerischer Bedeutung,

„schöne Mascha, verspielt“, „unhöfliche Kindergesichter“ usw., aber auch genau diese „Erbsen wie ein Kragen“, die Nekrasov so liebevoll beschreibt. N. Ya. Berkovsky nennt das Gedicht ein wunderbares Denkmal für den „Kampf um die „heilige Prosa“ des bäuerlichen Lebens, um die Texte von Arbeit und Wirtschaft, Familie und Hauswirtschaft“...

Sie haben immer ein warmes Haus,

Das Brot ist gebacken, der Kwas ist köstlich,

Gesunde und wohlgenährte Jungs,

Für den Feiertag gibt es ein Extrastück.

Der gleiche Kampf um die „heilige Prosa“ der bäuerlichen Lebensweise zieht sich auch durch die Texte – verborgene Möglichkeiten und populäre Bestrebungen offenbaren sich trotz der dürftigen Realität. Der Zyklus „Lieder“ (1866) beginnt mit dem folgenden bemerkenswerten Gedicht:

Die Häuser der Menschen sind sauber, hell,

Aber bei uns zu Hause ist es eng und stickig.

Die Leute essen einen Bottich Kohlsuppe mit Corned Beef,

Und in unserer Kohlsuppe steckt eine Kakerlake, eine Kakerlake!

Die Menschen haben Paten – sie geben Kinder,

Und wir haben Paten – sie werden unser Brot essen!

Was die Leute im Kopf haben, ist, mit ihrem Paten zu plaudern,

Was uns durch den Kopf geht ist: Sollten wir nicht mit der Tasche gehen?

Wenn wir nur so leben könnten, um die Welt zu überraschen:

Damit das Geschirr mit Glocken, die bemalte Duta,

Damit das Tuch auf deinen Schultern liegt, nicht nur ein Sacktuch;

Damit wir von Menschen geehrt werden, die nicht schlechter sind als andere,

Der Priester besucht die Großen, die Kinder können lesen und schreiben;

Der Traum des Volkes von einem glücklichen Leben kommt in dem „Lied“ zum Ausdruck, das den Formen, in denen es tatsächlich im Bewusstsein des Volkes lebt, sehr nahe kommt. Die Welt des Gewünschten und Begehrten wird hier durch ein Haus verkörpert, in dem Zufriedenheit, Wärme, „Sauberkeit, Schönheit“ herrschen.

Was mit dem Wort „Blindheit“ gemeint ist, ist schwer zu definieren oder anders zu bezeichnen. „Lepota“ ist nicht nur ein „Schlüsselwort“, es ist das Hauptbild des Gedichts und vielleicht des gesamten Zyklus. Es beinhaltet Ordnung und Komfort, materiellen Reichtum und moralische Würde. Brot, von dem es für jeden reichlich gibt, und „Kohlsuppe mit Corned Beef“ sind nicht nur Zeichen von Wohlbefinden und Zufriedenheit, sondern geradezu Symbole des Glücks.

Hier, im Bereich des populären Denkens, werden die „prosaischen“ Details des Alltagslebens gerechtfertigt. Während sie im Alltag konkret bleiben, werden sie plötzlich auf ihre Weise bedeutsam und erhaben. Im Gedicht „Duma“ (1860) lesen wir beispielsweise:

Beim Kaufmann bei Semipalov

Menschen leben ohne Nahrung,

Pflanzenöl auf den Brei gießen

Wie Wasser, ohne Reue.

Im Urlaub - fettes Lamm,

Dampf schwebt wie eine Wolke über der Kohlsuppe,

Zur halben Mittagszeit werden sie ihre Gürtel lockern -

Die Seele bittet darum, den Körper zu verlassen!

Gewöhnliche Sättigung (Brot, Kohlsuppe, „magere Butter“ und „fettes Lamm“) erhält auch deshalb eine moralische Rechtfertigung, weil das Ideal eines Helden aus dem Volk nicht Müßiggang, sondern Arbeit ist. Für ihn sind „Arbeit“ und „Ruhe“, „Alltag“ und „Urlaub“ selbstverständlich und sinnvoll und bilden eine bestimmte innere Lebensordnung. Das eine ist ohne das andere unmöglich.

Sie schnarchen die ganze Nacht, nachdem sie gegessen haben, bis sie schwitzen,

Der Tag wird kommen - sie vergnügen sich mit der Arbeit...

Hey! Nimm mich als Arbeiter

Meine Hände jucken danach, etwas Arbeit zu erledigen!

Zeichen der Zufriedenheit werden im Gegensatz zu Hunger, Verzweiflung, Armut und allem, was in Wirklichkeit für den Helden bestimmt ist, besonders verlockend und begehrenswert:

Unsere Seite ist arm,

Es gibt keinen Ort, an dem man die Kuh rauswerfen kann...

Und was uns durch den Kopf geht, ist, dass wir nicht mit der Tasche gehen sollten.

("Lieder")

Der Volkstraum kennt „Poesie“ und „Prosa“ in ihrer metaphysischen Trennung nicht. Daher ist folgende Kombination völlig natürlich:

Damit das Geld im Geldbeutel ist und der Roggen auf der Tenne liegt;

Damit das Geschirr mit Glöckchen, einem bemalten Bogen,

Damit das Tuch auf Ihren Schultern liegt, nicht nur Sackleinen ...

Jedes Detail des materiellen Lebens erweist sich letztlich als ästhetisch erfahrbar und bedeutungsvoll.

Damit die Kinder im Haus wie Bienen im Honig sind,

Und die Herrin des Hauses ist wie eine Himbeere im Garten!

Das Ideal des Volkes erscheint bei Nekrasov sowohl in „enger“ Konkretheit als auch in harmonischer Vielseitigkeit. Das Leben der Menschen offenbart sich in seinen unterschiedlichsten Facetten und auf verschiedenen Ebenen. Entweder scheint Nekrasov ganz im Kreis des Volksbewusstseins und des volkspoetischen Ausdrucks zu bleiben, dann geht er offen und entschieden über diese Grenzen hinaus.

Tatsächlich schöpft Nekrasov aus verborgenen, „artesischen“ Tiefen seine Überzeugung von der unerschöpflichen Kraft des Volksgeistes:

Scheuen Sie sich nicht vor Ihrem lieben Vaterland ...

Das russische Volk hat genug ertragen

Er hat auch diese Eisenbahn zerstört -

Er wird alles ertragen, was Gott schickt!

Hält alles aus – und zwar breit, klar

Er wird sich mit seiner Brust den Weg ebnen.

Es ist einfach schade, in dieser wundervollen Zeit zu leben

Das wirst du nicht müssen – weder ich noch du.

(„Eisenbahn“, 1864)

Die letzten Zeilen enthalten die gleiche traurige Note von Nekrasov, was das Bild glücklicher Möglichkeiten verkompliziert. Doch die Wege sind hier nicht versperrt, sondern geöffnet. Es ist keine Idealisierung, sondern ein furchtlos nüchterner Blick auf den wahren Zustand der Welt, ein tiefes kreatives Eindringen in sie, das es Nekrasovs Poesie ermöglicht, sich in einem lebensbejahenden Ergebnis zu stärken. Nekrasovs Leistung als Künstler bestand in der Fähigkeit, mit zu bedecken Auf einen Blick den Bereich des Idylls, den Bereich der Tragödie und den Bereich des Komischen.

Nekrasov veränderte die Sphäre des poetisch Erhabenen erheblich, indem er dort die Konzepte der „niedrigen“ Prosa einführte, die durch neue gesellschaftliche Erfahrungen neu gedacht wurden. Dies betrifft zunächst die Zeichen der bäuerlichen Arbeit und des bäuerlichen Lebens, die für das demokratische Gesellschaftsbewusstsein besondere Bedeutung erlangt haben. Eine Reihe interessanter Beobachtungen zu diesem Thema sind in dem Buch von B. O. Corman enthalten. Wörter wie zum Beispiel „Arbeiter“ und „Schmied“, „Tagelöhner“, „Bagger“ erhielten eine poetische Bedeutung, erweiterten ihren Inhalt und wurden von Nekrasov in verwendet übertragene Bedeutung- in Bezug auf die Phänomene des spirituellen Lebens. Das Wort des Alltagswörterbuchs „Bastschuhe“ erhielt im neuen Kontext die Rolle eines hohen Symbols: „Damit die breiten Bastschuhe des Volkes den Weg dorthin ebnen“ 1.

Aber es gab auch andere Möglichkeiten, verschiedene Aspekte der Realität zu meistern. L. Ya. Ginzburg macht auf das tragisch niedrige Prinzip aufmerksam, das Nekrasovs Poesie innewohnt. „Das Wort bleibt niedrig, betont niedrig“, schreibt sie, „aber es bekommt eine tragische und schreckliche Bedeutung, die die soziale Tragödie der Unterdrückten widerspiegelt.“

Aus seiner Rinde

Es ist enträtselt

Melancholie-Problem

Erschöpft.

Ich werde Kovriga essen

Berg für Berg,

Ich werde Käsekuchen essen

Mit großem Tisch!

Ich werde es ganz alleine essen

Ich kann selbst damit umgehen.

Sei es Mutter oder Sohn

Fragen Sie – ich gebe nicht!

Diese Zeilen wurden zwar nicht von L. Ya. Ginzburg aus dem Text übernommen – es handelt sich um „Hungry“ aus dem Gedicht „Who Lives Well in Rus'“.

Je tiefer Nekrasov in das Bauernthema einsteigt, je facettenreicher und polyphoner es ihm erscheint, desto stärker wird das künstlerische Bedürfnis nach Synthese in ihm, desto weiter entfernt er sich von der Lyrik im engeren Sinne des Wortes. N. N. Skatov glaubt: „Die breite Front der Untersuchung des volkstümlichen Bauernlebens in Nekrasovs Poesie hat sich seit den späten 60er Jahren deutlich verengt, sie endet fast in den Texten und ist tatsächlich auf eine wirklich grandiose Schöpfung beschränkt – auf das Gedicht.“ Wem in Russland „gut leben“ und im Allgemeinen wenig grundlegend Neues bringt, obwohl daraus wirklich künstlerische Meisterwerke entstehen, wie zum Beispiel das Lastkahnschlepperlied in „Contemporaries“.

Dieses Lied – „Up the Mountain“ – kann wirklich als eigenständiges Werk wahrgenommen werden, als hätte es das Vollkommenste aus der großen Vielfalt von Nekrasovs „Liedern“ aufgenommen.

Kein Brot

Das Haus stürzt ein

Wie alt warst du?

Kame noem

Meine Trauer,

Das Leben ist schlecht!

Brüder, erhebt euch!

Lasst uns jubeln, los geht’s!

Wow, Leute!

Der Berg ist hoch...

Kama ist düster! Kama ist tief!

Gib mir etwas Brot!

Was für ein Sand!

Was für ein Berg!

Was für ein Tag!

Es ist so heiß!

Kieselstein! Wie viele Tränen haben wir für dich vergossen!

Haben wir dich, mein Lieber, nicht gestört?

Gib mir Geld!

Habe das Haus verlassen

Kleine Jungs...

Lasst uns jubeln!..

Die Knochen zittern!

Ich würde mich am liebsten auf den Herd legen

Den Winter durchschlafen

Leck im Sommer

Gehen Sie mit Oma spazieren!

Was für ein Sand!

Was für ein Berg!

Was für ein Tag!

Es ist so heiß!

Nicht ohne gute Seelen auf der Welt -

Jemand wird dich nach Moskau bringen,

Wirst du an der Universität sein -

Der Traum wird wahr!

Da gibt es ein weites Feld:

Wissen, arbeiten und keine Angst haben...

