Rokoko-Ära: Jean-Antoine Watteau – Meister der galanten Szenen. Jean Antoine Watteau Antoine Watteau kurze Biografie und Kreativität

Watteau Antoine – Biografie, Fakten aus dem Leben, Fotos, Hintergrundinformationen.

Watteau Antoine (Jean Antoine Watteau, Watteau) (10. Oktober 1684, Valenciennes - 18. Juli 1721, Nogent-sur-Marne), französischer Maler und Zeichner. In alltäglichen und theatralischen Szenen – galanten Festlichkeiten, geprägt von der exquisiten Zärtlichkeit der Farbnuancen, der Ehrfurcht vor der Zeichnung – erschuf er die Welt der subtilsten Geisteszustände.

Antoine Watteau wurde in der flämischen Stadt Valenciennes geboren, die bald zu Frankreich gehörte, und kam im Alter von achtzehn Jahren zu Fuß nach Paris, ohne Geld, ohne Arbeit, ohne Gönner. Er arbeitete im Malatelier des berühmten Marchand Mariette an der Notre-Dame-Brücke; um 1704-1705 wurde er Schüler des berühmten Dekorationskünstlers Claude Gillot, der auch Szenen aus dem Leben von Schauspielern schrieb. Von 1707 bis 1708 arbeitete er für den Holzschnitzer Claude Audran. Dank Audran, der als Kurator der Gemäldesammlung des Palais du Luxembourg fungierte, lernte Watteau eine Reihe von Gemälden von Rubens kennen. gewidmet der Geschichte von Marie von Medici, Werken flämischer und niederländischer Meister, die einen starken Einfluss auf die Technik und Farbe seiner Werke hatten.

Frühe Gemälde

Frühe kleine Genrebilder – Darstellung einer lustigen Straßenszene („Satire auf Ärzte“, ca. 1708, Moskau, Puschkin-Museum der Schönen Künste), eines wandernden Drehorgelspielers mit einem Murmeltier („Savoyar“, 1716, St. Petersburg, Eremitage) , Episoden aus dem Leben eines Soldaten („Biwak“, ca. 1710, Puschkin-Museum der Schönen Künste; „Rekruten holen das Regiment ein“, ca. 1709, Nantes, Museum der Schönen Künste; „Militärruhe“, ca. 1716, Eremitage) - offenbaren die Schärfe und Originalität der Wahrnehmung der Welt, der Künstler sucht zweifellos nicht nach Wert in der anspruchsvollen Kunst der Ära Ludwigs XIV. und wendet sich der Kunst des 17. Jahrhunderts zu – den bäuerlichen Genres von Louis Le Nain, der Grafik von Callot, den flämischen Meistern.

Im Zeitraum 1712-19. Watteau ist fasziniert davon, Szenen aus dem Theaterleben zu schreiben. In den Gemälden „Schauspieler des französischen Theaters“ (um 1712, Hermitage), „Liebe auf der italienischen Bühne“ (Berlin, Kunstmuseen), „Harlekin und Columbine“ (um 1715, London, Wallace Gallery), „Italienisch „Comedians“ (1716–19, Washington, National Gallery) verwendete er Skizzen der Posen, Gesten und Gesichtsausdrücke der Schauspieler, die ihm gefielen und die er im Theater anfertigte, das für ihn zu einem Hort lebendiger Gefühle wurde. Das traurige und freundliche Bild des naiven Einfaltspinsels, des Helden des Messetheaters Gilles im Pierrot-Kostüm auf dem Gemälde „Gilles“ (Paris, Louvre) ist voller hoher Poesie.

Die subtilsten Nuancen menschlicher Erfahrungen – Ironie, Traurigkeit, Angst, Melancholie – offenbaren sich in seinen kleinen Bildern, die eine oder mehrere Figuren in einer Landschaft darstellen („Der Böse“, 1715, Louvre; „Der Launenhafte“, ca. 1718, Hermitage; „Mezzeten“, 1717-19, New York, Metropolitan Museum of Art). Die Helden dieser Szenen sind beleidigt und schüchtern, unbeholfen, spöttisch, listig und kokett, oft traurig. Die ironische Verfremdung, die in Watteaus Gemälden stets durchscheint, verleiht ihnen einen Hauch von surrealer, phantastischer und schwer fassbarer Fata Morgana. Die Anmut und virtuose Leichtigkeit des Schreibens, die schillernde Palette karminroter, grüner und lila Farben sowie die Vielfalt der Farbtöne spiegeln das poetische Spiel mit Gefühlen wider, das diese Charakterbilder verkörpern. Watteaus Figuren sind fern der Realität, als würden sie eine Pantomime spielen, sie zeigen ein ruhiges Leben in einer ganz besonderen Welt an der Grenze von Theater und Realität, einer Welt, die durch die Fantasie des Künstlers geschaffen wurde.

