La photographe américaine la plus controversée est la célèbre Sally Mann. La photographe américaine la plus controversée est la célèbre Sally Mann Photos de Sally Mann voir tout

04.07.2020

petite enfance et éducation

En mai 2011, elle a organisé une série de conférences Massey de trois jours à Harvard. En juin 2011, Mann s'est entretenue avec l'une de ses contemporaines, Nan Goldin, au festival de photographie LOOK3 Charlottesville. Deux photographes ont évoqué leur carrière, notamment la manière dont la photographie vie privée est devenu une source de controverse professionnelle. Cela a été suivi d'une apparition à la Michigan State University, dans le cadre de la série Penny W. Stamp Lectures.

Le neuvième livre de Manne, Move : un mémoire avec des photos, sorti le 12 mai 2015, est une fusion d'un mémoire de sa jeunesse, d'une exploration de certaines des influences majeures de sa vie et d'une réflexion sur la façon dont les photographies façonnent la compréhension du monde. Il est complété par de nombreuses photographies, lettres et autres souvenirs. Elle met en lumière son enfance « presque bestiale » et son introduction ultérieure à la photographie à Putney, sa relation avec son mari depuis 40 ans et la mort mystérieuse de ses parents, et la nostalgie de son parent maternel gallois pour la terre se transformant en son amour pour sa terre. dans la vallée de Shenandoah, comme certaines de ses influences importantes. Go-Go, la femme noire qui était le parent de substitution qui a ouvert les yeux de Mann sur les relations précipitées et l'exploitation, sa relation avec l'artiste local Soy Twombly et l'héritage distingué du Sud de son père et sa mort éventuelle sont également explorés. New York Times l'a décrit comme "un classique parmi les souvenirs du Sud des 50 dernières années". L'article de Mann adapté de ce livre est paru avec des photographies dans Le magazine du New York Times en avril 2015 se déplacer a été finaliste pour le National Book Award 2015.

Dixième livre de Mann, Lumière rappelée : Cy Twombly à Lexington a été publié en 2016. Il s'agit d'un regard photographique sur Cy Twombly dans son studio de Lexington. Il a été publié en même temps qu'une exposition de photographies en couleur et en noir et blanc à la galerie Gagosian. Cela montre le débordement du mode opératoire global de Twombly : que des résidus, des frottis et des taches, ou, comme le disait Simon Schama dans son article au début du livre, « l'absence devenue présence ».

Onzième Livre de Mann, Sally Mann : Mille croix, de Sarah Greenough et Sarah Nursery, est une vaste collection (320 pages) d'œuvres s'étalant sur 40 ans, avec 230 photographies de Mann. Il a servi de catalogue pour une exposition à la National Gallery of Art intitulée Sally Mann : Mille croix, qui a ouvert ses portes le 4 mars 2018 et a été la première grande enquête sur le travail de l'artiste à voyager à l'international.

Dans ses derniers projets, Mann a commencé à explorer les questions de race et l'héritage de l'esclavage, qui étaient un thème central de ses mémoires. se déplacer. Ils comprennent une série de portraits d'hommes noirs, tous réalisés lors de séances d'une heure en studio avec des modèles qui lui étaient jusqu'alors inconnus. Mann a été inspiré par l'utilisation par Bill T. Jones du poème de Walt Whitman de 1856 « The Body Poem » dans son art, et Mann « a emprunté l'idée, en utilisant le poème comme modèle pour [sa] propre exploration de ce corps ». leurs travaux ont été présentés dans le magazine Aperture Foundation à l'été 2016, et ils sont également apparus dans Mille mouvements. Ce livre et cette exposition présentaient également une série de photographies d'églises historiques afro-américaines photographiées sur film expiré, ainsi qu'une série de photographies ferrotypes d'un marais qui servait de refuge aux esclaves fugitifs. Certains critiques voient le travail de Mann comme un examen approfondi de l'héritage de la violence blanche dans le Sud, tandis que d'autres ont exprimé leur inquiétude quant au fait que le travail de Mann soit parfois répétitif plutôt qu'une critique des tropes de la suprématie blanche et de la violence dans le Sud-Est américain.

Vie privée

Mann, née et élevée en Virginie, était la fille de Robert Munger et Elizabeth Munger. Dans l'introduction de Manna à son livre Famille proche, elle "exprime les souvenirs puissants d'une femme noire, Virginia Carter, qui a supervisé son éducation plutôt que celle de sa propre mère". Elizabeth Munger n'avait pas été là pendant une grande partie de la vie de Mann et a dit à Elizabeth "Sally me ressemble peut-être, mais à l'intérieur, elle est l'enfant de son père." Virginia (gee-gee) Carter, née en 1894, a élevé Mann et ses deux frères et était une femme merveilleuse. « Resté avec six enfants et le système éducation publique"Pour lequel elle a payé des impôts, mais qui a interdit les cours aux enfants noirs au-delà de la septième année, Gee-Gee a réussi d'une manière ou d'une autre à envoyer chacun d'eux hors de l'État dans des internats et, finalement, à l'université." Virginia Carter est décédée en 1994.

En 1969, Sally Mann rencontre Larry et ils se marient en 1970. Larry Mann est avocat et, avant de pratiquer le droit, il était forgeron. Larry a reçu un diagnostic de dystrophie musculaire vers 1996. Ils vivent ensemble dans une maison qu'ils ont construite sur la ferme familiale de Sally à Lexington, en Virginie.

Ils ont trois enfants : Emmett (né en 1979), qui s'est suicidé en 2016, après un accident de voiture mettant sa vie en danger et une bataille ultérieure contre la schizophrénie, et qui, pendant un certain temps, a servi dans le Peace Corps ; Jessie (née en 1981), elle-même artiste et doctorante en neurobiologie, et dont les héros incluent Helen Keller, Martin Luther King Jr. et Madonna ; et Virginia (née en 1985), aujourd'hui avocate.

