Alles Interessante in der Kunst und darüber hinaus. Katsushika Hokusai-Gemälde Künstler Hokusai-Gemälde

Basierend auf Materialien: Weltkunst. Katsushika Hokusai. Kupferstichserie „36 Ansichten von Fuji“ und „100 Ansichten von Fuji“. -SPb: LLC „SZKEO „Crystal““, 2006

Liebe Komplizen – in diesen Büchern gibt es eine Vielzahl von Zeichnungen – bei Interesse werde ich noch ein paar Beiträge dazu verfassen.

Katsushiki Hokusai (1760-1849) ist heute der berühmteste japanische Künstler. „Die große Welle vor Kanagawa“ und andere Gravuren des Berges Fuji sind auf der ganzen Welt bekannt.

Als Grafiker, Maler und Illustrator schuf dieser erstaunliche Künstler namens Hokusai Tausende von Werken. Diese erstaunliche Produktivität ist seiner Neugier und Langlebigkeit zu verdanken. Er lebte 89 Jahre, davon widmete er 70 Jahre der Kreativität.

Vielfältige Gemälde

Hokusai begann im Alter von sechs Jahren mit dem Zeichnen. Sein Werk zeichnete sich durch eine erstaunliche Vielfalt aus. Er stellte Szenen des Alltags dar, Frauen, Fischer, das Vergnügungsviertel Edo, gewöhnliche Menschen, Kabuki-Schauspieler, Geishas und Sumo-Ringer.

Als großer Literaturliebhaber fertigte er nicht nur Illustrationen für Sammlungen chinesischer Poesie an, sondern schuf auch eine Reihe von Stichen mit dem Titel „Spiegel der Dichter Chinas und Japans“. Diese Stiche zeichnen sich durch eine besinnliche Stimmung aus; die Figuren werden oft von hinten dargestellt. Zu diesen Charakteren zählen Li Bo und Su Dongpo. Hokusai malte Szenen aus den Biografien von Dichtern oder Elemente, die auf die Handlung ihrer Werke hinweisen.

Ein weiterer Teil seiner Arbeit ist Legenden, herausragenden Persönlichkeiten Chinas, Kampfszenen und dem Leben der Samurai gewidmet.

Die Verbreitung des Buddhismus in Japan ebnete den Weg für die Schaffung von Verbindungen zwischen den Kulturen Japans, Indiens und Chinas. Der Einfluss dieser beiden Länder auf Japan zeigte sich in den von den Japanern übernommenen Legenden und Gottheiten.

Hokusais Drucke repräsentieren die Mythologie des Hinduismus: Sie zeigen Apsaras – Himmels- oder Meeresmädchen in Form von Tänzern oder Musikern, begleitet von Vögeln. Neben himmlischen Schönheiten malte er Buddhas und Taoisten, Shinto-Gottheiten, Weise, die über Gier und Begierden triumphierten, Geister und Drachen. Eines der eindrucksvollsten Werke, das der Verehrung Buddhas gewidmet ist, ist „Pilger besuchen die Statue des Großen Buddha“ (1797-1801).

„Daibutsu“ („Großer Buddha“) sind riesige, bis zu 15 m hohe Buddhastatuen, die in einigen japanischen Schreinen aufgestellt sind. Auf dem Stich „Pilger besuchen die Statue des Großen Buddha“ ist der Tempel in Nebel gehüllt, sodass er nicht sichtbar ist. Im oberen Teil ist nur das majestätische Gesicht der Statue abgebildet. Winzige Pilger sind von hinten dargestellt, sie blicken bewundernd auf den Tempel und heben ihre Köpfe.

Hokusai ist sehr neugierig und aufmerksam, er beobachtet die Natur und stellt sie dar: Landschaften, Meer, Berge, Seen und Wasserfälle. Er verwandelte die Gravur der japanischen Landschaft; seine Werke wurden zum Inbegriff der Spiritualität Japans. Seine Landschaftsdrucke kombinierten die Prinzipien der traditionellen japanischen Kunst mit westlichen Einflüssen. Es gelang ihm, westliche Perspektivenregeln in traditionelle Landschaftsbilder zu integrieren. Die Serie „Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji“ (1830-1834) verwendet Perspektiven aus verschiedenen Blickwinkeln: vom Wellenkamm, von der Höhe eines Balkons, vom Grund einer Reisplantage, vom Rücken eines galoppierendes Pferd. Seine Landschaften werden immer durch Handlungsstränge belebt; ihnen werden Charaktere hinzugefügt, die die Landschaft bewundern oder mit irgendeiner Aktivität beschäftigt sind, was den Gemälden eine erstaunliche Dynamik verleiht.