Pilgerfahrt zur Insel Kythera

Watteaus sogenannte galante Szenen – „The Joy of Life“ (um 1715, London, Wallace Gallery), „Venetian Feast“ (Edinburgh, National Gallery of Scotland) zeigen eine Traumwelt mit einem Hauch von Traurigkeit. Für „Pilgerfahrt zur Insel Cythera“ wurde Watteau als Mitglied der Französischen Akademie (1717-18, Louvre, Paris; spätere Fassung – Charlottenburg, Berlin) aufgenommen. Diese malerische Elegie von Watteau basiert nicht auf Kollision oder Aktion (es ist nicht einmal klar, ob auf der Leinwand Segeln oder Rückkehr dargestellt ist), sondern nur auf subtilen Stimmungsnuancen, einer allgemeinen poetischen und emotionalen Atmosphäre. Der Komposition von „Pilgrimage“ mangelt es an Stabilität – die Figuren stürmen entweder in Gruppen in die Tiefe des Bildes, zerstreuen sich dann paarweise oder wenden sich plötzlich mit Gesten oder Blicken dem Betrachter zu. Die Figuren scheinen der „sichtbaren“ Musik zu gehorchen – die in Wellen auf- und absteigenden Linien, die den gesamten Zug vereinen, die fast tänzerischen Bewegungen der Paare, Pausen, wechselnde Farbtupfer erzeugen das Gefühl einer hörbaren Melodie.

Die Ikonographie der „galanten Feste“ („fetes galantes“) geht auf die seit dem Mittelalter bekannten „Gärten der Liebe“ zurück. Doch anders als die Rokoko-Parkidyllen stellen Watteaus „Gärten der Liebe“ nicht nur eine Hommage an die schöne Natur dar; auf den farbenfrohen, anspruchsvollen Leinwänden wird die unstetige Poesie der Gefühle und Gedanken über die menschliche Existenz auf der Erde in zutiefst trauriger lyrischer Intonation gemalt. In den Jahren 1719–20 besuchte der schwerkranke Künstler England (vielleicht auf den Rat englischer Ärzte vertrauend), wo er großen Erfolg hatte; Anschließend hatte Watteaus Kunst einen wesentlichen Einfluss auf die englische Malerei in der Mitte der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Nach seiner Rückkehr nach Paris schrieb er für das Geschäft „Grand Monarch“, das Gersen gehörte, bei dem Watteau, erschöpft von der Krankheit, um Unterschlupf bat, eines seiner berühmtesten Werke und das einzige, mit dem er zufrieden war: „Sign of Gersens Laden“ (1720, Berlin, Kunstmuseen). Laut Gersen selbst „wurde es in einer Woche geschrieben, und selbst dann arbeitete der Künstler nur morgens; Sein fragiler Gesundheitszustand erlaubte es ihm nicht, länger zu arbeiten.“ Eine alltägliche Szene, die das Innere eines Ladens (im Stil der „Antiquitätengeschäfte“ von D. Teniers) zeigt, ist voller Metaphern – Reflexionen über ihre Zeit: Angestellte packen ein Porträt von König Ludwig XIV. in eine Schachtel – es entstehen Assoziationen mit beidem Namen des Ladens und mit der Vergessenheit des vergangenen Jahrhunderts. Watteau verbrachte seine letzten Tage in Nogent bei Paris, wo er einen Haufen Theaterkostüme und Requisiten für zukünftige Gemälde transportierte und ein Christusbild für die örtliche Kirche malte. In der Manier Watteaus arbeiteten die französischen Künstler Pater und Lancret, ohne jemals die Höhen ihres Lehrers zu erreichen.

10. Oktober 1684 (10.10.1684) 18. Juli 1721 (18.07.1721) (Alter 36) Франция!} Wikipedia Watteau, Antoine Ansichten 2

Watteau wurde am 10. Oktober 1684 in der flämischen Kleinstadt Valenciennes geboren. Den ersten Malunterricht erhielt er von dem einheimischen Künstler Gerin, in dessen Werkstatt der junge Watteau Werke von Rubens, Van Dyck und anderen berühmten flämischen Malern kopierte. Das Studium des jungen Mannes dauerte nicht lange; Gerins Unterricht brachte dem aufstrebenden Künstler nicht viel, ermutigte ihn jedoch, sich ernsthafter mit der Malerei zu beschäftigen.

Paris

Um 1700 ging Watteau nach Paris, da er weder über Mittel zum Lebensunterhalt noch über Gönner verfügte. Dort beginnt er in einer kleinen Werkstatt an der Notre-Dame-Brücke zu arbeiten. Zu seinen Aufgaben gehört es, billige Bilder zu religiösen Themen anzufertigen und Gemälde anderer Leute zu kopieren. Die Arbeit war schlecht bezahlt und außerdem langweilig und anstrengend.

Im Jahr 1703 brachte das Schicksal Watteau mit der Familie Mariette zusammen – dem Kunsthändler Pierre und seinem Sohn, einem berühmten Sammler niederländischer Malerei, Jean. Bei ihrem Besuch lernte der junge Künstler die Werke von Tizian, Rubens, Sempol, Picard und Callot kennen, die zu seinen ersten Inspirationsquellen wurden.

Lehrer

Bei einem dieser Besuche im Haus Mariette traf Watteau seinen ersten richtigen Lehrer, Claude Gillot, und 1703 begann der junge Künstler in seiner Werkstatt zu arbeiten. In Gillots Werken dominieren Bilder von Szenen aus dem ländlichen Alltag, galante und theatralische Motive. Dieses Thema rückte auch Watteau näher; Zeitgenossen bemerkten die außerordentliche Ähnlichkeit der Werke beider Künstler, die vermutlich 1708 zu einem Bruch zwischen ihnen führte.

Von 1708 bis 1709 arbeitete Jean-Antoine als Assistent des Dekorationskünstlers Claude Audran, der sein zweiter Lehrer wurde. Watteau widmet sich viel der ornamentalen Malerei, die später den Stil seiner reifen Werke prägte und ihnen charakteristische Präzision und Leichtigkeit verlieh.