Elle est passionnée par les courses d'endurance. En 2006, son cheval arabe a subi un anévrisme alors qu'elle chevauchait avec lui. Dans l'agonie du cheval, Manna a été projetée à terre, le cheval s'est retourné sur elle et l'impact l'a brisée. Il lui a fallu deux ans pour se remettre de l'accident et pendant ce temps, elle a réalisé une série d'autoportraits ambrotypes. Ces autoportraits ont été exposés pour la première fois en novembre 2010 au Virginia Museum of Fine Arts dans le cadre de Sally Mann : chair et esprit .

confession

Son travail fait partie des collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, de la National Gallery of Art, du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, du Museum of Fine Arts de Boston, du San Francisco Museum of Modern Art et du Whitney Museum de New York. parmi beaucoup d'autres.

Le magazine Time a nommé Mann « Meilleur photographe d'Amérique » en 2001. Les photographies qu'elle a prises sont apparues en couverture. Le magazine du New York Times deux fois: Premièrement, un tableau de ses trois enfants pour le numéro du 27 septembre 1992 avec un feuilleton sur son « œuvre inquiétante », et encore le 9 septembre 2001, avec un autoportrait (qui comprenait également ses deux filles) pour le numéro avec la thème "Les femmes regardent les femmes".

Mann a fait l'objet de deux documentaires. Les premiers Les liens du sang, a été réalisé par Steve Cantor, a fait ses débuts au Sundance Film Festival en 1994 et a été nominé pour l'Oscar du meilleur court métrage documentaire. Deuxièmement, ce qui resteégalement réalisé par Stephen Cantor. Créé au Sundance Film Festival 2006 et nominé pour un Emmy du meilleur documentaire en 2008. New York Times Commentant le film, Ginia Bellafant a écrit : « C'est l'un des portraits les plus délicieusement intimes, non seulement du processus artistique, mais aussi du mariage et de la vie, à apparaître à la télévision en Dernièrement «.

Mann a reçu un doctorat honorifique en beaux-arts du Corcoran College of Art + Design en mai 2006. La Royal Photographic Society (Royaume-Uni) lui a décerné une bourse honorifique en 2012.

Mann a remporté la médaille Andrew Carnegie 2016 pour l'excellence en non-fiction pour Move : Mémoires en photographies .

Publications

livres

Mann, Sally (1983). Second Sight : photographié par Sally Mann. ISBN.
A douze ans : Portraits de jeunes femmes. Ouverture, New York, 1988. ISBN
Famille proche. Ouverture, New York, 1992. ISBN
Encore du temps. Ouverture, New York, 1994. ISBN
Mann, Sally (2003). Ce qui reste. Presse Bulfinch. ISBN.
Mann, Sally (2005). Sud profond. Bouvreuil. ISBN.
Sally Mann(2005), 21 - Éditions, South Dennis, MA (édition 110)
Sally Mann : chair fière. Presse à ouverture ; Galerie Gagosian, New York, New York, 2009. ISBN
John B. Ravenal ; David Lévi Strauss ; Sally Mann ; Anne Wilkes Tucker (2010). Sally Mann : chair et esprit. Ouverture. ISBN.
Paysage du sud(2013), 21 - Éditions, South Dennis, MA (Vol. 58)
Mann, Sally (2015). Move : un mémoire avec des photos. Petit, Brown.

"Si mes photos sont dans l'espace public et si vous y voyez de l'érotisme, c'est un problème de perception ou une question d'interprétations incorrectes des adultes."

En 1977 a lieu la première exposition personnelle de l’artiste américain. Elle a eu lieu à Washington, à la Corcoran Gallery of Art. L'année 1984 pour Sally Mann est marquée par la fin des travaux sur la série Second Sight et la publication d'un album photo du même nom. Mais ces événements sont passés quasiment inaperçus auprès du public et n’ont suscité qu’une faible réaction de la part des critiques d’art. En 1988, Sally Mann sort son deuxième album photo, At Twelve: Portraits of Young Women, dédié aux filles adolescentes, qui suscite une réaction mitigée du public. Son livre suivant, Immediate Family, publié en 1992, a suscité une réaction tout aussi controversée mais beaucoup plus forte. L'album se composait de photographies du mari et de trois enfants de Sally Mann, qui, selon le photographe et les admirateurs de son talent, étaient présentées dans des « poses enfantines innocentes », et selon un certain nombre de critiques et divers comités de protection des droits de l'enfant. , ces poses étaient « ouvertement érotiques ».

Les photographies, qui montraient des adolescents endormis, jouant, légèrement vêtus et parfois complètement nus, évoquaient un sentiment de sérénité, parlant du passé, des étés chauds et de l'enfance désormais lointaine et irrévocable. En revanche, ils suscitaient des pensées ambiguës, des associations duelles dictées par les poses plutôt matures des enfants. Les peurs cachées et manifestes que tout parent peut ressentir à l'égard de son enfant se traduisent avec une clarté eidétique dans les photographies de Sally Mann.

Outre les questions morales, le travail de Sally Mann soulève des questions personnelles et juridiques. Certains critiques sont allés encore plus loin, qualifiant les photographies de l'artiste de la série « Close Relatives » de pédopornographie voilée : « Si, selon elle, le but principal de la maternité est de protéger les enfants de toutes sortes de préjudices, pourquoi est-elle délibérément privant ses enfants du droit de choisir de ne pas être public ? Pourquoi les mettre en danger en montrant leurs photos privées à un monde où la pédophilie existe ? Les jeunes enfants peuvent-ils consciemment donner leur consentement et participer à la réalisation de portraits aussi controversés, même si l'artiste est leur parent ?