Tierwelt

Der Künstler erweckte jedes Element der Natur, jede Blume, jedes Insekt, jeden Gegenstand zum Leben. Alles ist vom Atem des Lebens durchdrungen. Er malte Tiere und Insekten. Frösche, Fische, Bienen, Schmetterlinge, Vögel, Blumen und Bäume füllen seine Zeichnungen, Seidengemälde und Drucke und spiegeln den anspruchsvollen Stil des Künstlers wider.

„Hortensie und die Schwalbe“ Foto: © RMN-Grand Palais, Musée Guimet, Paris/Thierry Ollivier

Hokusai stellte oft Tiere in Bewegung dar und schuf dynamische Kompositionen, wie zum Beispiel den Kampf zwischen einem Vogel und einer Schlange in „Fasan und Schlange“ (1830-1833); ein fliegender Vogel im Gemälde „Gimpel und Kirschblüte“ (1834); im Film „Tiger Looking at the Moon“ (1844).

Insekten kommen oft in Mangas vor – Zeichenhandbücher für junge Künstler.

Vater des Mangas

Er schuf den „Hokusai-Manga“. Manga bedeutete damals keine Comics, sondern eine Art künstlerisches Handbuch mit vielen Details und Skizzen aus dem Leben. Diese Zeichnungen wurden in 15 Bänden veröffentlicht und galten als „Enzyklopädie des japanischen Volkes“ und des täglichen Lebens im Japan der Edo-Ära.

Jeder Band ist einem bestimmten Thema gewidmet: Tiere, Tänze, Kunsthandwerk, Alltag, Legenden, Pflanzen usw. Heutzutage lernen viele Menschen, wie man ein Anime-Gesicht zeichnet, indem sie beispielsweise Zeichenstunden meistern. In Japan erfreut sich diese Tradition mittlerweile großer Beliebtheit.

Ein Mann mit vielen Namen

Hokusai änderte mehrmals seinen Namen und nahm verschiedene Pseudonyme an. Es wird angenommen, dass er mehr als hundert Namen hatte. Bei seiner Geburt erhielt er den Namen Tokitaro; Als er Porträts von Schauspielern zeichnete, nannte er sich Shunro; Während er an Rinpas Schule studierte und teure Drucke anfertigte, verwendete er den Namen Shori. Hokusai ist der Name, den er annahm, als er ein unabhängiger Künstler wurde. Er signierte seine Malhandbücher mit dem Namen Taito. Sein letztes Pseudonym war Gakyo Ryojin Manji – „alter Mann, verrückt nach Malerei“.

Popularität in Frankreich

„Der alte Mann, verrückt nach Malerei“, wie er sich selbst nannte, war eine Inspirationsquelle für französische Künstler. In seinem Heimatland erhielt Hokusai nie eine offizielle Anerkennung, in Frankreich jedoch. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts fand der Künstler Felix Braquemond eine Packung seiner Mangas, die als ... Verpackungspapier für Porzellan in einem Paket diente. Er war begeistert und bemalte damit das Service. Edmond de Goncourt, Gründer des Prix Goncourt, entdeckte Hokusais Ukiyo-e-Zeichnungen (wörtlich „schwebende Welt“) und schrieb ein Buch darüber. Europäische impressionistische Künstler sammelten Hokusais Werke und schöpften daraus Ideen. Auch Kritiker lobten seine Kunst. Durch diese Zeichnungen bekamen die Franzosen einen Eindruck vom Leben in Japan. Hokusai, der in Japan nur bei der Mittelschicht beliebt war, galt in Frankreich als Genie.

„Zwei Karpfen.“ Foto: © RMN-Grand Palais, Musée Guimet, Paris/Thierry Ollivier

französische Version

Katsushika Hokusai. Große Welle in Kanagawa. Serie „36 Ansichten von Fuji“
Farbholzschnitt, 25,7 cm × 37,8 cm.

In meiner Welt
Nichts gehört dir –
Nur vielleicht
Diese Berge und Meere
Was hat er ins Bild gebracht...
Okuma Kotomichi

Japanische Künstler haben Hunderttausende Drucke geschaffen, aber die Frage, welches das berühmteste ist, lässt sich leicht beantworten: Natürlich „Die große Welle vor Kanagawa“! Wie ein gigantischer Schacht erhebt es sich über den Ozean wunderschöner Werke, die an konzeptioneller Tiefe und ästhetischer Perfektion ihresgleichen suchen. Es ist der berühmteste Druck Japans und das bekannteste japanische Kunstwerk der Welt.