Deshalb bist du tief

Ich liebe, lieber Rus!

(„Schuljunge“, 1856)

Am Rande der patriarchalischen Welt entstanden neue Werte, die Nekrasovs Poesie nährten und es ihr ermöglichten, reine Poesie zu bleiben.

Dies ist zunächst einmal das Ideal der Freiheit, der Drang dazu, der Kampf dafür. Das ist die Befreiung der Menschen, das Glück der Menschen.

Gleichzeitig entstehen neue soziale und spirituelle Gemeinschaften – ihre unterdrückten Unterstützer, ihre „Fürsprecher“. Nekrasov spielt eine große Rolle für die ideologische Einstimmigkeit und Zusammenarbeit im Kampf. Dies ist die stärkste Gewerkschaft. Die neue spirituelle Einheit, ihre Notwendigkeit, ihre Poesie im ideologischen und künstlerischen System Nekrasovs ist äußerst aktiv.

Das „Hoch“ in Nekrasovs Poesie ist einerseits mit der „Buchkultur“, mit pädagogischen Ideen, mit dem „Bewusstseinsstrahl“ verbunden, den die fortgeschrittene Intelligenz auf den Weg des Volkes werfen soll.

Hier erscheinen symbolische Bilder eines „Buches“, eines „Porträts“ – Zeichen ideologischer Einflussnahme, Kontinuität, spiritueller Erhebung.

Andererseits liegen die Quellen der Poesie für Nekrasov in den Grundlagen des Lebens und des Nationalcharakters der Menschen.

Russland, das Heimatland – wahrgenommen und dargestellt als Heimat des Volkes – steht an der Spitze von Nekrasovs Wertehierarchie.

Nekrasovs Texte markieren eine sehr schwierige Phase in der Entwicklung der Poesie. Es drückte einen neuen Aufstieg des Persönlichkeitsgefühls aus, der gerade mit dem Aufbrechen alter, aktiver Grundlagen verbunden war soziale Bewegung, im Allgemeinen - mit der Ära der Vorbereitung auf die russische Revolution.

Auf dieser Grundlage war ein neuer Aufstieg der Lyrik möglich. Gleichzeitig unterschied sich Nekrasovs Poesie von der Poesie der vorherigen Stufe durch eine qualitativ andere Struktur ihres lyrischen „Ich“.

„Ich“ ist hier offen zur Außenwelt, umfasst seine Vielfalt und Polyphonie.

Es ist nicht verschlossen, nicht individualistisch, es ist in der Lage, „für einen anderen“ zu fühlen und zu sprechen. Es scheint sich zu vermehren, gleichzeitig vereint und sich selbst zu bleiben, verschiedene „Gestalten“ anzunehmen, die „Stimme“ vereint es, korreliert in sich verschiedene „Stimmen“, verschiedene Intonationen.

„Nekrasovs Texte eröffneten enorme Möglichkeiten zur Etablierung der Prinzipien der künstlerischen Polyphonie, hinter denen neue ethische Formen und eine demokratische gesellschaftliche Stellung standen.

Tatsächlich wurden Polyphonie und Polyphonie mit Nekrasov zum künstlerischen, strukturellen Ausdruck einer solchen Demokratie.“

Nekrasovs lyrisches „Ich“ ist nicht grundsätzlich individualistisch.

Nekrasovs Poesie entstand sozusagen aus der Negation der Poesie. Zweifellos hat sie die Erfahrung von Prosa und Drama in sich aufgenommen. Es zeichnet sich in hohem Maße sowohl durch „Narrative“ als auch durch „Analytik“ aus.

Die Poesie von Nekrasov und seinen Zeitgenossen – Tyutchev, Fet – hatte wiederum einen erheblichen Einfluss auf Prosa und Roman.

„Nekrasov begründete die absolute Notwendigkeit der Poesie …“ Allerdings wurde das Schreiben von Gedichten nach Nekrasov unermesslich schwieriger.

Nicht umsonst hatte er im Wesentlichen keine direkten Nachfolger, obwohl es die „Nekrasov-Schule“, die Schule seiner Gleichgesinnten und Anhänger, gab.

Damit die Entwicklung von Nekrasovs Traditionen in gleichem Umfang und mit gleichem Talent möglich werden konnte, waren neue gesellschaftliche Veränderungen, eine neue Ebene des gesellschaftlichen Lebens und der Kultur notwendig.

4. Die Rolle des künstlerischen Details im Werk von I.S. Turgenev „Väter und Söhne“

Der große russische Schriftsteller Iwan Sergejewitsch Turgenjew nutzte in seinem Werk ein breites Spektrum literarischer Techniken: Landschaften, kompositorische Struktur, ein System sekundärer Bilder, Sprachmerkmale usw. Aber die beeindruckendsten und vielfältigsten Mittel zur Verkörperung von Ideen und Ideen des Autors sind Bilder auf den Werkseiten ist das künstlerische Detail. Betrachten wir, wie dieses literarische Mittel zur Offenlegung des semantischen Inhalts von „Väter und Söhne“ beiträgt, dem offensichtlich umstrittensten Roman von I.S. Turgenjew.

Zunächst ist festzuhalten, dass die Porträts und Kostümbeschreibungen in diesem Werk, wie in jedem anderen auch, tatsächlich ausschließlich aus künstlerischen Details bestehen. So hat beispielsweise Pavel Petrovich Kirsanov „... ein Gesicht, als wäre es mit einem dünnen und leichten Meißel geschnitzt“ und „ein Aussehen ..., anmutig und reinrassig ...“. Und so kann der Leser sofort anhand des Aussehens erkennen, dass „Onkel Arkady“ zur Adelsschicht gehört. Raffinesse, raffinierte Manieren, die Gewohnheit eines luxuriösen Lebens, Säkularismus, unerschütterliches Selbstwertgefühl, die dem „charmanten Melancholiker“ innewohnen und ihn als einen der typischen Vertreter des Adels charakterisieren, werden vom Autor stets mit künstlerischen Details betont, die darstellen Haushaltsgegenstände von Pawel Petrowitsch: „ein einzelner großer Opal „an den Ärmeln“, „enge Hemdkragen“, „Lackstiefeletten“ usw.

Anhand der Beschreibung schöner und eleganter Dinge des „archaischen Phänomens“ I.S. Turgenev zeigt die Atmosphäre, in der der ältere Kirsanov lebt, und verrät seine Weltanschauung. Indem der Autor die Aufmerksamkeit bewusst auf die unbelebten Objekte rund um Onkel Arkady richtet, führt er den Leser auf die Idee einer gewissen Leblosigkeit des „Bezirkaristokraten“ und nennt ihn einen „toten Mann“.

Die Irrelevanz der Lebensprinzipien von Pavel Petrovich bestimmt seine „Totheit“, die Tatsache der Existenz, die in dem Werk die Idee des Verfalls und des Scheiterns der damaligen Adelsschicht offenbart. Wir sehen also, dass das künstlerische Detail, das an den Porträtmerkmalen und der Beschreibung des Kostüms beteiligt ist, eine wichtige Funktion erfüllt und die Bilder und Absichten des Romans widerspiegelt.

Es muss auch gesagt werden, dass das Bild der psychologischen Porträts der Charaktere eine große Rolle bei der Identifizierung der Hauptideen des Werks spielt. Um die Gefühle, Erfahrungen und Gedanken der Figuren in „Väter und Söhne“ zu vermitteln, verwendet der Autor häufig künstlerische Details. Ein klares Beispiel Dies kann als Display dienen internen Zustand Basarow am Vorabend des Duells. IST. Turgenjew zeigt mit erstaunlichem Geschick die Angst und Aufregung von Jewgeni Wassiljewitsch. Der Autor stellt fest, dass Evgeniy in der Nacht vor dem Kampf mit Pavel Petrovich „... von zufälligen Träumen gequält wurde...“ und während er im Hain wartete, „... ließ ihn die Morgenkälte zweimal erschaudern...“ . Das heißt, Basarow hat offensichtlich Angst um sein Leben, obwohl er dies sogar vor sich selbst sorgfältig verbirgt. „Träume“ und „Entspannung“ sind jene künstlerischen Details, die dem Leser helfen, Basarows Gedanken und Gefühle zu verstehen, die ihn in dieser schwierigen Situation erfassten, und zu verstehen, dass Jewgeni Wassiljewitsch nicht nur in der Lage ist, das Leben zu leugnen und zu argumentieren, sondern auch zu erleben und zu lieben .

Der Hintergrund, vor dem sich die Handlung abspielt, trägt aktiv dazu bei, den psychischen Zustand der Romanhelden aufzudecken. So ist beispielsweise im elften Kapitel die romantische, erhabene Stimmung von Nikolai Petrowitsch die Reaktion seiner Seele auf den Duft und die Schönheit der Natur. In dieser Folge hat der Autor die Landschaft mit künstlerischen Details dargestellt, die die Atmosphäre eines schönen ländlichen Abends wiedergeben. Besonders aufschlussreich ist die Beziehung zwischen der Natur und der Innenwelt des „Marienkäfers“ und der „Sterne“, die „schwärmten und zwinkerten“. Darüber hinaus ist dieses künstlerische Detail fast das einzige, das den Wechsel von der Abendlandschaft zur Nachtlandschaft anzeigt. IST. Turgenjew deutete die Zustandsveränderung mit nur einem Strich an und erfreute sich an seiner Einfachheit und Ausdruckskraft. Daher spielen künstlerische Details nicht nur bei der Darstellung von Porträts, Charakteren und Stimmungen der Helden durch den Autor eine wichtige Rolle, sondern auch bei der Gestaltung des allgemeinen Hintergrunds in verschiedenen Episoden des Romans.

Um die Funktionen der analysierten Mittel der literarischen Verkörperung in „Väter und Söhne“ klarer zu identifizieren, werden wir die Methoden ihrer Anwendung in dieser Arbeit analysieren. Die im Roman am häufigsten verwendete Methode besteht darin, sich durch künstlerische Details zu ergänzen. Diese Technik vermittelt dem Leser nicht nur eine umfassendere und lebendigere Vorstellung von jedem Bild, Inneren oder psychologischen Zustand, sondern lenkt unsere Aufmerksamkeit auch auf die Merkmale, deren Hervorhebung der Autor für notwendig hielt. Insbesondere die Situation in Kukshinas Haus wird auf den Seiten des Werkes durch die Aufzählung künstlerischer Details geschildert: Zeitschriften, „größtenteils ungeschnitten“, „staubige Tische“, „verstreute Zigarettenkippen“. IST. Turgenjew entlarvt bereits durch seine Beschreibung der Innenausstattung von Jewdokias Zimmer die Falschheit des Nihilismus der „wunderbaren Natur“. Weitere ihr von der Autorin gegebene Merkmale offenbaren schließlich Kukshinas Widersprüchlichkeit sowohl als Leugnerin als auch als Frau und als Person, doch das erste, was auf den Irrtum ihrer Ansichten, das falsche Verständnis von Emanzipation, hinweist, ist das Innere von Avdotya Nikitishnas Haus. Eine andere Methode zur Verwendung künstlerischer Details in „Fathers and Sons“ ist die Antithese. So kam Kukshina „in schmutzigen Handschuhen, aber mit einem Paradiesvogel im Haar“ zum Ball des Gouverneurs, was noch einmal ihre Nachlässigkeit und Promiskuität unterstreicht, die sie als Lebensprinzipien einer emanzipierten Frau ausgibt. Darüber hinaus werden künstlerische Details in einem Roman oft durch jedes andere literarische Medium ergänzt. Insbesondere erwähnt der Autor, dass Basarows „Reden“ „etwas komplex und fragmentarisch“ seien. Dieses visuelle Detail wird durch die Ausführungen Jewgeni Wassiljewitschs, die sich durch Schnelligkeit, Schärfe, Ungestüm und etwas Aphorismus auszeichnen, deutlich und verstärkt. Und so wird in „Väter und Söhne“ von I.S. Turgenjew nutzt das betreffende literarische Mittel in allen möglichen Varianten, wodurch er seinen ideologischen Zweck deutlich steigern und erweitern kann.