Les discussions autour du travail de Sally Mann se poursuivront encore longtemps - les téléspectateurs et les critiques se disputent encore sur les motivations qui ont précédé l'apparition des photographies de l'artiste américain. Les images sensuelles que nous voyons dans les photographies sont-elles le résultat du comportement naturel des enfants ou formées par les fantasmes de l'auteur spécifiquement pour le public ? Est-ce une envie de choquer le public, un risque, du courage ou une volonté de photographier quelque chose dont la plupart des gens avaient honte une fois devenus adultes ? L’expression de Sally Mann est tout à fait logique : « Ce sont des poses enfantines innocentes. Regardez vos albums de famille de vous et de vos parents sans couches. Si mes photographies sont dans l’espace public et si vous y voyez de l’érotisme, c’est un problème de perception ou une question d’interprétations incorrectes des adultes. Je regarde toujours les gens et les lieux qui me plaisent, je regarde à la fois avec une passion ardente et avec une appréciation esthétique franche et froide. Je regarde avec passion mes yeux et mon cœur, mais dans ce cœur ardent il doit aussi y avoir un morceau de glace. La plupart des photos représentent des choses et des personnes que j'aime, qui me fascinent et me touchent, mais cela ne veut pas dire qu'elles sont faciles à voir ou à faire pour moi. Comme Flaubert, j'ai deux règles sacrées dans mon travail : le péché et la perfection. Le premier est généralement inné, le second doit être atteint. Outre l'habituelle « coïncidence du hasard » qui récompense parfois le travail, la création artistique demande de la persévérance, une combinaison absurde du personnage d'un colibri et d'un bulldozer et, surtout, de la pratique. Pratiques d’observation », a-t-elle écrit en réponse à d’autres accusations.

Mais les critiques, d’une part, ne se sont pas calmées et, d’autre part, n’ont en rien gêné la croissance de sa popularité. En 2004, un nouveau scandale a éclaté autour du nom de Sally Mann, qui, comme les précédents, a ajouté à sa popularité : l'exposition « What Remains » a eu lieu au Washington Museum of Art. L'exposition en cinq parties comprenait plus de 90 œuvres. On pouvait y voir des images de cadavres à moitié décomposés, des paysages mystérieux et des portraits de personnes incroyablement beaux. « La mort est puissante », a déclaré Sally Mann lors de l'ouverture de l'exposition, « et elle est mieux considérée comme un point à partir duquel la vie peut être vue plus pleinement. C’est pourquoi mon projet se termine par des photographies de personnes vivantes, mes propres enfants.

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Sally Mann a reçu un grand nombre de récompenses prestigieuses, le magazine Time l'a nommée « Meilleure photographe d'Amérique » en 2001 - les photographies de Mann sont apparues deux fois sur la couverture de cette publication. Peut-être qu'aucun autre photographe n'a connu un tel succès dans le monde de l'art - le travail de Sally Mann fait partie des collections permanentes de nombreux musées, parmi lesquels : le Metropolitan Museum of Art, la Corcoran Gallery of Art, le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, le Museum des Beaux-Arts de Boston, le Sun Museum of Modern Art-Francisco, le MoMa, le Whitney Museum de New York, etc.

Mann est devenu le sujet de deux documentaires réalisés par Steve Cantor. Le film "Blood Ties" a fait ses débuts au Sundance Film Festival en 1994 et a été nominé pour un Oscar dans la catégorie "Meilleur court métrage documentaire". Le deuxième film, « Remains », réalisé par le même réalisateur, a été projeté pour la première fois en 2006. Ce film a été nominé pour un Emmy du meilleur documentaire en 2008.

En 2009, une série de photographies, Proud Flesh, a été publiée - il s'agit d'une étude de six ans dystrophie musculaire son mari et l'histoire des relations délicates de personnes proches, dans lesquelles l'un est en phase terminale. Le projet a également été accueilli de manière ambiguë par les critiques d'art, mais a été présenté avec succès à la galerie Larry Gagosian en octobre de la même année. Voici ce que Sally Mann elle-même dit à propos du projet Proud Flesh :

« Je suis une femme qui regarde. Dans les contes traditionnels, les femmes qui dévisagent, en particulier celles qui dévisagent les hommes, sont punies. Souvenez-vous de la malheureuse Psyché, punie à jamais pour avoir osé lever la lanterne pour voir son amant.

Je pense à d’innombrables hommes, de Bonnard à Callahan, qui ont photographié leurs femmes et amantes, mais j’ai du mal à trouver des exemples parallèles parmi les photographes de mon genre. Regarder un homme, le regarder dans les yeux dans la rue, lui demander de le photographier, étudier son corps ont toujours été perçus comme une impudeur de la part d'une femme, alors que les mêmes actes de la part d'un homme sont omniprésents. et même attendu.

Je regarde mon mari depuis qu'il est entré pour la première fois dans la pièce où j'étais assise sur un canapé en chenille usé dans un appartement étudiant. Mes yeux se posèrent sur lui avec un vif intérêt, l'étudiant furtivement. grand homme. Six mois plus tard, nous nous sommes mariés. C'était il y a quarante ans et la première chose que j'ai faite a été de le prendre en photo.

Mais celui-ci longue histoire n’a pas facilité mon travail sur « Proud Flesh ». On peut tourner autour du pot rhétoriquement, mais à la base de toute interaction entre photographe et modèle se trouve l’exploitation, même quarante ans plus tard. Larry et moi comprenons tous les deux à quel point l'acte de prendre une photo est éthiquement complexe et puissant, à quel point il est chargé de concepts tels que l'honnêteté, la responsabilité, le pouvoir et la propriété, et que tant de bonnes images proviennent, d'une manière ou d'une autre, du modèle. .

Le fait qu'il m'ait permis de prendre ces photos témoigne de la grande dignité et du courage de Larry. Il était fort possible que les dieux aient fait tomber la lanterne de ma main levée alors que l'homme gisait devant moi, nu et exposé, comme un misérable, étendu sur une montagne mythique infestée de prédateurs. À notre âge, où l’apogée de la vie est passé et où nous nous retrouvons avec nos tendons et notre corps flasque, Larry supporte avec une haute noblesse divine le chagrin des premiers assauts de la dystrophie musculaire. Qu'il ait fait cela si volontairement est à la fois touchant et terrifiant. »

L'un des projets actuels de Sally Mann s'appelle Marital Trust. Il s'agit d'une histoire photographique des détails de la vie familiale de Sally et de son mari, couvrant une période de trente ans de leur vie conjugale. Le projet s'inscrit dans la continuité de la série d'œuvres « Proud Flesh » ; les dates définitives de mise en œuvre ou d'exposition n'ont pas encore été annoncées.