Katsushika Hokusai. Sekiya-Dorf am Sumidagawa-Fluss. Serie „36 Ansichten von Fuji“

„The Big Wave“ gehört zum Ukiyo-e-Genre, also erinnern wir uns zunächst daran, was sich hinter diesem exotischen Wort verbirgt. Ursprünglich hatte das Konzept von Ukiyo (wörtlich: eine schwebende oder sich verändernde Welt) in der buddhistischen Philosophie eine negative Konnotation und bezeichnete die irdische Welt als Aufenthaltsort des Leidens. Seit Beginn des 17. Jahrhunderts, als Japan nach einer Zeit vernichtender Kriege unter der Herrschaft des Tokugawa-Shogunats vereint wurde und das Land einen relativen Wohlstand erlebte, ist das Verständnis von Ukiyo positiver geworden. Für die Japaner des 17. Jahrhunderts war die „sich verändernde Welt“ eine Quelle der Unterhaltung und des Vergnügens, die sie während ihres Lebens genießen mussten. Damals erschienen Drucke im Ukiyo-e-Genre – „Bilder einer sich verändernden Welt“, die gleichzeitig von Traurigkeit und unbeschwerter Freude gefärbt waren. Unzählige Grafikblätter zeigen das tägliche Leben aller Klassen der japanischen Gesellschaft, das friedlich vor dem Hintergrund der wunderschönen Natur Japans verläuft.

Katsushika Hokusai. Yoshida auf dem Tokaido Highway. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Wir werden nicht auf die komplexe Technologie des Holzschnittdrucks eingehen (ein Künstler, ein Schnitzer und ein Drucker arbeiteten zusammen, um mehrfarbige Holzschnitte zu erstellen), sondern nur darauf hinweisen, dass die beliebten Ukiyo-e-Drucke leicht zu reproduzieren waren, ein kostengünstiger Druck war für jedermann zugänglich, und das machte sie zu echten Volkskunstwerken.
Forscher gehen davon aus, dass das Genre im 18. Jahrhundert seine Blütezeit erlebte, doch das erste Drittel des 19. Jahrhunderts wurde zur Ära der größten Verbreitung und der höchsten Errungenschaften von Ukiyo-e. Zu dieser Zeit arbeiteten der große Ukiyo-e-Meister Katsushika Hokuksai (1760–1849) und sein jüngerer Zeitgenosse Utagawa (Ando) Hiroshige.
Hokusai war etwa 70 Jahre alt, als er, ein anerkannter, sehr produktiver und vielseitiger Künstler, im Auftrag des berühmten Verlags Eijudo eine Druckserie „36 Ansichten von Fuji“ begann. Die Serie wurde mit „The Great Wave Off Kanagawa“ eröffnet.

Der Prozess der Erstellung von Ukiyo-e-Drucken

Das Prinzip der Serialität, das die europäischen Impressionisten (erinnern Sie sich an die berühmten) inspirierte, ist der Schlüssel für die japanische Gravur. Bestehend aus mehreren Dutzend Grafikblättern der Serie – „47 Loyal Samurai“ (er stellte nicht nur Katzen dar!), „36 Ansichten von Fuji“ und „Einhundert Ansichten des Ozeans“ von Katsushika Hokusai, „53 Tokaido-Stationen“ und „ „Einhundert berühmte Ansichten von Edo“ von Ando Hiroshige – waren durch ein gemeinsames Thema verbunden, erhob jedoch nicht den Anspruch, untrennbar miteinander verbunden zu sein. Jeder Stich einer solchen Serie ist ein völlig eigenständiges Werk, die Absichten des Künstlers werden jedoch erst vollständig klar, wenn die Serie zusammengefasst wird.

Katsushika Hokusai. Blick auf Fuji vom Berg Gotenyama in der Nähe des Shinagawa-Flusses. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Das übergreifende Thema der Serie „36 Ansichten des Fuji“, zu der auch „Die Welle“ gehört, ist der heilige Berg Fuji, das Nationalsymbol Japans, das beliebteste Motiv japanischer Drucke und vielleicht der gesamten japanischen Kunst. An seinen Hängen befinden sich alte Shinto-Tempel, Buddhisten verehren ihn, Legenden und Gleichnisse sind mit ihm verbunden, Oden und Hymnen wurden zu Ehren Fujis geschrieben und ihm wurden Gedichte gewidmet. Man sagt, dass es in Japan keinen Künstler gab, der Fuji nicht mindestens einmal dargestellt hätte. Seit Jahrhunderten strömen Japaner aus aller Welt nach Edo (Tokio seit 1868), um den Fuji zu bewundern und seine Hänge zu erklimmen. Reisende kauften Gravuren mit Ansichten von Fuji als Andenken an ihre Pilgerreise.