So sehen wir, dass der Autor im gesamten Werk künstlerische Details verwendet, um das Konzept des Romans auszudrücken, wenn er das Aussehen der Charaktere, ihre Gedanken und Gefühle sowie den Hintergrund in bestimmten Teilen von „Väter und Söhne“ beschreibt. IST. Turgenev nutzt dieses Mittel der bildlichen Verkörperung in verschiedenen Variationen, was eine größere semantische Belastung ermöglicht. Die erstaunliche Vielfalt, die bemerkenswerte Vielseitigkeit und die erstaunliche Auswahl künstlerischer Details des Werkes führen den Leser zu dem Gedanken, den Pisarev im kritischen Artikel „Bazarov“ zum Ausdruck brachte: „... durch die Struktur des Romans wird die wilde, tief empfundene Haltung des Autor gegenüber den abgeleiteten Phänomenen des Lebens scheint durch ...“

Turgenjews Figuren im Roman „Väter und Söhne“ erschienen vor uns als bereits etablierte Persönlichkeiten mit einzigartigen, individuellen, lebendigen Charakteren. Für Turgenjew sind natürlich die Gesetze der Moral und des Gewissens sehr wichtig – die Grundlagen menschlichen Verhaltens. Der Autor versucht, das Schicksal seiner Helden aufzudecken und berücksichtigt dabei das Schicksal der historischen Entwicklung der Gesellschaft. Wie bei jedem großen Künstler ist das Detail des Künstlers, das Detail Turgenjews: ein Blick, eine Geste, ein Wort, ein Gegenstand – alles ist äußerst wichtig.

In seinen Werken sind Motivdetails und Farben interessant. Der Autor beschreibt Pavel Petrovich und zeigt, dass er sich ständig darum kümmert Aussehen, betont den aristokratischen Charakter seiner Manieren und seines Verhaltens; Schön poliert Nägel an den Fingern von Pavel Petrovich Kirsanov beweist wirklich, dass er ein Sybarit, eine Frau mit weißen Händen und ein Faulpelz ist.

Geste. „Er wandte sich ab, warf ihr einen verschlingenden Blick zu, ergriff sie bei beiden Händen und zog sie plötzlich an seine Brust.“ Damit meint er nicht, dass er sich verliebt hat, aber diese Gesten sind Details, die die gesamte innere Welt des Helden offenbaren .

Erinnern wir uns an das Duell, als es nicht um die Adelsritterschaft ging, sondern um das Duell zwischen Pawel Petrowitsch und Basarow, das den Adel auf komische Weise zeigt.

Sehr interessant sind Basarows Aphorismen, die die Essenz des Charakters des Helden offenbaren: „Jeder Mensch muss sich selbst erziehen“, „Richtige Gesellschaft – es wird keine Krankheiten geben“, „Was die Zeit betrifft, wovon ich abhängen werde – lass sie von mir abhängen“, „Die Natur ist eine Werkstatt, und der Mensch ist ein Arbeiter.“ drin" Basarows im Text ausführlich dargelegte Aphorismen ermöglichen es Turgenjew, die ideologische Position des Helden zu offenbaren.

Ein weiteres interessantes Detail bei der Offenlegung von Bildern ist die Technik der verbalen Ironie, bei der Menschen entweder beleidigende Dinge zueinander sagen oder sprechen, ohne den anderen zu hören. (Streitigkeiten zwischen Basarow und Pawel Petrowitsch)

Auf den Seiten des Romans schärfen viele Worte ihre symbolische Bedeutung: Basarow stand mit dem Rücken zu ihm, als er Anna Sergejewna seine Liebe erklärte, als wollte er sich isolieren. Um die lebhafte gesprochene Sprache von Charakteren zu reproduzieren, verwendet Turgenev häufig unvollständige Sätze, die ihrer Rede einen Hauch von Handlungsgeschwindigkeit und dem Erregungszustand des Helden verleihen.

Ein weiteres interessantes Detail ist, dass im 19. Jahrhundert der Titel des Werks zu den wichtigsten Referenzwörtern wurde (L. N. Tolstoi – „Krieg und Frieden“, A. S. Griboyedov „Woe from Wit“). Dostojewski verwendete eine andere Art der Verschlagwortung – Kursivschrift (Prozess, Fall, Mord, Raub, dann, danach...

5. Die objektive Welt im Roman von F.M. Dostojewski „Verbrechen und Strafe“

Als F.M. Dostojewski richtet seine ganze Aufmerksamkeit auf die Dinge in Räumen und Wohnungen und gibt deren Aussehen sorgfältig und genau wieder; man muss bei den Beschreibungen, die in seinem Werk so selten und dürftig sind, auf das kleinste Detail achten. Dostojewski beschreibt Sonjas Zuhause ausführlich, denn es ist nicht nur eine Momentaufnahme ihrer Sündhaftigkeit, ihrer verzerrten Existenz und ihres seelischen Leidens, sondern auch ein Teil von Raskolnikows Seele, dessen Schicksal in Sonjas Händen liegt. Frauen in Dostojewskis Werken haben kein eigenes Schicksal, aber sie bestimmen das Schicksal der Männer und scheinen sich darin aufzulösen.

Dostojewski beschreibt Sonyas Zimmer. Was für eine Traurigkeit, was für eine Abscheulichkeit der Trostlosigkeit ... Und diese Kommode, die wie am Rande des Vergessens steht, nahe einer schrecklich scharfen Ecke, die tiefer liegt. Es scheint, dass Sie nur noch einen Schritt weitergehen und sich in einer Welt jenseitiger Schatten wiederfinden. Sonya wurde durch ihr sündiges Opfer in diese graue Behausung gebracht. Ein solches Opfer führt unweigerlich zu Sonyas Begegnung mit kriminellem Stolz und dem Träger dunkler Arroganz – Raskolnikow.

Wenn Sie in die Tiefen aller Dinge, Situationen und Zustände eintauchen, beginnen Sie etwas völlig Erstaunliches zu begreifen, das dem kartesischen Geist unzugänglich ist: Die Tatsache, dass Sonya in ihrer grauen Ecke lebt, ist ihre metaphysische Begegnung mit Raskolnikov, die bereits lange vor dem stattgefunden hatte Wirklichkeit. Nachdem sie sich hier niedergelassen hatte, drang Sonya in die Seele des ideologischen Mörders ein und blieb für immer darin. Sonyas Zimmer ist ein Teil von Raskolnikows Seele, der sich draußen widerspiegelt. Sonya wohnte in ihrem Zimmer und lebte in Raskolnikows Seele, lange bevor sie ihn persönlich traf.

Deshalb klingt Raskolnikows sehr schwieriges Versprechen, Sonja zu sagen, wer Lisaweta getötet hat, so einfach. Laut Raskolnikov wählte er Sonja aus, um ihr dies zu erzählen, als er Lisaweta noch nicht getötet hatte und Sonja selbst nicht kannte, sondern nur Marmeladovs betrunkene Geschichte über sie hörte. Dostojewski entdeckte neue Welten und neue Daseinsgesetze, die niemand kannte. Indem er uns in diese Welten und Gesetze einführt, zeigt er, dass alles, was in der Realität passieren muss, bereits in unseren spirituellen Tiefen mit Hilfe unseres eigenen inneren Willens geschehen ist und dass unsere Bestrebungen, Träume und Wünsche, die unserem Bewusstsein unbekannt sind, auf uns zukommen Verschiedene Formen und Gestalten materialisieren sich in der Welt der Phänomene. So bekräftigt Dostojewski sowohl direkt als auch indirekt den Gedanken des großen Origenes: „Materie ist Spiritualität, die durch menschliche Sünde verdichtet ist.“

Wenn Sonjas Zimmer wirklich der materialisierte Teil von Raskolnikows Seele ist, der aufgetaucht ist, dann wird verständlich, warum er, wenn er Marmeladov zuhört, bereits „unbewusst weiß“, wen er töten wird und wem er den Mord gestehen wird. Wenn der leere Raum im Resslich-Bordell ein Symbol der metaphysischen Leere ist, die seit langem von der Seele eines ideologischen Mörders Besitz ergriffen hat, dann kann man geistig nachfühlen, warum sich beide beim ersten Treffen von Swidrigailow mit Raskolnikow sofort und im Wesentlichen erkennen gegenseitig.

6. Tolstoi

6.1 Ironie und Satire im epischen Roman „Krieg und Frieden“

Im epischen Roman „Krieg und Frieden“ ist L. N. Tolstois Haltung gegenüber der „großen Welt“ nicht nur negativ. Er greift oft auf Ironie zurück und agiert manchmal auch als Ankläger, als Satiriker.

Der Menschentyp, der in Ippolit Kuragin verkörpert wird, ist Tolstoi so fremd und hasserfüllt, dass er seinen Zorn einfach nicht zurückhalten kann. Offensichtlich ist die Beschreibung dieser Figur durch den Autor deshalb grotesk:

„Und Prinz Hippolyte begann Russisch mit dem Akzent zu sprechen, den die Franzosen sprechen, wenn sie ein Jahr in Russland verbracht haben. Alle hielten inne, so lebhaft, dass Prinz Ippolit dringend Aufmerksamkeit für seine Geschichte verlangte. - „In Moskau Es gibt eine Dame une Dame für die Kutsche. Und sehr groß. Es war nach ihrem Geschmack ... Sie sagte ... „Dann begann Prinz Hippolyte nachzudenken, offenbar hatte er Schwierigkeiten beim Denken ...“

Die gemischte russisch-französische Sprache und die offensichtliche Dummheit des Fürsten Hippolyte rufen beim Autor und seinem Leser weniger fröhlichen als vielmehr unfreundlichen Spott hervor. Tolstois Denunziation wird vom Leser als natürlich akzeptiert, so wie es sein sollte.

Tolstoi hasst nicht nur die Menschen der „großen Welt“, sondern auch die Welt selbst – ihre Atmosphäre, ihre abnormale Lebensweise. So wird beispielsweise ein Abend bei Anna Pawlowna Scherer beschrieben:

„So wie der Besitzer einer Spinnerei, nachdem er die Arbeiter auf ihren Plätzen platziert hat, durch die Einrichtung geht, die Unbeweglichkeit oder das ungewöhnliche, knarrende, zu laute Klopfen der Spindel bemerkt, eilig geht, sie zurückhält oder in die richtige Bewegung versetzt.“ , also ging Anna Pawlowna, während sie durch ihr Wohnzimmer ging, zu einer Tasse, die verstummt war oder zu viel redete, und mit einem Wort oder einer Bewegung startete sie wieder eine anständige Konversationsmaschine.“

Die Welt der säkularen Gesellschaft wird als mechanische, maschinenähnliche Welt dargestellt. Und es wird nicht nur präsentiert, es ist das, was es für Tolstoi ist: Hier sind sowohl Menschen als auch Gefühle mechanisch.

Tolstoi drückt seine negative Einstellung gegenüber der Figur manchmal mit einem einzigen Wort aus.

Der von Tolstoi so ungeliebte Napoleon betrachtet das Porträt seines Sohnes in seinem Büro... So schreibt der Autor: „Er näherte sich dem Porträt und tat so, als wäre er nachdenklich zärtlich ...“ „So getan als ob!“ Eine direkte Einschätzung der Gefühle Napoleons.