Audran war Kurator der Gemäldesammlung des Luxemburger Palastes und sein Schüler hatte die Gelegenheit, die Werke der großen Maler dieser Zeit kennenzulernen.

Die Entwicklung von Watteau als Maler (1709-1716)

Durch die Zusammenarbeit mit Audran erkennt der junge Jean-Antoine, dass er sich selbst verwirklichen muss. Dazu betritt er die Akademie der Künste und versucht, beim Wettbewerb den Großen Preis zu erringen. Doch enttäuscht über den zweiten Platz, den sein Werk einnahm, unternahm Watteau 1709 eine Reise in seine Heimat nach Valenciennes.

1710 kehrte der Künstler als anerkannter und reifer Meister nach Paris zurück. In seinen Werken dominiert die Schlachtenmalerei, die bei den Teilnehmern des Flämischen Krieges sehr beliebt war. Es war das militärische Thema, das Watteau seinen ersten Ruhm einbrachte.

Nach seiner Rückkehr ließ sich der Künstler zunächst bei seinem Schwiegervater Sirois nieder, der im Handel mit Gemälden und Rahmen tätig war. Durch ihn lernt Watteau Pierre Crozat kennen. Der Millionär Crozat, der als königlicher Schatzmeister fungierte, war ein Kunstkenner und Philanthrop. 1714 stellte er dem Künstler ein Anwesen in Nogent-sur-Marne zur Verfügung. Hier wurden alle Voraussetzungen für Kreativität geschaffen und Watteau konnte in Ruhe arbeiten, ohne an die Suche nach einem Lebensunterhalt zu denken.

Die Zeit der späten Kreativität (1716-1721)

Diese Zeit war für Watteau die fruchtbarste. Der Künstler zieht oft um und lebt abwechselnd mit Sirois, Croz, Jora und Fleugels. Zeitgenossen bemerken, dass er sich nach einiger Zeit durch jede Wohnung, in der er lebte, belastet fühlte.

Im Jahr 1917 wurde Watteau Mitglied der Royal Academy of Paintings and Arts. Und von Ende 1719 bis Sommer 1720 besuchte er London, wo er Treffen mit französischen Künstlern abhielt. In Großbritannien arbeitet Jean-Antoine viel und seine Werke sind erfolgreich.

Das letzte Jahr seines Lebens verbringt der Künstler in Nogent-sur-Marne in Gesellschaft enger Kameraden: Gersen, La Rocque und Paten. Er starb auf diesem Anwesen am 18. Juli 1721.

Jean Antoine Watteau, besser bekannt als Antoine Watteau (französischer Jean Antoine Watteau, 10. Oktober 1684, Valenciennes – 18. Juli 1721, Nogent-sur-Marne) – französischer Maler und Künstler, Begründer und größter Meister des Rokoko-Stils.

Biographie von Antoine Watteau

Antoine Watteau wurde am 10. Oktober 1684 in der Stadt Valenciennes geboren. Watteaus Kindheit war unglücklich, teilweise aufgrund seines schwierigen Charakters und teilweise aufgrund seines Vaters. Sein Vater war ein gewöhnlicher Zimmermann und hatte kein Verständnis für die künstlerischen Neigungen seines Sohnes, obwohl er ihm erlaubte, Schüler des Stadtkünstlers Jacques-Albert Guerin zu werden.

Als Antoine 1702 achtzehn wurde, verließ er sein Zuhause und ging nach Paris, wo er eine Anstellung als Kopist bekam. Es war harte Arbeit für wenig Lohn, und das verdiente Geld reichte kaum für Essen.

Die Biographie von Antoine Watteau änderte 1703 dank seiner Bekanntschaft mit Claude Gillot ihren Verlauf. Dieser erkannte das Potenzial des jungen Künstlers und bot ihm den Status eines Studenten an.

Zwischen 1708 und 1709 studierte Watteau bei Claude Audran. Die Kommunikation mit diesen Künstlern weckte das Interesse am Theater und an der dekorativen Kunst.

Watteaus Kreativität

Einen großen Einfluss auf sein Schaffen hatten die Werke von Rubens, die Antoine im Palais du Luxembourg studierte. Antoine Watteau will nach Rom und beschließt, die Kunstakademie zu besuchen. 1710 kehrte er als schöpferisch reifer Künstler nach Paris zurück. Der Meister widmet viele seiner Werke militärischen Themen.

Im Jahr 1717 schrieb Antoine eines seiner besten Werke: „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“. Für dieses Werk erhält er den besonderen Titel „Künstler galanter Festlichkeiten“.

Nicht weniger berühmt ist das Gemälde „Die launische Frau“ aus dem Jahr 1718. Die Essenz der Szenen in den Gemälden des Künstlers offenbart sich nicht nur in der direkten Handlung, sondern vor allem in der subtilen Poesie, von der sie durchdrungen sind.

Watteau war der Schöpfer eines einzigartigen Genres, das traditionell als „galante Feste“ bezeichnet wird. Die Essenz dieser Szenen offenbart sich nicht so sehr in ihrer direkten Handlungsbedeutung, sondern in der subtilen Poesie, von der sie durchdrungen sind. „Fest der Liebe“ (1717) enthält wie andere Gemälde von Watteau eine reiche Palette emotionaler Schattierungen, die durch den lyrischen Klang des Landschaftshintergrunds widergespiegelt werden.

Watteau entdeckte den künstlerischen Wert fragiler Nuancen, Gefühle, die sich subtil gegenseitig ersetzen. Seine Kunst spürte zum ersten Mal die Diskrepanz zwischen Traum und Realität und ist daher vom Stempel melancholischer Traurigkeit geprägt.