Katsushika Hokusai. „Victory Wind. Clear Day“ oder „Red Fuji“. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Wir sehen Fuji in jedem Stich der Serie, aber es gibt nur zwei Blätter, auf denen der Berg die Landschaft dominiert: Neben „The Wave“ und ihm konkurrieren in der Beliebtheit „Victory Clear Day“ und „Rain on the Top“. “, wo ein einsamer Berg vor dem Hintergrund des Himmels in voller Höhe erscheint und von seiner Erhabenheit überwältigt. Alle anderen Blätter können eher als „Ansichten vom Fuji“ denn als „Ansichten vom Fuji“ bezeichnet werden. Es scheint, dass Hokusai sich mehr mit lebendigen Alltagsszenen im Vordergrund beschäftigt als Fuji selbst, der am Horizont oder in der Lücke zwischen den Häusern manchmal kaum sichtbar ist. Der Berg ist jedoch stets auf jedem Blatt präsent und verbindet im Sinne der Ukiyo-Philosophie Augenblicksbilder des flüchtigen Lebens mit der Ewigkeit der Natur.

Katsushika Hokusai. Umezawa-Gebiet in Soshu. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Landschaften mit Blick auf den Fuji führten die Japaner in die schönsten Ecken des Landes ein, waren eine Art Reiseführer und zugleich unvergessliche Souvenirs. Im Titel hat der Künstler den in der Gravur dargestellten Ort immer genau angegeben und dabei sorgfältig die Merkmale der Landschaft und spezifische Details vermittelt, sodass wir genau bestimmen können, wo die Handlung der Gravur „Die große Welle in Kanagawa“ stattfindet und was Hokusai ist tatsächlich dargestellt.

Katsushika Hokusai. Suwako-See in Shinshu. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Kanagawa ist eine Präfektur auf der Insel Honshu, südwestlich von Tokio, mit Verwaltungssitz in Yokohama. Drei Fischerboote fahren mit frischem Fang vor der Küste von Kanagawa im Nordosten in die Bucht von Tokio, um den Fisch auf die Märkte der Hauptstadt zu liefern. Es geschieht früh am Morgen – der schneebedeckte Gipfel des Fuji westlich von Kanagawa glitzert unter den Strahlen der Sonne, die wie hinter dem Betrachter aufgeht, das Weiß des Schnees kontrastiert mit dem bewölkten Himmel.

Katsushika Hokusai. Tagonoura-Strand in Ejiri, Tokaido Road. Serie „36 Ansichten von Fuji“

Die kleinen Figuren geduckter Menschen in Booten mit je 10 Personen fallen dem Betrachter nicht sofort auf. Es ist bekannt, dass die Länge solcher Fischerboote 10 bis 15 Meter beträgt. Dadurch konnte die Höhe einer großen Welle berechnet werden – etwa 12 Meter. Entgegen der landläufigen Meinung der Europäer handelt es sich jedoch nicht um einen Tsunami. Die Japaner glauben, dass der Stich die sogenannte „Schurkenwelle“ darstellt, die im Gegensatz zu den zerstörerischen Tsunamis, die in Küstennähe an Stärke gewinnen, plötzlich mitten im Ozean auftaucht, eine große Höhe erreicht und das Schiff zum Kentern bringen kann.

Katsushika Hokusai. Große Welle in Kanagawa. Fragment

Welches Schicksal erwartet die Fischer? Europäische Kunstkritiker neigen in der Regel zu einer tragischen Interpretation des Stichs: „Die Welle wirft Boote wie Streichhölzer“, „der Schaum der Wellen ist wie Klauen, die bereit sind, ein Boot zu ergreifen“, „die Ruderer verkörpern die Menschheit in Not.“ „Die Menschen sind machtlos gegenüber den grassierenden Elementen.“ So verstehen die Japaner das Gravieren nicht. Der japanische Kunstforscher Evgeniy Steiner stellt fest, dass nach japanischer Tradition „die Bewegung im Bild von rechts nach links verläuft. Dementsprechend stellen die Fischerboote ein aktives Prinzip dar, sie bewegen sich und sind in einem biegsamen amorphen Prinzip in die Welle eingebettet.“ und einige haben es bereits durchgemacht.“ Die Fischer scheinen sich mit Respekt vor den Elementen zu beugen und sich davor zu beugen, um nicht zu zerbrechen. Unterschiede im Verständnis der Handlung führen uns zu einer schwierigen Frage: Welche Botschaft des Künstlers wird von einem Europäer und welche von einem Japaner im Stich gelesen?