4.Vergleich

Im Salon von Anna Pawlowna ist der Gast ein Viscount. Tolstoi bemerkt: „Anna Pawlowna hat ihre Gäste offensichtlich damit verwöhnt ...“.

Das Wort „behandelt“ könnte als gängige Metapher verstanden werden. Aber der unmittelbar folgende Vergleich offenbart seine direkte und negative Bedeutung:

„So wie ein guter Oberkellner als etwas übernatürlich Schönes das Stück Rindfleisch serviert, das man nicht essen möchte, wenn man es in einer schmutzigen Küche sieht, so servierte Anna Pawlowna ihren Gästen an diesem Abend zuerst den Viscount, dann den Abt, als.“ etwas übernatürlich Raffiniertes“

Tolstoi greift häufig auf Vergleiche dieser Art zurück.

Der vierte Band beginnt mit der Beschreibung eines St. Petersburger Abends mit derselben Anna Pawlowna Scherer. Fürst Wassili Kuragin liest einen Brief vor, der, wie Tolstoi feststellte, „als Beispiel patriotischer spiritueller Beredsamkeit verehrt wurde“. Fürst Wassili war weltberühmt für „seine Lesekunst“. Diese Kunst, kommentiert Tolstoi, „man glaubte, dass Worte laut und melodisch zwischen verzweifeltem Heulen und sanftem Murmeln flossen, völlig unabhängig von ihrer Bedeutung, so dass völlig zufällig ein Heulen auf den einen und ein Murmeln auf die anderen fiel.“

6.Porträtdetail

Oft geschieht dies unerwartet und ist spezifisch.

Das erste Treffen des Lesers mit Anatoly Kuragin. Über sein Aussehen sagt Tolstoi: „Anatole stand aufrecht mit offenen Augen.“ Wir sind es gewohnt, das Verb „gape“ mit dem Wort „Mund“ zu kombinieren („auf den Mund klaffen“ wird in einer Porträtbeschreibung als Verhöhnung der „Schnelligkeit“, „Einfallsreichtum“ des Helden empfunden). „Öffne deine Augen“ ist ein unerwarteter, ungewöhnlicher Ausdruck und betont daher besonders ausdrucksstark die Stumpfheit und Intelligenzlosigkeit in Anatoles Augen.

7. Sprachdetails

Derselbe Anatol Kuragin wiederholt das Wort „a“ oft ohne Notwendigkeit oder Bedeutung. Zum Beispiel in der Erklärungsszene mit Pierre nach dem Versuch, Natasha zu verführen: „Das weiß ich nicht. A? - sagte Anatole und munterte sich auf, als Pierre seinen Zorn überwand. „Ich weiß das nicht und will es auch nicht wissen... zumindest kannst du deine Worte zurücknehmen.“ A? Wenn Sie möchten, dass ich Ihren Wunsch erfülle. A?"

Diese bedeutungslose Frage „a“ erweckt den Eindruck, dass vor Ihnen eine Person steht, die ständig überrascht ist: Er wird ein Wort sagen, sich dann umschauen und sich selbst nicht wirklich verstehen, als würde er die Menschen um ihn herum fragen, was , sagen sie, was habe ich gesagt...

8. Äußere Geste

Bei Tolstoi ist es oft unvereinbar mit den Worten, dem Aussehen oder den Handlungen der Figur.

Erinnern wir uns noch einmal an die Szene, in der wir den Brief des Hochwürdigsten verlesen haben: „Gnädigster Kaiser!“ - sagte Prinz Wassili streng und sah sich im Publikum um, als würde er fragen, ob die Literatur etwas dagegen einzuwenden hätte. Aber niemand sagte etwas.

6.2 Über das künstlerische Können von L. N. Tolstoi

Der erste Teil des zweiten Bandes beginnt mit einer Beschreibung der Ankunft Nikolai Rostows in seiner Heimat. Es ist erwähnenswert, wie Tolstoi die Gefühle eines Menschen „belauschte“, der nach einer langen Trennung an seinen Heimatort zurückkehrte, der für uns alle so nah und verständlich war. Ungeduld: schnell, schnell nach Hause, wohin Nikolai die letzten Monate und Tage gestrebt hatte. „Ist es bald? Bald? Oh, diese unerträglichen Straßen, Geschäfte, Brötchen, Laternen, Taxifahrer!“ UND Freude über Anerkennung: hier: „Gesims mit abgebrochenem Putz“; „Derselbe Türgriff des Schlosses, über dessen Sauberkeit sich die Gräfin ärgerte, öffnete sich ebenso schwach“, „derselbe Kronleuchter in einer Vitrine“... Und Glück der Liebe alles für dich allein und Freude.

Nach seiner Rückkehr bekam Nikolai Rostow „seinen eigenen Traber und die modischsten Leggings, besondere, die sonst niemand in Moskau hatte, und Stiefel, die modischsten, mit den schärfsten Zehen“ und verwandelte sich in einen „gut gemachten Husaren“. Rostow (d. h. Reaktionsfähigkeit, Sensibilität) und Husar (d. h. Rücksichtslosigkeit, Schneidigkeit, Unhöflichkeit eines unvernünftigen Kriegers) sind zwei gegensätzliche Seiten im Charakter von Nikolai Rostow.

Rostow verspricht, Dolochow morgen seinen großen Verlust auszuzahlen, gibt sein Ehrenwort und stellt mit Entsetzen fest, dass es unmöglich ist, es einzuhalten. Er kehrt nach Hause zurück und in seinem Zustand ist es für ihn seltsam, den gewohnten friedlichen Komfort der Familie zu sehen: „Sie haben alles beim Alten. Sie wissen nichts! Wo soll ich hin? Natasha wird singen. Das ist unverständlich und irritiert ihn: Warum kann sie glücklich sein, „eine Kugel in die Stirn und nicht singen“...

Wassili, so Tolstoi, lebt ein Mensch mit einer Vielzahl von Gefühlen, Sehnsüchten und Wünschen. Deshalb sieht der Autor seinen Helden „mal als Bösewicht, mal als Engel, mal als Weisen, mal als Idiot, mal als starken Mann, mal als machtloses Geschöpf.“

Veranstaltungen Alltagsleben denn die Charaktere im Roman sind immer bedeutsam. Nikolai hört dem Gesang seiner Schwester zu, und ihm passiert etwas Unerwartetes: „Plötzlich konzentrierte sich die ganze Welt auf ihn in Erwartung der nächsten Note, der nächsten Phrase, und alles auf der Welt wurde in drei Tempi aufgeteilt ... Eh, unser Dummkopf Leben!“ dachte Nikolai. „Das alles und das Unglück und das Geld und Dolokhov und die Wut und die Ehre – alles Unsinn … aber hier ist es – echt.“

Die Anforderungen an „Ehre“ sind für Rostow alles. Sie bestimmen sein Verhalten. Die Bedeutung und Verpflichtung der Adels- und Husarenherrschaft verschwindet im Fluss echter menschlicher, gegenwärtig Gefühle, die durch Musik hervorgerufen werden . Das Geschenk Am häufigsten wird es einer Person durch einen Schock, durch eine Krise offenbart.

Die Dynamik der Charakterentwicklung und ihre Widersprüchlichkeit spiegeln sich in den Porträtdetails der Charaktere wider.

Zum Beispiel Dolochow. Er ist arm, unwissend und seine Freunde (Kuragin, Bezuchow, Rostow) – Grafen, Fürsten – sind wohlhabend und erfolgreich. Rostow und Kuragin haben schöne Schwestern, Dolochow hat einen Buckligen. Er verliebte sich in ein Mädchen von „himmlischer Reinheit“ und Sonya ist in Nikolai Rostow verliebt.

Achten wir auf die Details des Porträts: „Sein Mund ... hatte immer den Anschein eines Lächelns“; „heller, kalter“ Look. Zur Zeit Kartenspiel Nikolai Rostow fühlt sich unwiderstehlich zu „breitknochigen, rötlichen Armen, deren Haare unter seinem Hemd sichtbar sind“ hingezogen. „Der Anschein eines Lächelns“, „kalter Blick“, räuberische, gierige Hände – Details, die das grausame, unerbittliche Auftreten eines der maskierten Menschen darstellen.

Ein dynamisches Detail: ein Blick, eine Geste, ein Lächeln (normalerweise in Form einer allgemeinen Definition oder einer partizipativen Adverbialphrase) – zeigt dem Leser den Geisteszustand oder die augenblickliche innere Bewegung des Helden an:

„Als Rostov Sonya im Wohnzimmer traf, errötete er. Er wusste nicht, wie er mit ihr umgehen sollte. Gestern küssten sie sich in der ersten Minute der Freude über ihr Date, aber heute hatten sie das Gefühl, dass es unmöglich sei, dies zu tun; Er hatte das Gefühl, dass alle, sowohl seine Mutter als auch seine Schwestern, ihn fragend ansahen und erwarteten, dass er sehen würde, wie er sich ihr gegenüber verhalten würde. Er küsste ihre Hand und nannte sie „Du – Sonya“. Doch als sich ihre Blicke trafen, sagten sie „Du“ zueinander und küssten sich zärtlich. Sie bat mit ihrem Blick um Verzeihung dafür, dass sie es in Nataschas Botschaft gewagt hatte, ihn an sein Versprechen zu erinnern und dankte ihm für seine Liebe. Mit seinem Blick dankte er ihr für das Angebot der Freiheit und sagte, dass er auf die eine oder andere Weise nie aufhören würde, sie zu lieben, denn es sei unmöglich, sie nicht zu lieben.“

Die Methode, in die Psychologie des Charakters eines Kunstwerks einzudringen, ist interner Monolog– Reflexionen, Gedanken („zu sich selbst“), Sprache, Argumentation der Figur. Zum Beispiel die Gedanken von Pierre Bezukhov nach einem Duell mit Dolokhov:

„Er legte sich auf das Sofa und wollte einschlafen, um alles zu vergessen, was ihm passiert war, aber es gelang ihm nicht. In seiner Seele entstand ein solcher Sturm von Gefühlen, Gedanken und Erinnerungen, dass er nicht nur nicht schlafen konnte, sondern auch nicht still sitzen konnte und vom Sofa aufspringen musste mit schnellen Schritten Gehen Sie durch den Raum. Dann stellte er sich sie zum ersten Mal nach ihrer Heirat vor, mit offenen Schultern und einem müden, leidenschaftlichen Blick, und unmittelbar neben ihr stellte er sich das schöne, unverschämte und entschieden spöttische Gesicht Dolochows vor, wie es beim Abendessen gewesen war, und dasselbe Das Gesicht Dolochows war blass und zitternd, als er sich umdrehte und in den Schnee fiel.

Was ist passiert? – fragte er sich. - Ich tötete Liebhaber, ja, der Liebhaber seiner Frau. Ja, war es. Von was? Wie bin ich zu diesem Punkt gekommen? „Weil du sie geheiratet hast“, antwortete die innere Stimme.“

Ein Gedanke verursacht einen anderen; jedes wiederum erzeugt eine Kettenreaktion von Überlegungen, Schlussfolgerungen, neuen Fragen ...

Der Reiz suchender, denkender, zweifelnder Helden liegt gerade darin, dass sie leidenschaftlich verstehen wollen, was das Leben ist, was seine höchste Gerechtigkeit ist? Daher - die kontinuierliche Bewegung von Gedanken und Gefühlen, Bewegung als Kollision, Kampf („Dialektik“) verschiedener Entscheidungen. Die „Entdeckungen“, die die Helden machen, sind Schritte im Prozess ihrer spirituellen Entwicklung.