Ende 1717 erkrankte Watteau an Tuberkulose, was damals ein Todesurteil bedeutete. Die Krankheit spiegelte sich in seinen Werken als Ausdruck der Traurigkeit wider. Er versuchte einige Zeit Widerstand zu leisten und besuchte Ende 1719 sogar Großbritannien, um das Klima zu ändern.

Antoine Watteau verbrachte seine letzten Tage im Landhaus seines Freundes; er starb am 18. Juli 1721 an einer Krankheit. Im Laufe seiner 37 Lebensjahre hinterließ er seinen Nachkommen etwa zwanzigtausend Gemälde.

Watteau war ein sehr beliebter Maler und lebte recht reich. Er legte keinen Wert auf Geld und zählte es nicht. Eines Tages kam ein Friseur zu ihm und bot ihm eine neue Perücke an – aus natürlichem Menschenhaar.

- Was für eine Schönheit! — der Künstler bewunderte. - Wie natürlich! Er wollte den Friseur bezahlen, lehnte das Geld jedoch höflich ab und sagte, dass es ihm eine Ehre wäre, dem großen Maler diese Perücke zu schenken, wenn er mindestens eine oder vielleicht mehrere seiner Skizzen bekäme. Watteau überreichte ihm sofort mit beispielloser Großzügigkeit ein Paket Skizzen, und zufrieden mit dem Geschäft ging der Friseur.

Aber Watteau konnte sich immer noch nicht beruhigen. Er hatte das Gefühl, den armen Mann betrogen zu haben. Eine Woche nach diesem Vorfall fand ein Freund, der in sein Atelier kam, Watteau an seiner Staffelei – er begann unter Umgehung aller Befehle ein neues Gemälde. „Ich möchte es diesem armen Friseur schenken“, sagte er zu seinem Freund. „Es kommt mir immer noch so vor, als hätte ich ihn betrogen.“ Es kostete einen Freund viel Mühe, den Künstler von diesem lobenswerten Vorhaben abzubringen.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721). Er lebte nur 36 Jahre und starb an Tuberkulose, hinterließ aber ein poetisches Erbe: „galante Szenen“, berührt von Ironie und subtiler Lyrik, durchdrungen von Anmut und Harmonie.

Kurze Information zum Nachlass des Malers

Jean-Antoine Watteau wurde in der Provinz in eine arme Familie hineingeboren. Er erreichte Paris zu Fuß und begann, am Theater mitzuarbeiten, wobei er ständig aus dem Leben schöpfte und keine Berufsausbildung erhielt. Watteaus Aufstieg als Künstler geht auf das Alter von 26 Jahren zurück, die Blüte seiner Kreativität auf das 32. Lebensjahr. Wir müssen bedenken, dass sein Leben nach vier Jahren durch eine Krankheit verkürzt wird. Zeitgenossen schätzten nicht nur Watteaus Gemälde. Antoine - Jean hat sie begeistert. Dieser weit verbreitete Erfolg ist darauf zurückzuführen, dass der Maler die damals bekannten „galanten Szenen“ anders betrachtete. Gemälde von Watteau Antoine - Jean schrieb nicht nur als Hommage an die Künste und die Liebe. Er gab ihnen eine Tiefe, die seinen Anhängern später unzugänglich war. Die Zeit wird vergehen und seine Werke werden für lange Zeit vergessen sein. Dichter des 19. Jahrhunderts werden Watteaus Gemälde entdecken. Antoine - Jean wird von Baudelaire und Verlaine besonders geschätzt. T. Gautier wird ihm ein Gedicht widmen. Es wird angenommen, dass Antoine Watteaus Gemälde malte und damit Beispiele für Poesie und Träume schuf. Inspiriert von Watteaus Gemälden schuf der Komponist C. Debussy ein Klavierstück, das auf dem Gemälde des Meisters „Pilgerfahrt zur Insel Cythera“ basiert.

Watteaus erstes Meisterwerk

Der Künstler hat die Kunst, in der Gesellschaft angenehm zu sein, in dem oben erwähnten Werk eingefangen. Raffinesse und Raffinesse zeichnen „Pilgrimage...“ aus, das 1717 entstand.

Das Rätsel für Forscher ist, ob es sich um eine Rückkehr von der Insel oder eine Überfahrt dorthin handelt. Am Fuße der Venusstatue hört eine junge Frau die Komplimente ihres Herrn, der vor ihr kniet. Im nächsten Paar reicht der ungeduldige Begleiter der Dame, die regungslos am Boden sitzt, seine Hände. Das dritte Paar steht. Die Dame dreht sich um und blickt mit Bedauern auf den Ort, an dem sie glücklich war. Zu Füßen ihres Begleiters steht ein Hund, der Treue verkörpert. Der Rest der Pilger steigt unter Scherzen und Lärm zur Gondel hinab, die wie ein goldener Traum auf dem Wasser schaukelt, umrankt von Blumengirlanden und scharlachroter Seide. Die Farbgebung besteht aus warmen Rosa- und Goldtönen, ergänzt durch Grün und Blau. In der gleichen poetischen Art „galanter Szenen“ führte Jean-Antoine Watteau Gemälde mit den Titeln „Dilemma“ und „Launenhaft“ (GE), „Lektion der Liebe“, „Blick zwischen den Bäumen“ und „Gesellschaft im Park“ auf “, „Liebeslied“ „Venedig-Urlaub“.