TEXTE : Iaroslav Solop

La photographe et actrice Sally Mann est née le 1er mai 1951 à Lexington, en Virginie. Le père est le médecin Robert S. Munger, la mère Elizabeth Evans Munger est propriétaire d'une librairie dans la ville natale de l'Université de Lexington. Sally et ses deux frères aînés ont grandi dans une atmosphère de créativité et d'encouragement.

Les parents n'ont pas interdit à leurs enfants de se découvrir et le monde, accueillent favorablement toute manifestation d'une note créative chez leurs enfants. La photographe se souvient de ses souvenirs avec une chaleur et une tendresse particulières. jeunesse dans sa ville natale. Il se souvient également de son père, un homme mystérieux, si différent des médecins habituels, avec ses pitreries extraordinaires et sa soif de vivre irrépressible. C'est lui qui a inculqué à Sally la capacité de voir ce qui est souvent caché à nos yeux et a ouvert la porte sur le monde derrière l'objectif photographique. Et surtout, il lui a appris à traverser la vie avec confiance et à se rappeler qu'une personne de caractère n'a pas besoin de réputation.

Sally Munger est diplômée de la Putney School en 1969, où elle a étudié en profondeur art. Au lycée, elle s'intéresse à la photographie et commence à photographier ses camarades de classe, qui sans hésiter posent nus pour elle. Elle a ensuite suivi des cours au Bennington College, où elle a étudié la photographie avec le photographe Norman Sayef. Là, elle rencontre son futur mari, Larry Mann.

En 1954, elle est diplômée avec distinction du département littéraire du Hollins College de Roanoke, en Virginie. Et un an plus tard, elle devient maîtrise en beaux-arts, avec une spécialisation en écriture. Mais Sally Mann ne s’adonnait pas à l’écriture ; elle était attirée par un monde qui ne peut être vu qu’à travers l’objectif d’un vieil appareil photo. Elle a donc commencé à travailler comme photographe à l’Université de Washington et Lee. Mann savait-elle alors qu'au fil des années, elle apporterait une contribution significative au développement de l'art, pour laquelle elle recevrait un prix du National Endowment for the Arts, qu'elle deviendrait lauréate du prix Guggenheim et que ses œuvres seraient exposé dans des musées et galeries à Washington, New York, San Francisco, Boston, Tokyo.

À l'âge de 26 ans, Sally présente ses premières photographies à la Corcoran Gallery of Art de Washington et, en 1984, l'album photo « Clairvoyance » paraît. Mann n'a jamais entendu de commentaires sur son travail, mais a continué sur la voie prévue. En 1988, des photographies sont publiées, regroupées dans l'album « Douze. Portraits de jeunes femmes », dans lequel l'auteur démontre le processus par lequel une adolescente devient une jeune femme. Le talent de Sally Mann a été remarqué et apprécié, même si une controverse a éclaté sur le côté dramatique et expressif peut-être excessif de son travail photographique.

Un véritable tourbillon d'émotions, de critiques et de condamnations a été provoqué par son troisième album photo, intitulé "Close Relatives", sorti dans le monde en 1992. Sur soixante-cinq photographies en noir et blanc, nous voyons des personnes proches de Sally, de son mari et de leurs trois enfants, son fils Emmett, ses filles Jessie et Virginia. Le fait qu’ils soient représentés pour la plupart nus a suscité de vives discussions. Certaines photos ont été censurées car elles étaient clairement de nature érotique.

Bien sûr, elle a évoqué les moments difficiles de la croissance d'un enfant, qui ne sont généralement pas abordés ouvertement : les peurs de l'enfance, le doute de soi, l'intérêt pour le sexe opposé, l'incompréhension des adultes, la solitude, les rêves interdits et les pensées vicieuses. Sa sincérité en a surpris plus d’un, voire même choqué. Les accusations d’exploitation d’enfants et de violation des principes moraux ont commencé à affluer. La plupart des critiques et des représentants de divers comités de protection de l’enfance ont qualifié ces photographies de « pédopornographie voilée ».

Mais la photographe a réussi à donner une réponse digne aux critiques et aux flagellations qui lui ont été adressées, après avoir obtenu un soutien juridique au préalable, et a progressé grâce à de nouvelles découvertes artistiques, qu'elle a commencé à faire dès son plus jeune âge. "Ce sont des poses enfantines innocentes. Si vous y voyez de l'érotisme, alors c'est un problème de perception, des interprétations incorrectes des adultes", a-t-elle écrit en réponse à un autre critique. Elle a également déclaré publiquement qu'elle avait publié les photographies avec le consentement des enfants. Selon l'auteur elle-même, elle a décrit ce qu'une mère ou un père ordinaire voit lorsqu'il élève ses enfants.

En 1994, le quatrième album photo de Sally Mann, It's Not Time Yet, est publié. L'exposition itinérante comprenait soixante photographies prises sur vingt ans, montrant non seulement les enfants de Sally, mais aussi les paysages insolites de sa Virginie natale, ainsi que des œuvres abstraites. La même année, le réalisateur Stephen Cantor présente au Sundance Film Festival un documentaire sur Sally Mann, Blood Ties, qui est nominé pour un Oscar.

Mann s'est intéressé aux paysages au milieu des années 90, en utilisant une technique photographique vieille d'un siècle. Grâce à cette technique, ses œuvres ont été réalisées, présentées lors de deux expositions à New York : en 1997 sous le titre « Sally Mann - Homeland ». Paysages modernes de Géorgie et de Virginie ; en 1999 - « Deep South » : paysages de Louisiane et du Mississippi. En 2001, Sally Mann a reçu à juste titre le titre de photographe de l'année, selon le magazine Time.

Les œuvres de Sally Mann participent régulièrement à des expositions à travers le monde et font partie des collections permanentes de nombreux musées. Parmi eux figurent les musées d'art moderne de New York et de San Francisco, le musée de l'université Harvard de Cambridge et le musée d'art de Tokyo. Le New York Times Magazine a déclaré qu '«aucun photographe dans l'histoire n'est devenu célèbre aussi rapidement».