Die Dialektik geistiger Bewegungen spiegelt sich in Dialogen wider: Gesprächspartner unterbrechen sich gegenseitig, die Rede des einen verkeilt sich in die Rede des anderen – und so entsteht nicht nur eine natürliche Unterbrechung im Gespräch, sondern auch eine lebhafte Gedankenverwirrung.

Die Dialoge offenbaren entweder völliges gegenseitiges Verständnis (Pierre – Andrei; Pierre – Natasha, Natasha – ihre Mutter) oder eine Konfrontation von Gedanken und Gefühlen (Pierre – Helen; Pierre – Anatole; Prinz Andrei – Bilibin).

Und in Dialogen verwendet der Künstler oft eine unangemessen direkte Sprache, sodass die Haltung des Autors für den Leser völlig klar ist.

„Dialektik der Seele...“ – so nannte es N.G. Chernyshevsky zeigt den künstlerischen Stil von L. Tolstoi bei der Enthüllung der inneren Welt der Charaktere. „Dialektik der Seele“ bestimmt die komplexe syntaktische Struktur eines Satzes. Dem Künstler ist weder die Sperrigkeit eines Wortes oder Satzes noch die Weitläufigkeit des Ausdrucks peinlich. Für ihn geht es vor allem darum, alles, was er für notwendig hält, vollständig, vernünftig und erschöpfend auszudrücken.

7. Anton Pawlowitsch Tschechow

7.1 Dialoge von A.P. Tschechow

Dieses Merkmal von Tschechows Meisterschaft wurde übrigens von Kritikern nicht sofort verstanden – viele Jahre lang bestanden sie darauf, dass die Details in Tschechows Werken zufällig und unbedeutend seien. Natürlich hat der Autor selbst die Bedeutung seiner Details, Striche und künstlerischen Details nicht betont. Er mochte im Allgemeinen keine Betonung in irgendetwas; er schrieb nicht, wie man so sagt, kursiv oder in Entladung. Er sprach über viele Dinge wie nebenbei, aber es war „als ob“ – der springende Punkt ist, dass der Künstler nach seinen eigenen Worten auf die Aufmerksamkeit und Sensibilität des Lesers zählt.

Zu Beginn der Geschichte „Die Braut“ schildert die Autorin den schwierigen, deprimierten Zustand von Nadya Shumina am Vorabend der Hochzeit. Und er berichtet: „Aus dem Kellergeschoss, wo sich eine Küche befand, konnte man durch das offene Fenster hören, wie die Leute herumstürmten, mit Messern klopften, die Tür am Block zuschlugen, der Geruch von gebratenem Truthahn und eingelegten Kirschen …“ Es Es scheint, dass es sich hierbei um rein alltägliche Details handelte. Doch gleich weiter lesen wir: „Und aus irgendeinem Grund schien es, als würde es nun mein ganzes Leben lang so bleiben, ohne Veränderung, ohne Ende!“ Vor unseren Augen ist „Truthahn“ nicht mehr nur ein alltägliches Detail, sondern wird auch zum Symbol für ein wohlgenährtes, müßiges Leben „ohne Veränderung, ohne Ende“.

Dann wird ein Abendessen mit gesitteten und vulgären Gesprächen beschrieben. Und wenn Tschechow erwähnt: „Sie servierten einen großen, sehr fetten Truthahn“, wird dieses Detail nicht mehr als neutral oder zufällig wahrgenommen, es ist wichtig, um das Wohlbefinden und die Stimmung der Hauptfigur zu verstehen.

Eine ähnliche Note in der Geschichte „Die Dame mit dem Hund“ wirkt noch ausdrucksvoller. Gurow in Moskau schwelgt in Erinnerungen an Anna Sergejewna.

Als er eines Tages den Arztclub verlässt, beginnt er mit seinem Kartenpartner ein Gespräch über eine „charmante Frau“, die er in Jalta kennengelernt hat. Und als Antwort hört er: „Und gerade hattest du recht: Der Stör stinkt!“ Diese so alltäglichen Worte scheinen Gurov zu treffen und ihn plötzlich die Vulgarität und Sinnlosigkeit des Lebens, an dem er teilnimmt, spüren zu lassen.

Tschechows Detail ist zutiefst kein Zufall; es ist von der Atmosphäre des Lebens, der Lebensweise, der Lebensweise umgeben – wie dieser „fette Truthahn“ oder „stinkender Stör“. Der Künstler Tschechow verblüfft mit der Vielfalt der Tonalität der Erzählung, dem Reichtum der Übergänge von einer harten Nachbildung der Realität zu subtiler, zurückhaltender Lyrik, von leichter, subtiler Ironie bis hin zu markantem Spott.

Die Worte des Schriftstellers wurden zu einem beliebten Sprichwort: „Kürze ist die Schwester des Talents.“ In einem Brief an M. Gorki schrieb er: „Wenn eine Person die geringste Anzahl von Bewegungen für eine bestimmte Aktion aufwendet, dann ist das Gnade.“

Kürze und die Fähigkeit, mit wenigen Worten viel zu sagen, prägen alles, was aus Tschechows Feder stammt (mit Ausnahme einiger früher Erzählungen und des ersten Theaterstücks). Tschechows Werke sind poetisch elegant, innerlich verhältnismäßig und harmonisch; nicht umsonst nannte ihn Leo Tolstoi „Puschkin in Prosa“.

A.P. Tschechow ist der Erbe der besten Traditionen der russischen klassischen Literatur. Als Sohn Russlands, verbunden mit seinem Heimatland, mit der russischen Geschichte, Kultur, dem Leben mit dem ganzen Geist und der Struktur seiner Werke, ist Tschechow seit langem von der ganzen Welt anerkannt.

Der bescheidene Schriftsteller, völlig frei von eitler Eitelkeit, prophezeite sich ein kurzes Leben als Autor von Erzählungen, Romanen und Theaterstücken. Dennoch ist er immer noch modern und in seinem kreativen Porträt gibt es keine einzige Falte.

Er lebte nur wenige Jahre im 20. Jahrhundert, wurde aber zu einem der beliebtesten und meistgelesenen Schriftsteller unserer Zeit. Zusammen mit den Namen Tolstoi und Dostojewski erlangte der Name Tschechow bei der gesamten Menschheit Anerkennung.

Tschechow ist einer der Repertoire-Dramatiker der Welt. Er wird der Shakespeare unserer Zeit genannt. Es gibt keinen Kontinent, auf dem seine Theaterstücke und Varietés nicht aufgeführt werden. Und sein vielleicht wertvollstes Merkmal ist, dass er, von Millionen Menschen anerkannt, jedes Haus nicht als modische Berühmtheit, sondern als unersetzlicher Freund betritt.

7.2 Farbdetail bei Tschechow

Belikovs dunkle Brille („Man in a Case“) ist ein genaues, konkretes Bild: Eine dunkle Brille trennt den Menschen von allen Lebewesen, löscht alle Farben des Lebens aus. Die „dunkle Brille“ wird von weiteren äußeren Details begleitet: einem Regenmantel, einem Regenschirm, einem warmen Mantel mit Watte, einem grauen Wildlederetui für ein Taschenmesser; „Sein Gesicht war offenbar ebenfalls verhüllt, da er es immer wieder in seinem Stehkragen versteckte.“

Vasilys Porträtbeschreibung von Belikov hebt das relative Adjektiv Grau hervor – eine stumpfe, leblose Farbe, die mit Belikovs zwei konstanten Farbdefinitionen – blass und dunkel – kombiniert wird: dunkle Brille auf einem blassen Gesicht.

Der farbige Hintergrund (oder vielmehr seine Farblosigkeit) verstärkt die Bedeutung der Definitionen noch weiter: kleines, schiefes, schwaches Lächeln, kleines blasses Gesicht ...

Belikov ist jedoch kein erstarrtes Symbol, sondern ein lebendiges Gesicht. Und Belikovs lebhafte Reaktion auf Ereignisse wird erneut in Farben wiedergegeben, die die übliche Blässe seines Gesichts ersetzen. So wird er wütend, nachdem er eine Karikatur über den „verliebten Anthropos“ erhalten hat. Er wird grün, „dunkler als eine Wolke“, als er Varenka und ihren Bruder trifft, die auf Fahrrädern Rennen fahren. Der empörte Belikov „wandelte sich von Grün zu Weiß“...

Die Geschichte „Ionych“ ist wegen ihres Mangels an Farbe interessant. Zum Beispiel wandte sich Startsev an die Türken und verliebte sich in deren Tochter. Aber alles bleibt farblos oder dunkel: dunkle Blätter im Garten, „es war dunkel“, „im Dunkeln“, „dunkles Haus“ ...

Wassili, in dieser dunklen Reihe gibt es noch andere Farben. Zum Beispiel: „Ekaterina Ivanovna, rosa vor Anspannung, spielt Klavier“ – rosa nur vor körperlicher Anspannung. In dem blauen Umschlag schickte Kotiks Mutter einen Brief an Startsev, in dem sie ihn aufforderte, zu ihnen, den Turkinim, zu kommen. Gelber Friedhofssand, gelbes und grünes Geld, mit dem Doktor Startsev seine Taschen stopft. Und im Finale der rundliche, gutaussehende Ionych und sein Kutscher, ebenfalls fett, rot mit fleischigem Nacken ...

Dies sind die „sprechenden“ Farben von Tschechows Text, die dem Leser helfen, die Bedeutung und Bedeutung des literarischen Textes tiefer zu spüren.

Daher kann ich zum Abschluss meiner Arbeit sagen, dass die Rolle des Details in der russischen Literatur von großer Bedeutung ist und dass der Leser beim Studium von Kunstwerken der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts den verschiedenen so viel Aufmerksamkeit wie möglich schenken sollte Elemente der Beschreibung des Innenraums, der Kleidung, der Gestik und der Mimik des Helden.

Ich glaube, dass künstlerische Details in Werken uns manchmal etwas verraten, worüber der Autor nicht direkt schreibt, sondern es dem Leser vermitteln möchte, sodass ein Detail mehr sagen kann als das, was offen gesagt wird.

Referenzliste

1. I.S. Turgenev „Väter und Söhne“

2. F.M. Dostojewski „Verbrechen und Strafe“

3. A.P. Tschechow „Die Braut“, „Der Kirschgarten“, „Mann im Koffer“, „Dame mit Hund“

4. Literarisches Nachschlagewerk

5. Yu.N. Tynyanov „Poetik“, „Geschichte der Literatur“.

6. M. N. Boyko „Lyrics of Nekrasov“.

7. L. N. Tolstoi „Krieg und Frieden“

Das Bild der dargestellten Welt besteht aus Individuen künstlerische Details. Unter künstlerischem Detail verstehen wir das kleinste bildliche oder ausdrucksstarke künstlerische Detail: ein Element einer Landschaft oder eines Porträts, ein einzelnes Ding, eine Handlung, eine psychologische Bewegung usw. Als Element des künstlerischen Ganzen ist das Detail selbst das kleinste Bild , ein Mikrobild. Gleichzeitig ist ein Detail fast immer Teil eines größeren Bildes; es wird durch Details gebildet, die „Blöcke“ bilden: zum Beispiel die Angewohnheit, beim Gehen die Arme nicht zu schwingen, dunkle Augenbrauen und Schnurrbärte mit helles Haar, Augen, die nicht lachten – all diese Mikrobilder bilden einen „Block“ eines größeren Bildes – ein Porträt von Petchorin, das wiederum zu einem noch größeren Bild verschmilzt – einem ganzheitlichen Bild einer Person.