Nationalgalerie in London

Es beherbergt Watteaus berühmtes Werk aus dem Jahr 1717, Le gamma de l'amour.

Die diagonale Komposition lenkt die Aufmerksamkeit auf die großen Figuren im Vordergrund: Mädchen in einem flauschigen Kleid aus schillerndem Taft, dessen Farbtöne der Maler kaum mit dem Pinsel auf die Leinwand berührte. Ihr hochgestecktes Haar lässt den anmutigen Hals des Models erkennen. Die Notizen in ihren Händen sind nur ein Vorwand, damit ihre Begleiterin frei in das tief ausgeschnittene Korsett blicken kann und das Mädchen und sich selbst mit einem sanften Ständchen und nicht minder leidenschaftlichen Blicken erregt. Darüber ist eine strenge Büste des Philosophen zu sehen, die das füreinander leidenschaftliche Paar überhaupt nicht stört. Genauso wie ihnen der Rest der Nebencharaktere egal ist. Das Zentrum ist in Rosa- und Goldtönen gestaltet, die sich vor dem Hintergrund des üppigen Parkgrüns abheben.

Hermitage, psychologische Studie

In der genregalanten Szene „Der Launenhafte“ lenkt nichts die Aufmerksamkeit von den beiden Charakteren ab: einem jungen Mädchen und ihrer verliebten Begleiterin. Das Model schwankt: ob es sich durch die allzu offenen Reden des Herrn beleidigt fühlen und gehen oder bleiben und sich seine Komplimente anhören soll.

Sie schmollte und hob bereits ihren flauschigen Rock auf. Ihre Begleiterin saß imposant hinter ihr und versuchte überhaupt nicht, sie zum Bleiben zu überreden. Erfahren weiß er, dass das nächste Treffen unausweichlich ist und zur Kapitulation dieses jungen Wesens führen wird. Jean-Antoine Watteau füllt seine Bilder nicht nur mit Poesie, sondern auch mit subtilen Einblicken in die spirituelle Welt seiner Helden.

Berlin, „Schild von Gersens Laden“

Im Jahr 1720 wollte ein völlig erkrankter Künstler ein Schild für das Antiquitätengeschäft seines Freundes Gersen malen, doch es blieb immer nur ein Gemälde, das mit Ehrfurcht betrachtet wurde. Dies ist das letzte Meisterwerk, das Watteau mit kalten Fingern geschrieben hat.

Die aus zwei Teilen zusammengesetzte Leinwand unterscheidet sich völlig von allen vorherigen Werken. Dabei wird mit der Inneneinrichtung des Ladens gearbeitet, nicht mit der Natur. Die Vorderwand wird vom Künstler „entfernt“, und der Betrachter sieht, was in der Boutique passiert, und auch das gepflasterte Pariser Bürgersteig. Drei Wände sind von oben bis unten mit Gemälden unterschiedlicher Größe behängt. Im Vordergrund legt ein Verkäufer sorgfältig ein Porträt des kürzlich verstorbenen Ludwig XIV. in eine Holzkiste. Hoch oben in der linken Ecke hängt ein Porträt seines Verwandten, König Philipp IV. von Spanien. Der zweite Teil zeigt Käufer, die durch eine Lorgnette die Details eines riesigen Gemäldes in Form eines Ovals untersuchen. Die übrigen Gemälde an den Wänden stellen Stillleben, Landschaften und mythologische Szenen dar. Vielleicht war es die Absicht des Künstlers, die gesamte Geschichte der Malerei und ihre Veränderungen als Künstler darzustellen, der zum letzten Mal verträumt und traurig auf seine vergangenen Jahre zurückblickt.

Wir haben uns einen kleinen Teil der Gemälde angesehen, die Jean-Antoine Watteau gemalt hat. Berühmte Gemälde des Malers befinden sich in allen großen Museen der Welt.

1. Künstler

„Kreativität ist eine direkte lebendige Verkörperung, sie ist die individuelle Welt des Künstlers... sie ist Unabhängigkeit von Autorität und jeglichem Nutzen“, wie der große japanische Künstler selbst schrieb. Hokusais kreatives Erbe ist äußerst groß: Er schuf etwa dreißigtausend Zeichnungen und Drucke und illustrierte etwa fünfhundert ...

2. Der berühmte Künstler Delacroix sagte: „Sie müssen Rubens sehen, Sie müssen Rubens nachahmen: denn Rubens ist ein Gott!“ Begeistert von Rubens schrieb M. Karamzin in „Briefe eines russischen Reisenden“: „Rubens wird zu Recht der flämische Raffael genannt... Was für reiche Gedanken! Welche Übereinstimmung im Allgemeinen! Was für lebendige Farben,...

3. Die erste Biografie des Künstlers wurde von Jan Orlers, dem Bürgermeister von Leiden, zusammengestellt. „Der Sohn von Harmens Herrits van Rijn und Neltchen Willems wurde am 15. Juli 1606 in Leiden geboren. Seine Eltern schickten ihn zum Lateinstudium an die Schule der Universität Leiden, mit der Absicht, ihn anschließend dort einzuschreiben...

4. Repin war ein Beispiel selbstloser Hingabe an die Kunst. Der Künstler schrieb: „Ich liebe die Kunst mehr als die Tugend... Ich liebe sie heimlich, eifersüchtig, wie ein alter Trunkenbold, unheilbar. Wo immer ich bin, egal, womit ich mich amüsiere, egal wie sehr ich bewundere, egal was.“ Ich genieße es...