La déjà célèbre photographe a fait parler d’elle avec encore plus d’enthousiasme qu’après la publication de ses « Parents immédiats ». En 2004, à la Corcoran Gallery of Art de Washington, D.C., les passionnés de photographie se sont vu présenter des œuvres de Sally Mann intitulées « Remains ». L'exposition comprenait cinq sections, dont quatre étaient unies par le thème de l'inévitabilité vie humaine, c'est-à-dire la mort. Sur les photographies de la première section, nous voyons ce qui reste du chien bien-aimé de Sally. Dans la seconde - cadavres en cours de décomposition, stocké dans la Fondation fédérale d'anthropologie médico-légale, connue sous le nom de « ferme du corps ».

Les photographies de la troisième partie de l'exposition représentent le lieu du domaine Mann où un évadé armé a été tué. La quatrième section nous ramène à l'époque de la guerre civile américaine, nous voyons un épisode d'une bataille sanglante. Il semble que l'ombre de la mort vous hantera plus d'une fois, mais passons maintenant à la cinquième partie de l'exposition et comprenons que l'auteur est optimiste quant à l'avenir. Sur les photographies figurent les enfants de Sally Mann, et la vie a recommencé à scintiller aux couleurs de l'arc-en-ciel. Après tout, selon l’auteur lui-même de ces ouvrages, la mort, aussi déprimante soit-elle, nous aide à comprendre la plénitude et la richesse de la vie.

Dans son sixième album photo, « The Deep South », publié en 2005, l’auteur a inclus des photographies prises entre 1992 et 2004. Sur eux, vous pouvez voir des paysages très différents : des champs de bataille et un manoir en ruine envahi par le kudzu, jusqu'à des images mystiques et en quelque sorte irréelles de la nature dans le Sud lointain. Grâce à la vision extraordinaire de l’auteur et, dans une certaine mesure, à la technique du procédé au collodion, les photographies offrent l’occasion de porter un regard sur une autre réalité. Il semble que si vous les touchez avec votre main, vous vous retrouverez dans un autre monde, où il n'y a personne et son agitation inhérente. Là, la vie coule d'elle-même et vit selon ses propres lois.

Sally Mann continue de susciter l'intérêt avec son travail, qui est invariablement créé dans un studio photo de son domaine.

En 2006, a eu lieu la première du deuxième film documentaire sur la vie et l'œuvre du photographe, «What Remains», filmé par le même réalisateur Stephen Cantor. Il a reçu un prix spécial au festival d'Atlanta. Parallèlement, Mann reçoit un doctorat honorifique en histoire de l'art. Certes, un incident désagréable s'est également produit : Sally est tombée d'un cheval mourant et s'est blessée au dos. Elle a passé deux ans à se remettre de sa blessure et a parallèlement réalisé une série d'autoportraits.

Plus tard, en 2010, ils seront inclus dans l'album photo « Chair et esprit », qui contiendra également des paysages inédits, des premières photos d'enfants et d'un mari souffrant de dystrophie musculaire depuis 1994. Au fait, votre la vie de famille avec Larry Mann incarné dans projet séparé"Spousal Trust", qui reflète trente ans de leur mariage. Il faut avoir un courage mutuel pour non seulement combattre une maladie incurable, mais aussi pour la photographier. Mais Sally Mann n'est pas une étrangère ; elle sait probablement pourquoi et pour qui elle vit et travaille. Et les fans de son travail ne peuvent qu'attendre de nouvelles œuvres d'une personne qui regarde ouvertement et honnêtement le monde à travers l'objectif d'un vieil appareil photo.

Née dans l'hôpital qui était autrefois la maison de Thomas (Stonewall) Jackson, Sally Mann a vécu en Virginie et a toujours proclamé son « esprit du Sud », à la fois dans ses photographies et dans son livre de mémoires captivant et acclamé, Don't Move Still. ). Elle dit que ce qui lie sa photographie au Sud, c'est sa fascination pour le lieu, sa famille, le passé, son amour de la lumière là-bas et sa volonté d'expérimenter un niveau de romance supérieur à ce que la plupart des artistes du XXe siècle pourraient tolérer. Ajoutez à ce romantisme l’influence des écrivains du Sud, et vous obtenez une touche gothique. Il y a aussi une touche d'expressionnisme dans le mélange, renforcée par le désir d'exprimer des sentiments forts et la capacité de le faire.

Toute cette méridionalité, avec son obsession et sa persistance, est désormais exposée dans une exposition rétrospective ingénieusement organisée et magnifiquement conçue à Washington, D.C., couvrant une grande partie des 40 ans de carrière du photographe : Sally Mann : A Thousand Crossings, au National. Galerie d'art. 108 photographies, dont 47 inédites, et un riche catalogue proposent une visite passionnante de l'œuvre du photographe. C’est aussi le récit d’un voyage de recherche – dans le passé, dans l’histoire du pays et des photographies, capturées par le regard brillant de l’auteur.

L'exposition se concentre sur la préoccupation de Sally Mann pour les relations familiales à mesure que ses enfants grandissaient, et elle a soigneusement documenté tous les conflits et nœuds relationnels complexes liés à la croissance. Après cela, elle a commencé à découvrir à la fois sa Virginie natale et les États voisins du Sud.

Les œuvres deviennent visuellement plus profondes – et dans certains cas déchirantes et dramatiques – à mesure que l’auteur fait un détour par l’histoire du Sud. Plus tard, elle revient auprès de ses enfants, de plus en plus exposée aux effets du temps, à sa propre mort dans un accident d'équitation et au triste développement de la dystrophie musculaire tardive de son mari. Les photographies d'enfants reflètent le plus l'idée d'un progrès en douceur, d'un mouvement dans la vie. Comme en contraste avec ces œuvres, Sally Mann se tourne vers l'histoire raciale, vers les souvenirs du passé, dont les fils s'étendent jusqu'à la conscience des gens de notre temps.

Son travail n'a jamais été superficiel, mais au fil du temps, l'artiste va plus profondément et affronte le côté sombre de la vie avec un défi plus audacieux. L'exposition démontre de manière convaincante sa sensibilité exceptionnelle, son exploration intrépide de différentes techniques, ses compétences croissantes en tant qu'imprimeur et sa volonté de fournir des réponses aux questions difficiles de la vie et de la mort. (Sa tendance passée à aller trop loin dans l'expressionnisme romantique relève également la tête). Tout son travail n’atteint pas le niveau de ses chefs-d’œuvre, mais ces chefs-d’œuvre sont remplis de passion.