Zur einfacheren Analyse können künstlerische Details in mehrere Gruppen unterteilt werden. Details stehen an erster Stelle extern Und psychologisch.Äußere Details veranschaulichen uns, wie der Name schon vermuten lässt, die äußere, objektive Existenz des Menschen, sein Aussehen und seinen Lebensraum. Äußere Details wiederum werden in Porträt, Landschaft und Material unterteilt. Psychologische Details bilden für uns die innere Welt eines Menschen ab; dabei handelt es sich um einzelne mentale Bewegungen: Gedanken, Gefühle, Erfahrungen, Wünsche usw.

Äußere und psychologische Details sind nicht durch eine unüberwindbare Grenze getrennt. So wird ein äußeres Detail psychologisch, wenn es bestimmte mentale Bewegungen vermittelt, ausdrückt (in diesem Fall handelt es sich um ein psychologisches Porträt) oder in den Gedanken- und Erlebnisverlauf des Helden eingebunden wird (zum Beispiel eine echte Axt und das Bild von diese Axt in Raskolnikows Seelenleben).

Die Art des künstlerischen Einflusses ist unterschiedlich Details-Details Und Symboldetails. Details agieren massenhaft und beschreiben ein Objekt oder Phänomen von allen erdenklichen Seiten; ein symbolisches Detail ist einzigartig und versucht, die Essenz des Phänomens auf einmal zu erfassen und das Wesentliche darin hervorzuheben. In diesem Zusammenhang schlägt der moderne Literaturkritiker E. Dobin vor, Details von Details zu trennen, da er glaubt, dass Details dem Detail künstlerisch überlegen sind. Allerdings ist es unwahrscheinlich, dass dies der Fall sein wird. Beide Prinzipien der Verwendung künstlerischer Details sind gleichwertig, jedes von ihnen ist an seinem Platz gut. Hier ist zum Beispiel die Verwendung von Details bei der Beschreibung des Innenraums in Plyushkins Haus: „Auf der Kommode ... befand sich eine Menge aller möglichen Dinge: ein Bündel fein beschriebener Zettel, bedeckt mit einem grünen Blatt Papier.“ Marmorpresse mit einem Ei darauf, eine Art altes, in Leder gebundenes Buch mit rotem Rand, eine Zitrone, alles ausgetrocknet, nicht mehr als eine Haselnuss hoch, ein kaputter Sessel, ein Glas mit etwas Flüssigkeit und drei Fliegen, bedeckt mit ein Brief, ein Stück Siegellack, ein Stück Lappen, das irgendwo aufgehoben wurde, zwei mit Tinte befleckte Federn, ausgetrocknet, wie im Verzehr, ein Zahnstocher, völlig vergilbt.“ Hier braucht Gogol genau viele Details, um den Eindruck der bedeutungslosen Geizigkeit, Kleinlichkeit und Erbärmlichkeit des Heldenlebens zu verstärken. Detail-Detail sorgt auch bei Beschreibungen der objektiven Welt für besondere Überzeugungskraft. Auch komplexe psychische Zustände werden mit Hilfe von Details vermittelt, hier ist dieses Prinzip der Detailnutzung unabdingbar. Ein symbolisches Detail hat seine Vorteile: Es ist praktisch, den Gesamteindruck eines Objekts oder Phänomens auszudrücken, und mit seiner Hilfe wird der allgemeine psychologische Ton gut erfasst. Ein symbolisches Detail vermittelt oft mit großer Klarheit die Einstellung des Autors zum Dargestellten – so zum Beispiel Oblomows Gewand in Gontscharows Roman.

Kommen wir nun zu einer konkreten Betrachtung der Vielfalt künstlerischer Details.

Beginnen wir mit den Eigenschaften der abgebildeten Welt. Unter der in einem Kunstwerk dargestellten Welt versteht man das Bild der Realität, das der realen Welt, die der Autor zeichnet, bedingt ähnlich ist: Menschen, Dinge, Natur, Handlungen, Erfahrungen usw.

In einem Kunstwerk entsteht ein Modell der realen Welt. Dieses Modell ist in den Werken jedes Autors einzigartig; Die dargestellten Welten in verschiedenen Kunstwerken sind äußerst vielfältig und können der realen Welt mehr oder weniger ähnlich sein.

Aber auf jeden Fall sollten wir uns daran erinnern, dass wir eine vom Autor geschaffene künstlerische Realität vor uns haben, die nicht mit der primären Realität identisch ist.

Das Bild der dargestellten Welt setzt sich aus einzelnen künstlerischen Details zusammen. Unter künstlerischem Detail verstehen wir das kleinste bildliche oder ausdrucksstarke künstlerische Detail: ein Element einer Landschaft oder eines Porträts, eine separate Sache, eine Handlung, eine psychologische Bewegung usw.

Als Element eines künstlerischen Ganzen ist ein Detail für sich das kleinste Bild, ein Mikrobild. Gleichzeitig ist das Detail fast immer Teil eines größeren Bildes; Es wird durch Details geformt, die „Blöcke“ bilden: So die Angewohnheit, beim Gehen die Arme nicht zu schwingen, dunkle Augenbrauen und Schnurrbärte mit blonden Haaren, Augen, die nicht lachen – all diese Mikrobilder bilden einen „Block“ eines Größeren Bild - das Porträt von Petschorin, das wiederum zu einem noch größeren Bild verschmilzt - einem ganzheitlichen Bild einer Person.

Zur einfacheren Analyse können künstlerische Details in mehrere Gruppen unterteilt werden. Zunächst werden äußere und psychologische Details hervorgehoben. Äußere Details veranschaulichen uns, wie der Name schon vermuten lässt, die äußere, objektive Existenz des Menschen, sein Aussehen und seinen Lebensraum.

Äußere Details wiederum werden in Porträt, Landschaft und Material unterteilt. Psychologische Details bilden für uns die innere Welt eines Menschen ab; dabei handelt es sich um einzelne mentale Bewegungen: Gedanken, Gefühle, Erfahrungen, Wünsche usw.

Äußere und psychologische Details sind nicht durch eine unüberwindbare Grenze getrennt. So wird ein äußeres Detail psychologisch, wenn es bestimmte mentale Bewegungen vermittelt, ausdrückt (in diesem Fall handelt es sich um ein psychologisches Porträt) oder in den Gedanken- und Erlebnisverlauf des Helden eingebunden wird (zum Beispiel eine echte Axt und das Bild von diese Axt in Raskolnikows Seelenleben).

Je nach Art des künstlerischen Einflusses werden Details-Details und Details-Symbole unterschieden. Details agieren massenhaft und beschreiben ein Objekt oder Phänomen von allen erdenklichen Seiten; ein symbolisches Detail ist einzigartig und versucht, die Essenz des Phänomens auf einmal zu erfassen und das Wesentliche darin hervorzuheben.

In diesem Zusammenhang schlägt der moderne Literaturkritiker E. Dobin vor, Details von Details zu trennen, da er glaubt, dass Details dem Detail künstlerisch überlegen sind. Allerdings ist es unwahrscheinlich, dass dies der Fall sein wird. Beide Prinzipien der Verwendung künstlerischer Details sind gleichwertig, jedes von ihnen ist an seinem Platz gut.

Hier ist zum Beispiel die Verwendung von Details bei der Beschreibung des Innenraums in Plyushkins Haus: „Auf der Kommode ... befand sich eine Menge aller möglichen Dinge: ein Bündel fein beschriebener Zettel, bedeckt mit einem grünen Blatt Papier.“ Marmorpresse mit einem Ei darauf, eine Art altes, in Leder gebundenes Buch mit rotem Rand, eine Zitrone, ganz ausgetrocknet, nicht größer als eine Haselnuss, ein kaputter Sessel, ein Glas mit etwas Flüssigkeit und drei Fliegen, bedeckt mit einem Brief, ein Stück Siegellack, ein irgendwo aufgehobenes Stück Lappen, zwei Federn, mit Tinte befleckt, ausgetrocknet, wie im Schwinden, ein Zahnstocher, völlig vergilbt.“

Hier braucht Gogol genau viele Details, um den Eindruck der bedeutungslosen Geizigkeit, Kleinlichkeit und Erbärmlichkeit des Heldenlebens zu verstärken.

Detail-Detail sorgt auch bei Beschreibungen der objektiven Welt für besondere Überzeugungskraft. Auch komplexe psychische Zustände werden mit Hilfe von Details vermittelt, hier ist dieses Prinzip der Detailnutzung unabdingbar.

Ein symbolisches Detail hat seine Vorteile: Es ist praktisch, den Gesamteindruck eines Objekts oder Phänomens auszudrücken, und mit seiner Hilfe wird der allgemeine psychologische Ton gut erfasst. Ein symbolisches Detail vermittelt oft mit großer Klarheit die Einstellung des Autors zum Dargestellten – so zum Beispiel Oblomows Gewand in Gontscharows Roman.

Kommen wir nun zu einer konkreten Betrachtung der Vielfalt künstlerischer Details.

Esin A.B. Prinzipien und Techniken zur Analyse eines literarischen Werks. - M., 1998

KÜNSTLERISCHES DETAIL – ein Mikroelement eines Bildes (Landschaft, Innenraum, Porträt, dargestellte Dinge, Handlung, Verhalten, Tat usw.), mit höherer Wert Inhalte auszudrücken als andere Mikroelemente. Die figurative Welt eines Werkes (siehe: Inhalt und Form) entsteht in unterschiedliche Grade detailliert. So ist Puschkins Prosa äußerst spärlich detailliert, das Hauptaugenmerk liegt auf der Handlung. „In diesem Moment rannten die Rebellen auf uns zu und brachen in die Festung ein. Die Trommel verstummte; die Garnison ließ ihre Waffen zurück; Ich wurde umgehauen, aber ich stand auf und betrat zusammen mit den Rebellen die Festung“ – das ist praktisch die vollständige Beschreibung des Angriffs in „The Captain’s Daughter“. Lermontovs Prosa ist viel ausführlicher. Darin enthüllen selbst materielle Details vor allem die Charaktere und die Psychologie der Charaktere (zum Beispiel Gruschnizkis dicker Soldatenmantel, der Perserteppich, den Petschorin gekauft hat, um Prinzessin Maria zu ärgern). Gogols Details konzentrieren sich mehr auf das Alltagsleben. Essen bedeutet viel: Die Speisekarte von „Dead Souls“ ist viel reichhaltiger als die Speisekarte von „A Hero of Our Time“ – im Verhältnis zur Aufmerksamkeit, die die Charaktere ihr hier und da widmen. Gogol achtet auch mehr auf die Innenräume, Porträts und Kleidung seiner Helden. Sehr ausführlich im Detail I.A. Goncharov, I.S. Turgenjew.

F.M. Dostojewski, noch mehr als Lermontow, konzentrierte sich auf die psychologischen Erfahrungen der Charaktere und bevorzugt relativ wenige, aber einprägsame, ausdrucksstarke Details. Das sind zum Beispiel Raskolnikows allzu auffälliger alter runder Hut oder Raskolnikows blutige Socke. L.N. Tolstoi verwendet in einem so umfangreichen Werk wie „Krieg und Frieden“ Leitmotive – Details, die sich an verschiedenen Stellen im Text wiederholen und variieren, die Bilder „befestigen“, die durch andere figurative Ebenen unterbrochen werden. So stechen beim Aussehen von Natasha und Prinzessin Marya die Augen oft hervor und beim Aussehen von Helen nackte Schultern und ein ständiges Lächeln. Dolokhov verhält sich oft unverschämt. In Kutuzov wird die Schwäche mehr als einmal betont, sogar im ersten Band, d.h. Im Jahr 1805, als er noch nicht zu alt war (eine seltene Übertreibung bei Tolstoi, allerdings implizit), herrschte bei Alexander I. die Liebe zu allen möglichen Effekten, bei Napoleon Selbstvertrauen und Haltung.