5. Der Begründer seines eigenen abstrakten Stils – des Suprematismus – Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch wurde am 23. Februar 1878 (nach anderen Quellen – 1879) in Kiew geboren. Die Eltern Severin Antonowitsch und Ludviga Alexandrowna waren polnischer Herkunft. Der Künstler erinnerte sich später: „Die Umstände, unter denen sich mein Leben abspielte ...

6. Delacroix beginnt seinen historischen Essay über den Künstler: „Poussins Leben spiegelt sich in seinen Kreationen wider und ist so schön und edel wie sie sind. Dies ist ein wunderbares Beispiel für alle, die sich entscheiden, sich der Kunst zu widmen.“ „Seine Schöpfungen dienten den edelsten Geistern als Vorbilder, die...

7. Turner ging als Begründer einer grundlegend neuen Einstellung zur Farbe und als Schöpfer seltener Licht-Luft-Effekte in die Geschichte der Weltmalerei ein. Der berühmte russische Kritiker V.V. Stasov schrieb über Turner: „...Mit etwa 45 Jahren fand er seinen eigenen Weg und vollbrachte hier große Wunder...

8. An den brillanten, originellen Künstler des 19. und frühen 20. Jahrhunderts M.A. Vrubel war zu monumentalen Gemälden, Staffeleimalerei, Grafik und Skulptur fähig. Das Schicksal des Künstlers ist tragisch: Er hat sehr gelitten und war jahrelang sogar am Rande des Wahnsinns. Vrubel experimentierte viel mit Farben und daher einige seiner Leinwände...

9. I.E. Repin nannte Kustodijew „einen Helden der russischen Malerei“. „Ein großer russischer Künstler – und mit einer russischen Seele“, sagte ein anderer berühmter Maler, M.V., über ihn. Nesterow. Und hier ist, was N.A. schreibt: Sautin: „Kustodiev ist ein Künstler mit vielseitigem Talent. Als ausgezeichneter Maler trat er in die…

10. Tintoretto (richtiger Name Jacopo Robusti) wurde am 29. September 1518 in Venedig geboren. Er war der Sohn eines Seidenfärbers. Daher sein Spitzname Tintoretto – „kleiner Färber“. Schon als Kind war er süchtig nach dem Zeichnen mit Kohle und nutzte die farbenfrohen Materialien seines Vaters für seine…

11. Tiepolos Werk führte die großen Traditionen der venezianischen Malerei fort. Doch erst im 20. Jahrhundert erhielt er wieder die Anerkennung, die ihm gebührt. Heute gilt Tiepolos Kunst als das bedeutendste Phänomen der spätbarocken Malerei. Giovanni Battista Tiepolo wurde am 5. März 1696 in Venedig geboren. Sein…

Jean Antoine Watteau

„Jean Antoine Watteau“

Die berühmten Brüder Goncourt schrieben 1856 über den Künstler: „Watteau ist der große Dichter des 18. Jahrhunderts. Die von seinem Geist geschaffenen Meisterwerke der Träume und Poesie sind randvoll mit außergewöhnlicher Anmut des Lebens ... Watteau scheint wieder aufzuleben.“ Wieder Schönheit. Dies ist jedoch nicht die Schönheit der Antike, die in der Perfektion der Marmorgalatea oder der materiellen Verkörperung der verführerischen Venusinnen liegt, und nicht der mittelalterliche Charme von Strenge und Härte. In Watteaus Gemälden ist Schönheit Schönheit: sie ist es das, was eine Frau in eine Wolke der Attraktivität hüllt, ihr Charme, die Essenz körperlicher Schönheit. Es ist etwas Subtiles, das wie das Lächeln des Teufels erscheint, die Seele der Formen, das spirituelle Gesicht der Materie.“

Jean Antoine Watteau wurde am 10. Oktober 1684 in der nordfranzösischen Kleinstadt Valenciennes geboren. Sein Vater Jean Philippe Watteau war Dachdecker und Zimmermann. Der Junge erhielt seinen ersten Malunterricht beim ortsansässigen älteren Maler Zherin. Allerdings dauerte das Studium nicht lange: Der geizige Vater wollte nicht sechs Tours Livres pro Jahr für sein Studium bezahlen.

Um 1700 verließ Antoine seine Heimatstadt und ging in Begleitung des Theaterkünstlers Méteilleux nach Paris. Er wird in einer Malwerkstatt an der Notre-Dame-Brücke angestellt, deren Besitzer die Massenproduktion und den gewinnbringenden Verkauf billiger religiöser Bilder organisiert hat. Für seine langweilige und anstrengende Arbeit erhielt Watteau ein dürftiges Gehalt und „jeden Tag eine Schüssel Suppe“.

Antoine hatte das Glück, Jean Mariette, einen Gemäldehändler und Kunstkenner, kennenzulernen. Im Haus der Mariettes lernte er seinen ersten richtigen Lehrer kennen, Claude Gillot. Von ihm lernte der junge Künstler die Liebe zum Theater kennen, dem er später den Großteil seiner Arbeit widmete.

Watteaus erstes eigenständiges Gemälde entstand nach Molieres Motiven – „Eine Satire auf Ärzte“. Es hat auch einen zweiten, sehr charakteristischen Titel, der seinen Inhalt verrät: „Was habe ich euch angetan, ihr verdammten Mörder?“

1708 verließ Watteau Gillot und wurde Assistent des Dekorationskünstlers Claude Audran. Zusammen mit seinem Lehrer arbeitet Antoine viel an ornamentalen Gemälden und eignet sich in Zukunft die für ihn charakteristische Leichtigkeit und Präzision des Zeichnens an. Gleichzeitig kopiert und studiert er weiterhin die Werke alter Meister.