L'exposition est organisée par Sarah Greenough, conservatrice principale et conservatrice au département de photographie de la National Gallery of Art, et Sarah Kennel, conservatrice de la photographie au Peabody Essex Museum.

Sally Mann a fait irruption dans la conscience nationale avec son quatrième livre, Immediate Family, en 1992 (le livre a été réédité en 2015) – « pour toutes les mauvaises raisons ». Alors que le pays tout entier était dans un état d'hystérie face à la maltraitance des enfants et à la nudité (de toute sorte) (vous vous souvenez du procès Mapplethorpe ?), ses photographies de trois enfants dans leur ferme isolée, avec des parties d'enfants nues, ont provoqué une « pornographie juvénile ». /Mauvaise mère" tumulte. . Le fait que ces images ne parlent que d'enfants jouant entre eux et avec leurs parents pendant l'été chaud au bord de la rivière n'a ramené personne à la raison. Mais de nombreux photographes ont compris ces œuvres, les ont appréciées et ont été influencés par l'auteur.

Il y a peu de photographies de nus dans l'exposition, mais elles soulèvent des thèmes aussi complexes que la nature éphémère de l'innocence, l'enfance oscillant entre affection et indépendance, et peurs constantes face aux dangers qui hantent les parents. La photographie "Jessie Bites" montre la colère d'un enfant - et en même temps le besoin de soutien physique, exprimé dans ce cas par le bras timide d'un adulte portant des marques de morsure. "Emmett Floating at Camp", une photographie inédite de 1991, montrant l'un des enfants flottant dans le gris nulle part. Cette image est devenue intemporelle et incroyablement triste alors qu'Emmett est progressivement devenu schizophrène et s'est suicidé en 2016.

À mesure que les enfants grandissaient, Sally Mann commença à explorer le Sud lui-même, inspirée par l'idée que la « beauté somptueuse » du paysage transformait la scène en un étrange mélange de vulnérabilité, de rébellion et de charité qui reflétait le caractère de la région en tant que pays. entier. Dans une section intitulée « The Land », elle utilise des optiques vintage, réalisant des artefacts qui auraient horrifié les photographes précédents en tant que défauts.

La terre est baignée d'une lumière éblouissante du sud et remplie d'humidité, le ciel au-dessus ressemble à une voûte grâce au vignettage sur les bords - ou est-ce le Cosmos lui-même ? Elle voit la lumière comme un grand amoureux caressant la terre, ou un grand violeur déchirant l'intégrité de la terre, et souvent comme un grand designer changeant nos conceptions de ce qui devrait arrêter l'attention en premier lieu.

Et elle considère ce luxe et cette beauté comme trompeurs, car elle sent la mort sous ses pieds, la mort des esclaves qui ont cultivé et développé cette terre. « J’étais un peu fascinée par la mort, cela semblait héréditaire », dit-elle, ajoutant : « mon père avait le même sentiment, j’en suis sûre. » Leur maison familiale regorgeait d'images de ce thème provenant de nombreuses cultures différentes, et ce thème a donc imprégné la conscience du photographe dès son enfance. Comme elle l'écrit : « La mort est la sculpteuse du paysage enchanteur, la créatrice humide de la vie qui un jour nous dévore tous. »

Cela a été complété plus tard par sa prise de conscience que le Sud tout entier était en proie au racisme, même ceux qui se considéraient comme opposés à ce racisme. Cette prise de conscience l'a frappée de manière inattendue lorsqu'elle est allée dans le nord au pensionnat. Enfant, elle a été profondément traumatisée par le meurtre brutal d'Emmett Till, un adolescent noir de Chicago kidnappé, mutilé et assassiné dans le Mississippi en 1955 ; elle donnera plus tard son nom à son premier enfant.

Mais elle ne se demandait pas pourquoi Virginia Carter, sa nounou noire bien-aimée, connue sous le nom de GG, devait manger dans la voiture lorsqu'elle voyageait avec sa famille. Un jour, ayant tout compris, elle partit à la recherche de signes associés à la mort de Till. Ni sa photographie du pont d'où il aurait été jeté à l'eau, ni le morceau de rivage où le corps a ensuite été rejeté, ne ressemblent à une preuve de meurtre, malgré une fine strie blanche près du pont, semblable à une déchirure. Les photographies sont muettes et ne parlent que si on les aide à parler. Une fois intitulées, ces deux photographies nous rappellent l’histoire dégoûtante et l’indifférence, et indignent nos esprits.

Elle a osé s'aventurer plus loin sur les champs de bataille de la guerre civile. La galerie d'œuvres s'est enrichie de grands tableaux sombres : colériques, dépressifs, exigeants. En utilisant des négatifs au collodion de style XIXe siècle et des objectifs vintage, elle a introduit le hasard dans ses tirages, renforçant le sentiment d'historicité et imitant les ravages aléatoires de la guerre. Plusieurs images puissantes d’Antietam, le site du jour le plus sanglant de l’histoire américaine, sont aussi sombres et sinistres que la mort elle-même. Dans l’un d’eux, un demi-soleil noir se profile à l’horizon, et le deuxième soleil, plus plein mais moins clair, gagne en puissance inquiétante dans le ciel. Sur une autre, un rideau de nuages noirs et lourds descend, éclairé par ce qui pourrait être un éclair. Dans ces images, le pouvoir de tuer aveugle se mêle au deuil.

L’ensemble de photographies du Great Dismal Swamp, où se cachaient les esclaves fugitifs fuyant le sud vers le nord et où beaucoup d’entre eux moururent, est également puissant et déchirant. Ils ont été créés à l’aide de la technique archaïque du ferrotype et sont relativement petits. Le feuillage, l'atmosphère et les reflets sont denses et impénétrables, tels des emblèmes du mal. J'aimerais les voir en plus grand format, ces vues impitoyables et sans issue, comme des paysages infernaux déguisés en art.