Es ist detailliert, um mit Details zu kontrastieren (in Plural) – langwierige statische Beschreibungen. A.P. Tschechow ist ein Meister des Details (Chryukins hundegebissener Finger, Ochumelovs Mantel in „Chamäleon“, Belikovs „Fälle“, Dmitry Ionych Startsevs wechselnder Körperbau und Sprechstil, die natürliche Anpassungsfähigkeit des „Lieblings“ an die Interessen derer, denen er gegenübersteht sie widmet ihre ganze Aufmerksamkeit), aber er ist ein Feind der Details, er scheint, wie impressionistische Künstler, mit kurzen Strichen zu malen, die sich jedoch zu einem einzigen ausdrucksstarken Bild zusammenfügen. Gleichzeitig lädt Tschechow nicht jedes Detail mit einer direkten Bedeutungsfunktion auf, was den Eindruck völliger Freiheit seiner Art erweckt: Chervyakovs Nachname in „Tod eines Beamten“ ist bedeutungsvoll, „sprechend“, sein Vor- und Vatersname hingegen schon gewöhnlich, zufällig - Ivan Dmitrich; Im Finale von „Der Student“ dachte Ivan Velikopolsky an die Episode mit dem Apostel Petrus am Feuer, an die Wahrheit und Schönheit, die das menschliche Leben damals und im Allgemeinen zu allen Zeiten leitete – er dachte „als er den Fluss überquerte.“ eine Fähre und schaute dann beim Aufstieg auf den Berg sein Heimatdorf an ...“ – der Ort, an dem wichtige Gedanken und Gefühle zu ihm kommen, hat keinen entscheidenden Einfluss auf sie.

Aber grundsätzlich ist ein künstlerisches Detail unmittelbar bedeutsam, es „steht“ etwas dahinter. Held von „Clean Monday“ I.A. Bunina, der nicht weiß, dass seine Geliebte eines Tages verschwinden wird, wird die Welt verlassen und bemerkt sofort, dass sie ganz in Schwarz gekleidet ist. Sie wandern um den Nowodewitschi-Friedhof herum, die Heldin betrachtet mit Emotionen die Fußabdrücke, „die neue schwarze Stiefel im Schnee hinterlassen haben“, sie drehte sich plötzlich um und spürte es:

Es ist wahr, wie du mich liebst! - sagte sie mit leiser Verwirrung und schüttelte den Kopf.“ Hier ist alles wichtig: sowohl die wiederholte Bezugnahme auf die Farbe Schwarz als auch die Definition, die zum Beinamen „neu“ wird (es war üblich, die Toten in allem Neuen zu begraben, und die Heldin bereitet sich darauf vor, sich wie lebendig zu begraben und geht schließlich über den Friedhof); die Gefühle und Vorahnungen beider verstärken sich, aber er liebt einfach, und sie wird von einem Komplex komplexer Emotionen erfasst, unter denen die Liebe nicht die Hauptsache ist, daher die Verwirrung über seine Gefühle und das Kopfschütteln, was insbesondere bedeutet, Uneinigkeit mit ihm, die Unmöglichkeit für sie, so zu sein wie er.

Die Rolle der Details in „Vasily Terkin“ AT ist sehr wichtig. Tvardovsky, Geschichten von A.I. Solschenizyns „Ein Tag im Leben von Iwan Denissowitsch“ und „Matrenins Dvor“, „Militär“- und „Dorf“-Prosa: An der Front, im Lager, in einem armen Dorf gibt es wenige Dinge, jedes wird geschätzt. In „Abschied von Matera“ V.G. Rasputin, alles, was die Bewohner der zu überflutenden Insel während ihres langen, fast dauerhaften Lebens auf ihr gewohnt waren, war wie zum letzten Mal zu sehen.

In der Geschichte von V.M. Shukshin „Cut“ zur alten Frau Agafya Zhuravleva, sein Sohn und seine Frau, beide Kandidaten der Naturwissenschaften, kamen mit dem Taxi zu Besuch. „Agafya bekam einen elektrischen Samowar, ein buntes Gewand und Holzlöffel.“ Die Art der Geschenke, die für die alte Frau aus dem Dorf völlig unnötig sind, deutet darauf hin, dass der Kandidat der philologischen Wissenschaften nun sehr weit von der Welt seiner Kindheit und Jugend entfernt ist, sie nicht mehr versteht und fühlt. Er und seine Frau sind keineswegs schlechte Menschen, aber der bösartige Gleb Kapustin hat den Kandidaten „geschnitten“, wenn auch demagogisch, aber den Männern zufolge gründlich. Aus Unwissenheit bewundern die Männer den „gemeinen“ Gleb und lieben ihn dennoch nicht, da er grausam ist. Gleb ist eher ein negativer Held, Konstantin Schurawlew eher ein positiver, ein unschuldiges Opfer in der allgemeinen Meinung, aber die Details in der Darstellung der Geschichte zeigen, dass dies teilweise kein Zufall ist.

So wie ein großes Mosaikbild aus Mosaikstücken besteht, so setzt sich ein weitläufiges Ganzes aus literarischem Charakter, Erzählung und Beschreibung aus künstlerischen Details und Einzelbildern zusammen. Wenn dieser Vergleich lahm ist, dann nur in dem Sinne, dass in der Mosaikkomposition das „mechanische“ Prinzip der Addition (das Ganze aus „Stücken“) immer noch spürbar ist und die Grenzen der Teile leicht erkennbar sind. In einem verbalen Kunstwerk hingegen sind kleine Details innerhalb eines großen figurativen Ganzen durch eine organische Verbindung verbunden, die auf natürliche Weise ineinander „fließt“, so dass nur ein aufmerksamer „Peer“ es einem ermöglicht, die Umrisse einzelner Mikrostrukturen zu erkennen.

Und für die ästhetische Wahrnehmung von Details ist noch eine weitere Voraussetzung erforderlich: Sie müssen das Charakteristische und Individuelle in der Realität, die Vollständigkeit und das Besondere schätzen Live Spiel Leben auch in seinen kleinen Erscheinungsformen. Ein Detail ist natürlich ein Detail im Bild des Ganzen, aber nicht jedes Detail ist ein Detail, sondern nur das, was mit der Energie des individuellen Sehens gesättigt ist. In dem, was ein gleichgültiger Blick vorbeigleitet, sieht das scharfe Auge eines Künstlers nicht nur eine Manifestation der unendlichen Vielfalt des Lebens (schließlich spüren wir das mit den Jahren nicht mehr), sondern auch solche Details, in denen eine Sache, ein Phänomen Manchmal wendet sich eine Figur uns mit ihrer bedeutendsten Seite zu.

Offensichtlich erfordert dies nicht nur die Gabe einer besonderen Beobachtungsgabe, nicht nur die besondere Schärfe des äußeren Sehens, sondern auch die Einsicht und Kraft des inneren Sehens, eine erhöhte Sensibilität der Seele. Deshalb empfinden wir ein richtig und präzise gefundenes Detail als eine kleine Entdeckung (insbesondere in der Poesie), die Freude hervorruft, als ob die naive und glückselig hellseherische „Vision“ der Kindheit unerwartet zu uns zurückgekehrt wäre.

Dass hierfür eine besondere Fähigkeit erforderlich ist, die den wichtigsten Bestandteil künstlerischer Begabung darstellt, wird durch die Bekenntnisse großer Wortkünstler bestätigt. Ivan Bunin schrieb, dass die Natur ihm eine besondere Gabe des „zehnfachen“ Sehens und des „zehnfachen Hörens“ gegeben habe.

Afanasy Fet gibt in seinen Memoiren zu, dass er seine anfangs begabte Beobachtungsgabe bewusst einsetzte und einsame Spaziergänge unternahm, bei denen es immer etwas zu essen für sie gab. Das Leben der Natur in seinen kleinen, halb wahrnehmbaren Erscheinungsformen, ein geschäftiges Treiben von Ameisen, die einen Grashalm oder etwas Ähnliches schleppten, war für ihn unendlich unterhaltsam und erregte lange Zeit seine Aufmerksamkeit.

Dahinter steckt die Fähigkeit zur tiefen Kontemplation, die nur einem Künstler eigen ist (sei es ein Maler, ein Dichter oder ein Prosaschriftsteller). Dies ist eine besondere, kognitive Kontemplation, in der es laut A.F. Losev nicht mehr ein Subjekt und ein Objekt gibt, die in ihrer Trennung betrachtet werden, sondern sozusagen eine „Ehe“-Verschmelzung beider, die aus der Liebe entsteht (Nur darauf ist jede wahre Erkenntnis). Dies ist eine „interessierte“ Kontemplation, frei von den räuberischen Impulsen des Willens – der ewigen Quelle des Leidens. Deshalb ist der Dichter laut Schopenhauer das „klare Auge des Universums“.

Künstlerisches Detail im Liedtext

In einem lyrischen Gedicht sind oft ein Detail oder eine Kette von Details die Stützpunkte des Bildes. Manchmal bergen solche Details besondere assoziative Möglichkeiten, die unsere Vorstellungskraft anregen und sie dazu veranlassen, die Gesamtheit der lyrischen Situation zu „vervollständigen“, die nur durch flüchtige Striche umrissen wird. Seine objektive und psychologische Perspektive erweitert sich vor unseren Augen und dringt in die geheimnisvollen Tiefen des Lebens vor. Und jetzt blitzt manchmal das ganze Schicksal eines Menschen mit seiner verborgenen Tragödie vor unserem geistigen Blick auf.

Ein lyrisches Bild entsteht manchmal im Schoß eines einzelnen, leuchtenden Details. Es gibt noch nichts, kein Rhythmusmuster, keinen vagen Prototyp der Komposition, nur eine vage klingende „musikalische“ Welle quält die Fantasie des Dichters, und schon in diesem Nebel blitzt das lebendige Detail der Existenz mit hellem Licht auf und vereint das Äußere Welt und die innere Welt. Manchmal beginnt damit die Bewegung des lyrischen Denkens, andere Details werden daran angepasst, der in ihnen enthaltene Ausdruck breitet sich über das gesamte lyrische Bild aus. Aber selbst wenn ein solches Detail nur ein Hauch eines „äußeren“ Bildes (z. B. einer lyrischen Landschaft) ist, enthält es auch hier eine poetische Überraschung, die unsere Wahrnehmung der Welt erfrischt.

Ein solches Detail dringt manchmal unauslöschlich in unser Lebensgefühl ein, so dass unsere Einstellung dazu ohne diese poetischen Entdeckungen nicht mehr denkbar ist. Unsere Wahrnehmung des Vorsturms ist zum Beispiel ohne Tyutchevs Details undenkbar: „Die grünen Felder sind grüner vor dem Gewitter“, „Der Duft ist heißer als Rosen.“ Die Stimme einer Libelle ist lauter. Tatsache ist, dass diese Details nicht nur die Schärfe von Tyutchevs poetischer Vision einfingen. In ihnen tritt, wenn man so will, ein bestimmtes reales Gesetz des Phänomens hervor: das Erwachen vor einem Gewitter des Impliziten, gedämpft im gewöhnlichen Klang und Aufblühen der Natur, einiger „ausgewählter“ Klänge und „ausgewählter“ Farben, die sein „Schicksal“ begleiten Protokoll."

Künstlerisches Detail von Ryleev und Puschkin

Ein in die Innenwelt gerichtetes Detail ist besonders beredt, wenn es ein lakonisches Bild einer augenblicklichen Bewegung enthält, in der unwillkürlich ein ganzheitliches Bild der Seele aufzutauchen scheint. Puschkin war von Ryleevs Zeilen im Gedicht „Voinarovsky“ begeistert:

Mazepa lächelte bitter,
Schweigend im Gras liegen
Und er hüllte sich in einen weiten Umhang.