Watteau träumt davon, nach Rom zu gehen und tritt in die Akademie der Künste ein. Beim Wettbewerb der Akademie erhielt er jedoch nur den zweiten Preis und kehrte 1709 nach Valenciennes zurück, wo er Jean-Baptiste Pater als Schüler aufnahm.

Watteau kehrte 1710 als bedeutender, schöpferisch reifer Meister nach Paris zurück. Das Hauptthema, dem er in dieser Zeit seine Werke widmet, ist das Militär.

„In seinen sehr kleinen, betont intimen Gemälden sehen wir den Truppenmarsch bei schlechtem Wetter, eine kurze Rast der Soldaten, wieder einen Marsch bei Regen und Wind, eine müde Rekrutenschar“, schreibt I.S.

„Jean Antoine Watteau“

Nemilova. - „The Hardships of War“ und „Military Rest“ gehören zu den besten Filmen dieser Reihe. Im ersten von ihnen kann man die Fähigkeit des Künstlers schätzen, den Zustand der Natur zu vermitteln, einen plötzlichen Wirbelsturm, der Wolkenfetzen vorantreibt, Bäume knickt und die Mäntel der Reiter aufbläht. Kleine Menschenfiguren scheinen schlechtem Wetter nicht standhalten zu können. Angst durchdringt das ganze Bild. Die zweite Szene zeigt eine diametral entgegengesetzte Stimmung: Vom Militärleben erschöpft genießen die Menschen ihren Urlaub, die einen liegen selig unter den Bäumen, die anderen nehmen im Zelt der Kantine eine Kleinigkeit zu sich. Das sanfte Licht eines Sommertages unterstreicht die Ruhe der Umgebung.“

Kriegsszenen machen Watteau zu einem der erfolgreichsten Künstler. Besonders gefragt waren die Gemälde bei den Teilnehmern der flämischen Feldzüge.

Nach seiner Ankunft aus Valenciennes ließ sich Watteau mit dem Rahmen- und Gemäldehändler Pierre Sirois nieder, durch den er Pierre Crozat kennenlernte, den königlichen Schatzmeister, Millionär und subtilen Kunstkenner. Wahrscheinlich im Jahr 1714 nahm Watteau Crozats Angebot an, in seinem neuen Herrenhaus zu wohnen. Dort konnte der Künstler eine prächtige Sammlung von Gemälden, Skulpturen, Zeichnungen und geschnitzten Steinen bewundern und dort arbeiten, ohne an sein tägliches Brot zu denken.

Gleichzeitig mit den militärischen Themen begannen auch Themen rund um das Leben des Theaters und der Schauspieler einen festen Platz in Watteaus Werk einzunehmen. Der Künstler selbst erstellt die Inszenierung und ersetzt die Szenerie durch einen Landschaftshintergrund. Manchmal ist es eine einsame Figur eines Musikers, Sängers oder Tänzers vor dem Hintergrund einer Landschaft: „Finetta“, „Indifferent“ (beide 1716-1717), manchmal mehrere Künstler oder Freunde des Künstlers in Theaterkostümen: „In Mecetens Kleidung.“ “ (1710er Jahre), „Schauspieler der italienischen Komödie“ (um 1712).

Zusammen mit Croz konnte der Künstler Theateraufführungen im Schoß der Natur, die damals in der Hauptstadt angesagte Unterhaltung der Adligen, Konzerte, Pantomimen und Maskeraden beobachten. Diese Eindrücke wurden von Watteaus poetischsten Werken – „Gallant Celebrations“ – inspiriert.

Wie von N.L. bemerkt Maltseva: Watteaus „Galant Celebrations“ sind von einer verborgenen, kaum wahrnehmbaren spirituellen Bewegung, widersprüchlichen Stimmungen durchdrungen, sie enthalten entweder zärtliche oder hinterlistige Ironie oder traurige Intonationen oder einen poetischen Traum von unerreichbarer Schönheit oder Unglauben an die Aufrichtigkeit der Helden . Die Handlungssituationen und Erfahrungen der Charaktere werden in organischer Verbindung mit der Natur dargestellt. Das Gefühl der Vergänglichkeit des Lebens, der Zerbrechlichkeit seiner glücklichen Momente, das auch für seine Helden charakteristisch ist, unter denen es keine willensstarken Naturen gibt, überträgt sich auf sie.

Auf dem Gemälde „Gesellschaft im Park“ unterhalten sich kluge Mädchen und Jungen friedlich, als wären sie von der poetischen Schönheit der Natur verzaubert, ganz im Einklang mit ihrer Stimmung.

In der Landschaft herrscht eine nachdenkliche Stille, und Watteaus Figuren zeichnen sich nicht durch heftige Gefühlsbekundungen aus. Konzentriert auf sich selbst bewegen sie sich in einem langsamen Rhythmus; von kaum wahrnehmbaren halben Lächeln, Blicken und unvollständigen Bewegungen kann man über ihre Erfahrungen nur erahnen.“

Im Jahr 1717 malte Watteau eines seiner besten Gemälde: „Pilgerfahrt zur Insel Kythera“. Für sie erhielt die Künstlerin im selben Jahr von der Royal Academy den eigens für ihn erfundenen Titel „Künstlerin galanter Feste“.