Sally Mann a également réalisé une série de portraits sérieux et mélancoliques de personnes noires, pris, comme elle l'écrit dans Don't Move, pour tenter d'expier son ignorance joyeuse du racisme et pour essayer de comprendre ces personnes qu'elle n'avait pas connues. mais vraiment vu.

Elle a demandé à plusieurs reprises si la terre avait de la mémoire. D'accord, qu'il en soit ainsi. Mais nous le créons en construisant des monuments, des cimetières, des stèles au bord des routes, des mémoriaux sur les champs de batailles passées. Mais l'histoire continue ; l'herbe pousse sur le passé.

La dernière salle de l'exposition est remplie d'un sentiment personnel de mortalité. Portraits des trois grands enfants de l'auteur, pris si rapprochés que les cheveux ne sont pas visibles et que les visages ne sont pas faciles à distinguer. L'un des visages a les yeux fermés, un autre semble s'estomper et disparaître. Nous avons bouclé la boucle et sommes arrivés à la même chose : l'inexorabilité du temps et la peur des parents que des problèmes n'arrivent aux enfants - comme ce fut le cas plus tard avec la mort d'Emmett.

Et aussi des œuvres respectueuses et bienveillantes d'esprit, faisant partie d'une série consacrée aux effets destructeurs de la maladie sur le corps du mari - un bras maigre, un torse qui a cessé d'être musclé. La série s’appelle « Héphaïstos », du nom du dieu laid, patron du travail du métal. Une cascade complexe de ce qui pourrait être du métal en fusion traverse l’image du torse d’un homme à la fois avocat et forgeron. Ces photographies témoignent d'un mariage basé sur la confiance et l'amour, et un exemple vivant de la façon dont Sally Mann transforme ses peurs en art.

Et l'exposition se termine par une vidéo couleur de l'auteur avec un bref aperçu de la terre verdoyante et fleurie où elle a vécu la majeure partie de sa vie. Mes yeux et mon esprit étaient tellement habitués aux paysages noirs que la vidéo en couleur m'a submergé et m'a donné l'impression que quelque chose n'allait pas. La photographie peut changer nos vies de plusieurs manières.

Il y a un héroïsme particulier à regarder directement toutes les choses sombres qui se cachent derrière le paysage, les complexités de votre famille et de votre vie, le souvenir des atrocités de l'histoire. Il n'y a sans doute rien d'héroïque à être « obsédé » par la mort, mais lorsqu'elle aboutit à la création d'œuvres d'art du plus haut niveau, l'affaire peut être considérée comme close selon les normes les plus élevées. En fin de compte, la mort est aussi « obsédée » par nous, et le dernier mot lui appartient.

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Sally Mann : Mille passages

L'exposition est ouverte jusqu'au 28 mai à la National Gallery of Art de Washington, puis se déplace au Peabody Essex Museum (Salem, Massachusetts), au Getty Museum de Los Angeles et dans d'autres musées.

Les œuvres de Sally Mann racontent les histoires du sud des États-Unis – mystiques, parfois effrayantes. Les États-Unis y apparaissent comme un pays qui semble exister en dehors du temps. Rappelons-nous comment Mann crée ses chefs-d'œuvre en noir et blanc.

« Le meilleur photographe de l'école m'a aidé à développer mon premier film et nous sommes ravis du résultat. Beaucoup de photos avec des motifs de planches, des textures de peinture craquelées sur les murs... La netteté et la profondeur sont vraiment bonnes. Je me sens heureuse et fière... C'est incroyable. Mais le résultat est peut-être une pure coïncidence.

Ce texte d'adolescent appartient à l'un des plus photographes célèbres monde - Sally Mann. Le début de sa carrière est assez prosaïque : un collège prestigieux sur la côte Est ( école privée Putney dans le Vermont), sports, bibliothèques, ateliers, conférences de célébrités - la jeunesse américaine dans toute sa splendeur, une fille issue d'une famille aisée entame le chemin d'une vie indépendante. Cependant, le chemin vers une grande carrière - des centaines d'expositions à travers le monde, des galeries prestigieuses, des documentaires et des monographies - n'a pas été si facile.

Sally Mann est née dans des endroits complètement différents - dans le sud de l'Amérique, dans la petite ville endormie de Lexington, en Virginie. Son père est médecin, sa mère tenait la librairie universitaire. Mann a grandi complètement ancré dans le paysage : « J’étais presque un enfant sauvage, élevé non pas par des loups, mais par les douze chiens Boxer que mon père élevait sur un terrain sombre et mystique de 30 acres entouré de chèvrefeuille. »

S'installer dans le Vermont et commencer l'université n'a pas été facile pour le jeune Mann : il est parfois plus facile de traverser l'océan que pour un sudiste de s'installer dans le Nord. «J'étais la minorité soumise aux blagues les plus sophistiquées. À Putney, on ne se teignait pas les cheveux, on ne se maquillait pas et on n'écoutait pas de musique comme les Righteous Brothers... Je me suis retrouvée dans un pays différent », se souvient Sally Mann dans son autobiographie, « Hold Still ». À l’université, comme une paille pour sauver, elle s’accrochait à une photo.

S'installer dans le Vermont et commencer l'université n'a pas été facile pour le jeune Mann : il est parfois plus facile de traverser l'océan que pour un sudiste de s'installer dans le Nord.

Même si je vis en Amérique, cela me manque parfois : sous le ciel plombé de New York, je pense au Sud : un lieu mystique qui a donné naissance à la grande littérature, un déni de modernité, conservateur et d'une beauté douloureuse. À de tels moments, je sors de l’étagère un album de photographies de Sally Mann. Comme elle l’écrit souvent, « vivre dans le Sud, c’est souvent quitter un espace temporaire. Les Sudistes vivent mal à l’aise entre mythe et réalité, regardant un amalgame de chagrin, d’humilité, d’honneur, de miséricorde et d’apostasie se jouer sur la beauté somptueuse du paysage. Exclu de la modernité, le Sud est préoccupé par son passé. Virginie, Géorgie, Tennessee, Alabama : dans ces États, la nostalgie et l'horreur de la mémoire historique façonnent le présent et l'avenir.