Die äußere Geste des Helden ist hier beredter als viele Beschreibungen. Das künstlerische Echo dieses Details findet sich in Puschkins Darstellung Napoleons im Gedicht „Held“:

Er verschwindet regungslos.
Mit einem Kampfumhang bedeckt...

Im Gegensatz zu Ryleev verschärft Puschkin den Kontrast zwischen Unbeweglichkeit und dem Handlungsbedarf, der Napoleons Seele brennt. Der Kampfumhang des von der Folter des Friedens geplagten Anführers ist ein Detail, das durch seine tragische Tiefe verblüfft.

Künstlerisches Detail aus Turgenjew („Am Vorabend“)

In der Prosa kann ein solches künstlerisches Detail, das in einer unmittelbaren psychologischen Geste verwurzelt ist, als Teil einer ziemlich weitläufigen Beschreibung aufblitzen und in der Entwicklung eines Erlebnisses einen starken emotionalen Ausbruch markieren, der einer mentalen Krise gleichkommt. Im Roman „Am Vorabend“ schildert Turgenev Elenas immer größer werdende Ungeduld in Erwartung des letzten Treffens mit Insarov. Alles, was ihr in dieser Szene passiert, geschieht wie durch Trägheit. Sie findet keinen Platz für sich, übernimmt das eine oder andere und macht alles wie automatisch. Turgenjew schildert diese alles verzehrende Ungeduld der Seele, für die alles Vertraute definitiv seine Bedeutung verlieren würde, indem er die rhythmischen und intonatorischen Mittel zur Beeinflussung des Lesers erzwingt. Elena beginnt gierig die Zeit zu beschleunigen, und der Rhythmus von Turgenjews Rede spiegelt dieses Pulsieren des leeren, spurlosen Laufs der Zeit wider. In diesem Moment kommt es zu einem starken Verfall der Seele der Heldin. Die Stärke dieses Rückgangs entspricht der Stärke der Erwartung. Turgenjew enthüllt den Gedankengang der Heldin nicht weiter; er konzentriert sich nur auf die äußeren Erscheinungsformen des Sturms, der in ihrer Seele ausgebrochen ist. Nach dieser Ohnmacht, einem Strom von Tränen folgend, reift in Elena plötzlich eine Entscheidung, ein willensstarker Impuls, dessen Wesen ihr noch nicht klar ist. Und hier erscheint in einem reichen psychologischen Kontext eine äußere Geste, ein Detail, das die Transformation der Seele symbolisiert: „Sie stand plötzlich auf und setzte sich: Etwas Seltsames geschah in ihr: Ihr Gesicht veränderte sich, ihre feuchten Augen trockneten und leuchteten.“ von selbst, ihre Augenbrauen zogen sich nach unten, ihre Lippen schrumpften.

Dies ist der Höhepunkt eines komplexen mentalen Prozesses, und indem er einen scharfen und scheinbar unerwarteten Wendepunkt in der Seele darstellt, behält Turgenjew die Logik des Charakters genau und subtil bei. Schließlich ist seine Elena eine willensstarke und aktive Natur, und die Effektivität ihres Charakters fordert letztendlich ihren Tribut. Wie zuvor stürmt sie wie automatisch, noch nicht im Bewusstsein ihrer Tat, aber getrieben von einer unwiderstehlichen Kraft, die der Ruf des Willens ist, einem Ziel entgegen, das fast instinktiv, fast unbewusst an sich selbst erinnert. Und dieses Ziel ist es, Insarov um jeden Preis zu sehen.

Turgenev platziert selten, aber großflächig solch äußerst reiche psychologische Details im Bild. Die seiner Meinung nach übermäßigen psychologischen Details von Leo Tolstoi passten eindeutig nicht zu ihm.

Künstlerisches Detail bei Gogol

In der Geschichte der Literatur gibt es Künstler, die sich intensiv mit dem Leben der Dinge und den Eigenschaften der objektiven Welt, die die menschliche Existenz umgibt, befassen. Das waren Gogol und Goncharov. Mit seltener Einsicht antizipierte Gogol die Gefahr der völligen Verdinglichung des Menschen, ein Zeichen der kommenden Zivilisation, in der der Mensch nicht mehr so ​​sehr der Schöpfer und Herr der Dinge, sondern vielmehr ihr Sklave und gedankenloser Konsument ist. Bei Gogol wird ein objektives, materielles Detail manchmal sozusagen zum „Index“ der Seele und ersetzt diese spurlos. In seiner Bildfunktion ist es ein „Spiegel“, in dem sich die Figur widerspiegelt. Unter diesen Voraussetzungen wird ein besonderer Schwerpunkt auf die Detailliertheit gelegt: Für Gogol ist sie das wichtigste Mittel zur Darstellung der Welt und des Menschen. Von Puschkins Zurückhaltung im Umgang mit Details ist nichts zu spüren. Gogols Detaillierung ist demonstrativ reichhaltig: Hier verdrängen die Dinge den menschlichen Raum und zwar so sehr, dass kein Gefühl mehr für die Geräumigkeit des Lebens entsteht. Allerdings sehnen sich Gogols Figuren, die untrennbar mit dieser materialisierten Realität verschmolzen sind, nicht mehr nach diesem Raum. Für sie hat der Alltag die Existenz für immer verdeckt.

Das „Schiff“ von Gogols Handlung in „Dead Souls“ zum Beispiel segelt mitten in einem riesigen „Ozean“ von Dingen. Die materielle Welt ist hier manchmal verdichtet, manchmal etwas spärlich, aber auf jeden Fall so groß, dass Gogol in dieser Hinsicht kaum mit einem der russischen Klassiker vergleichbar sein dürfte. Die gleiche dichte materielle Umgebung umgibt (noch früher) die Charaktere in Mirgorod und Petersburg Tales. Wo es eine Fülle objektiver Details gibt, schwächt sich die Spezifität jedes Einzelnen etwas ab, aber es ist die Gesamtheit der Dinge, die eine besondere Bildkraft erhält – ein Spiegelsystem, in dem sich das tödliche Gesicht der Figur widerspiegelt. In der Leere der Existenz erlangt ein Ding eine fatale irrationale Macht über Gogols Helden. Bei Gogol behauptet es (das Ding), der Held zu sein, landet manchmal im Energiezentrum der Handlung und wird zur Quelle seiner Bewegung (die Waffe in „Die Geschichte, wie Iwan Iwanowitsch und Iwan Nikiforowitsch sich stritten“, ein Kinderwagen). , eine Deckschicht). Die materielle Welt ist die „Kruste des Irdischen“, die in Gogols Worten das „hohe Schicksal des Menschen“ zerstörte (Worte, die Gogol während seines Studiums am Nischyn-Gymnasium sprach).

Künstlerisches Detail aus Goncharov („Oblomov“)

Das materielle Detail in I. Goncharovs Roman „Oblomov“ führt ein anderes Leben. Das Themenumfeld ist hier sowohl dichter als auch geräumiger als irgendwo sonst in Goncharovs Werk, und in der Darstellung der Dinge kommen hier Gogols künstlerische Lehren zu deutlich zum Ausdruck. Aber hier kommt in seiner ganzen Offensichtlichkeit Goncharovs einzigartige Haltung gegenüber materiellen künstlerischen Details zum Vorschein. Goncharovs Verbindung zwischen Objekt und Charakter ist wärmer und inniger. Oblomovs Gewand, das eine eigene Handlungsgeschichte hat und die spirituelle Bewegung des Helden, seine Meilensteine ​​und Etappen symbolisch objektiviert, dieses Gewand ist natürlich in komischen Ausdruck gehüllt, aber es gibt keine Spur der Tragödie, die es begleitet, noch die groteske Skurrilität im Geiste Gogols.

Die Komik, die dieses Detail ausstrahlt, ist lächelnd traurig, sie ist völlig frei von satirischem Gift, ebenso wie die Haltung des Autors gegenüber dem Helden nichts mit irgendeiner Offenbarung gemein hat. Oblomows Bindung an das Gewand ist fast reflexiv und charakterisiert nicht nur Oblomows Faulheit, sondern auch das Bedürfnis nach Weite und Raum, selbst in alltäglichen Erscheinungsformen beider. Es ist wichtig zu verstehen, dass es sich hierbei um ein Gewand „ohne einen Hauch von Europa“ handelt, und auf die Gefahr hin, in komischen Ernst zu verfallen, kann man dennoch sagen, dass es eine Abneigung gegen jegliche Regulierung und rein äußerlich gutes Aussehen darstellt, die zu einem gesteigert wird Kult, aber gleichzeitig natürlich. und die Exzesse des östlichen Quietismus, die Gefangenschaft der Kontemplation, die Unterdrückung des Willens. Schließlich spiegelt Goncharovs Detaillierung die Anziehungskraft des Autors auf eine starke Lebensweise wider, auf die traditionellen Grundlagen des russischen Lebens, die durch die karikaturhaft absurden und räuberischen Leidenschaften der Zeit, den Schaum und Abschaum des Nihilismus, untergraben wurden. Deshalb ist die objektive Welt von Großmutter Berezhkovas „edlem Nest“ in „The Precipice“ von der Poesie des russischen Lebens bedeckt, durchdrungen vom warmen Glanz der Familienliebe für die ganze Welt.

Künstlerisches Detail von Tschechow

In künstlerischen Stilen, die zu kleinen Erzählformen tendieren, gibt es eine andere Haltung gegenüber thematischen Details. Es ist klar, dass auf dieser künstlerischen Grundlage nicht so verschwenderisch mit Details umgegangen wird wie in einem großen Epos. „Er hat nie unnötige Details“, sagte L. N. Tolstoi über A. P. Tschechow (laut A. V. Goldenweiser), „jedes ist entweder notwendig oder schön.“ Der Lakonismus und die Konzentration der Bedeutung in Tschechows inhaltlichen Details sind so groß, dass Details eine umfassende Beschreibung ersetzen können. In diesem Sinne liegen Treplevs Worte über Trigorins Stil („Die Möwe“) nahe: „Der Hals einer zerbrochenen Flasche leuchtet auf seinem Damm und der Schatten eines Mühlrads wird schwarz – jetzt ist die Mondnacht bereit …“ – naheliegend zu Tschechows Detailbehandlung. Aber sie als unbedingte Regel, als Prinzip des Tschechow-Stils, das Abweichungen ausschließt, aufzufassen, wäre leichtsinnig. Es genügt, sich an die weitläufigen Landschaftsbeschreibungen im „Haus mit Zwischengeschoss“, im „Schwarzen Mönch“, im „Student“ usw. zu erinnern, und es wird deutlich, dass die Bandbreite der Abweichungen von Trigorins „Kanon“ sehr umfangreich ist . Eine detaillierte Beschreibung, die angesichts der Verdichtung und Konzentration der Formen riskant erscheint, wird bei Tschechow leicht und organisch mit der Symbolisierung des Details kombiniert, wie die Komposition der Geschichte „Student“ überzeugt. Vor dem Hintergrund einer recht großzügigen Landschaftsbeschreibung sticht hier ein Detail hervor, das die „Kraftlinien“ des Ganzen auf sich zieht – das „Feuer“. Dieses Detail regte die Fantasie des Helden an und ließ in seiner Erinnerung die Episode der Evangeliumsnacht im Garten Gethsemane wieder auferstehen. Es verbindet die zeitlichen Schichten des Bildes und schlägt eine Brücke von der Vergangenheit in die Gegenwart.