Das Bild des Werkes ist äußerst musikalisch. Es scheint, dass in der Bildkomposition eine Art langsamer Tanz aufgeführt wird, in dessen Rhythmus sich die Damen und Herren am Hang entlang zu dem Boot bewegen, das sie nach Kythera bringen soll.

Jede Geste, jede Kopfdrehung und jeder Gesichtsausdruck vermitteln feinste Erfahrungsnuancen. Der Künstler strebt nicht danach, seine Bilder zu individualisieren, seine Helden und Heldinnen ähneln sich im Aussehen. Als Lyriker par excellence möchte er die Welt der Emotionen nachbilden, ihren Ursprung und ihre Entwicklung sowie ihre subtilsten Nuancen zeigen.

Watteaus prächtiges Gemälde „Die launische Frau“ stammt aus dem Jahr 1718 und ist ein deutlicher Beweis für die raffinierte Emotionalität des Bildes, die präzise und raffinierte Zeichnung und die Harmonie der Farben des Meisters.

Ende 1719 reist Watteau nach England. Hier malt er erneut Theater – das Gemälde „Italienische Schauspieler“, eine seiner letzten Theaterkompositionen. Die Schauspieler stehen vor dem Publikum, als würden sie sich von ihnen verabschieden, als würden sie sich nach dem letzten Akt des malerischen Stücks des Künstlers endgültig verbeugen.

„Italienische Schauspieler“ wurden von Dr. Mead von Watteau gekauft, der ihn behandelte; der Künstler brannte vor Schwindsucht. Die Behandlung hat nicht geholfen. Im Sommer 1720 kehrte Watteau hoffnungslos krank nach Paris zurück.

Da er wusste, dass er bald sterben würde, war es, als hätte er in der letzten Anspannung seine ganze spirituelle Kraft gesammelt. In seinem letzten Lebensjahr schuf er seine bedeutendsten Gemälde: „Gilles“, „Porträt des Bildhauers Pater“, „Signboard of Gersen“ und seine besten Zeichnungen.

Einsamkeit, Traurigkeit und Unzufriedenheit verkörpert der Künstler in dem Bild „Gilles“ (um 1720) besonders eindringlich. Eine angespannte, bewegungslose Haltung, schlaff gesenkte Hände, ein blasses Gesicht, ein trauriger Blick offenbaren überzeugend den Zustand seiner Seele, in dem Einsamkeit, Traurigkeit und Unzufriedenheit leben.

Der italienische Kunstkritiker G. Fossi glaubt, dass „Gilles“ eines der geheimnisvollsten Gemälde aller Weltgemälde ist: Wer ist dieser junge Mann in einer Maske, mit puppenhaftem Aussehen, mit herabhängenden Armen wie eine Marionette, aber mit lebendigem, empfindliche Handflächen? Und was für Menschen sitzen zu seinen Füßen, was schauen sie an, worüber lachen sie und worüber wundern sie sich, versteckt hinter einem grasbewachsenen Hügel, emotional entfernt von der unerreichbaren Schaufensterpuppe, der einzigen Figur, auf die der Betrachter blickt Auge bleibt stehen? Und der Esel? Und der Herm (eine tetraedrische Säule oder ein Sockel, der mit einem geformten Kopf oder einer Skulptur einer kopflosen Büste endet) eines Fauns, der rechts zu sehen ist, ist paradoxerweise lebendig, wie alle Skulpturen, die Watteau in Szenen „in der Natur“ darstellt?“

Der fulminante Abschluss von Watteaus Werk ist „The Sign of Gersen“.

Sein glücklicher Besitzer bescheinigte: „Es wurde in einer Woche gemalt, und selbst dann arbeitete der Künstler nur morgens; seine schwache Gesundheit, oder besser gesagt: Schwäche, erlaubte ihm nicht, länger zu arbeiten.“

In sieben kurzen Sitzungen hat der Künstler ein wahres Meisterwerk geschaffen!

Zum ersten Mal wurde in Watteaus Gemälde die Welt der Kunst von der realen Welt getrennt und echte Menschen aus Fleisch und Blut erstmals in direkter Interaktion mit der fiktiven Bildwelt gezeigt.

„Alles kam in diesem bizarren Bild zusammen, in dem die üblichen Grenzen der Genres mit der gleichen königlichen Selbstsicherheit zerstört werden wie die Vorderwand von Gersens Laden selbst“, schreibt Yu.M.

Hermann. - Die alltägliche Arbeit der Packer, die Zärtlichkeit der Liebenden, die zufällig den Laden betreten, die lustige Koketterie der Liebenden, die stolz auf ihre Verstrickung in Berufsgeheimnisse sind, die rührende Aufmerksamkeit für die Kunst derer, die sie wirklich bewundern können.

Gleichzeitig wirkt alles auf dem Bild so natürlich, geschieht so selbstverständlich, dass es schwierig ist, hinter dieser Einfachheit ein unverkennbares und perfektes kompositorisches Kalkül zu erkennen.

In diesem Werk von Watteau gibt es nichts Zufälliges. Und selbst ein Hund auf dem Bürgersteig trägt zur Ausgewogenheit des Bildes bei, da die rechte Gruppe tiefer liegt als die linke und daher heller wirkt.“

Enge Freunde versuchten, dem hoffnungslos kranken Künstler zu helfen, indem sie ihn in einem schönen Haus in der Nähe von Paris unterbrachten. Dort starb er am 18. Juli 1721. „Er beendete sein Leben mit einem Pinsel in der Hand“, schrieb einer seiner Freunde über ihn.

18+, 2015, Website, „Seventh Ocean Team“. Teamkoordinator:

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