Pour exister hors du temps, Sally utilise la technique à moitié oubliée de l'impression au collodion : à l'aide d'un grand appareil photo en bois, une image est transférée sur une plaque de verre humide recouverte de produits chimiques. L'ensemble du processus de prise de vue et de développement prend 15 minutes, mais le résultat ne déçoit jamais : les photographies s'avèrent méditatives, profondes et réfléchies.

L'impression au collodion est une technique du XIXe siècle, la technique des photographes qui ont photographié la guerre civile entre le Sud et le Nord - les brillants et courageux Matthew Brady, Timothy O'Sullivan, Alexander Gardner. L’utilisation habile du collodion permet au temps et à l’espace de « voyager » à travers les œuvres de Mann, de s’éterniser, de durer, de ne pas arriver. C'est quand ? Où est-il? Ce qui se passe? Que va-t-il se passer ? Le temps est ici une décoration ; il semble que le photographe essaie simplement de nous dire que la vie est assez dure.

Les événements simples et quotidiens de ses œuvres acquièrent une signification universelle et mystique. Dans le livre « Deep South » – un merveilleux hommage pays natal- le passage des portraits de famille aux paysages devient un passage de souvenirs privés, individuels à des souvenirs plus publics et émotionnels - de ceux dont le passé se révèle à travers les traces laissées dans leur habitat. « Je visite les sites où se sont déroulées les batailles de la guerre civile, sur une terre différente, un siècle plus tard, à la recherche d'une réponse à la question : la terre se souvient-elle ?

Corps

À la fin du siècle dernier, l’attitude des artistes envers le corps humain a radicalement changé. Robert Mapplethorpe, Andres Serrano, Francesca Woodman, Kiki Smith, les artistes de la nouvelle vague ont refusé de considérer le corps uniquement comme un objet de convoitise et d'admiration. Le corps dans leur travail est un champ de bataille pour l’auto-identification. Dès lors, les pratiques artistiques modernes ne sont plus une combinaison d’artiste et de modèle nu, d’objet sexuel et de symbole ; au contraire, dans la photographie et la performance, le propriétaire du corps est l’artiste, et le corps lui-même est une arme dans la lutte contre l’injustice de genre, sociale, politique et économique. Et Sally Mann a beaucoup à voir avec ce changement.

« J’ai acquis reconnaissance et renommée, mais aussi l’étiquette désagréable de « controversé » au début des années 1990, après la publication de mon troisième livre, Immediate Family. Il contenait des photographies de mes enfants, Emmett, Jesse et Virginia, vivant leur vie, parfois sans vêtements, dans notre ferme, nichée dans les collines de Virginie. Je croyais qu’il fallait garder mon objectif ouvert pour embrasser pleinement leur enfance. J’ai photographié la réussite, l’harmonie, l’isolement, mais aussi les difficultés habituelles à cet âge : bleus, vomissements, nez qui saigne, lits mouillés.

Dans les photographies de la série « What Remains », prises au début des années 2000, - corps humains qui a quitté pour toujours le temps et l’espace, abandonnés à la merci des intempéries et des catastrophes naturelles. Le décor est un petit terrain appartenant à l’Université du Tennessee à Knoxville. Il s'agit d'une expérience scientifique - l'étude de la cyclicité, de la manière dont nous, ayant quitté ce monde, en faisons partie. « Qui connaît le sort futur de leurs ossements ou la fréquence à laquelle ils seront ré-enterrés ? Qui est l'oracle de ses propres cendres ? Qui sait si les ossements seront simplement dispersés après la mort ? Je me souviens toujours de cette phrase du philosophe, écrivain et médecin anglais Thomas Browne (1605-1682) tirée du traité « Burial in Urns » en regardant ces photographies de Sally Mann. Brown et Mann sont des univers différents, mais ici ils se croisent : un photographe américain dialogue avec un essayiste de l'époque baroque. Je n’ai jamais ressenti l’horreur d’une œuvre d’art comme celle de regarder What Remains.

Âme

La ville de Lexington a eu de la chance : deux des artistes américains les plus importants y sont nés et y ont vécu : Cy Twombly et Sally Mann. Ils étaient amis. Mann écrit à propos d'un ami comme ceci : « Je me souviens de nombreuses soirées où j'attendais les enfants de l'école et où j'ai rencontré une silhouette grande, légèrement courbée, en chaussettes hautes, bien enveloppée dans un imperméable, errant de la maison à l'atelier le long de Barclay Lane. ... Nous sommes devenus amis et compatriotes, camarades et assistants."

Le résultat de cette amitié de longue date est l'exposition de Sally Mann « Remembered Light », dédiée au défunt Twombly. Il aura lieu à la Gagosian Gallery de New York et parlera du vide existentiel qui subsiste lorsqu'une personne forte, travailleuse et créative quitte ce monde. Chaque photographie de ce portfolio pose des questions auxquelles il n'y a pas de réponse.

La vie est parfois faite de soustractions : la liste des proches se rétrécit, se replie comme du galuchat. Alors qu'elle prépare l'exposition, Sally apprend une terrible nouvelle : son fils Emmett Mann, 36 ans, atteint de schizophrénie, se suicide. En regardant de nombreux portraits d'Emmett enfant et connaissant déjà son sort, je comprends que la vie ne sera pas tendre avec ce garçon.

Je crois que ça a été filmé par la caméra de Sally Mann l'âme humaine, quand je regarde le portrait de famille réalisé au domaine de Boxerwood lors de l'enterrement des cendres de son père.

« Ma mère détient les cendres de mon père et nous nous apprêtons à déposer l'urne dans la crypte. Samedi 28 mai à midi. J'ai configuré l'appareil photo pour prendre une photo en souvenir. Pas une tâche facile avec cette foule... Nous sommes tous fatigués, tristes et prêts à prendre un verre. J'ai eu le temps de prendre une photo et j'ai demandé à notre ami Hunter de déclencher le déclencheur après avoir préparé l'appareil photo et être revenu aux sujets photographiés. En disant avec hésitation : « Souriez », elle appuya sur la gâchette. L'ancien objectif Goerz Dagor laissait passer la lumière pendant un dixième de seconde. C'est tout. Deux jours plus tard, j'ai développé le film.