Katsushika Hokusai. Große Welle in Kanagawa. Fragment mit Booten.

Nach Meinung eines Europäers ist „The Wave“ eine Landschaft voller Dramatik (die Konfrontation zwischen dem Menschen und den mächtigen Kräften der Natur) und eine philosophisch bedeutsame Landschaft. Der Berg Fuji, der Japan symbolisiert, und der Ozean, der der gesamten Menschheit gemeinsam ist, machen diese Landschaft zu einem spezifischen und zugleich verallgemeinerten Bild unseres Planeten. Der intensive Dialog zwischen veränderlichem, bewegtem Wasser und dem stabilen Kegel des Berges wird durch die Rhythmik und Farbgebung der Gravur betont. Eine riesige Welle erhebt sich wie ein Berg, und man kann nicht umhin zu bemerken, dass Hosusai im Vordergrund eine weitere entstehende Welle dargestellt hat, die in Form und Farbe Fuji ähnelt: einen Wasserkegel mit weißem Schaum an der Spitze anstelle von Schnee. Der großartige Plan des Künstlers erscheint uns völlig klar: Wasser wird mit dem Firmament verglichen, die Verkörperung der Ewigkeit – der Berg – erhält im wankelmütigen Wasserelement ein Double. Eine Welt, die aus Gegensätzen besteht, findet in Hokusais Gravur für einen Moment ihre Einheit. Diese Welt balanciert auf Kontrasten, ihre Harmonie ist instabil, wie eine Welle, aber gerade deshalb ist sie kostbar.

Katsushika Hokusai. Große Welle in Kanagawa. Fragment mit zwei Zapfen.

Versuchen wir nun, die Gravur mit den Augen eines Japaners zu betrachten. In der Hierarchie der japanischen Kunst ist „Welle“ ein traditioneller Landschaftstyp „Sansui“ (übersetzt als „Berge und Wasser“), ein harmonisches Bild des Universums, in dem Wasser ein veränderliches, fließendes Prinzip und der Berg Beständigkeit darstellt und Unantastbarkeit. Die Interpretation von Gravuren im Sinne von „Einheit und Kampf der Gegensätze“ ist den Japanern jedoch fremd: Aus seiner Sicht stellt Hokusai, indem er die kleine Welle im Vordergrund mit der Silhouette des Fuji vergleicht, keinen Kontrast dar, sondern setzt ihre Essenzen im Geiste des Zen-Buddhismus gleich. Laut der Zen-Philosophie, die einen tiefgreifenden Einfluss auf die japanische Kunst hatte, ist die wahre Natur der Realität tatsächlich nicht dual: Es gibt überhaupt keine Gegensätze, es gibt keine Trennung zwischen Gott und der von ihm geschaffenen Welt, dem Geist und den Gefühlen. Seele und Körper, schön und hässlich, Natur und Mensch, Geistig und Materiell, Wasser und das Firmament der Erde. Was ist dort? Es gibt eine einzige Welt, die aus sich ständig verändernden Wesenheiten – Dharmas – besteht, und das Gesetz dieser Welt ist die ständige Zirkulation von Dharmas, ähnlich der Bewegung eines Rades.

Katsushika Hokusai. Fujimigahara-Ebene in der Provinz Owari. Serie „36 Ansichten von Fuji“

In Hokusais Gravur dominieren abgerundete Linien – die Silhouette einer Welle, das gewölbte Boot, die Vertiefung zwischen den Wellen. Sie bilden eindeutig einen Kreis und symbolisieren das Rad des Dharma, und der unerschütterliche Fuji innerhalb des Kreises scheint sich in eine Nabe zu verwandeln, auf der das Rad des Universums ruht. Die Symbolik der Gravur hat für die Japaner eine tiefe Bedeutung: Die sich ständig verändernde Welt (Wasser) hat eine konstante Achse (Berg). Übrigens sehen wir eine ähnliche Komposition (ein Rad mit einer Nabe) in einem anderen Stich der Serie, wo der kleine Kegel von Fuji durch den Umfang eines bodenlosen Bottichs sichtbar ist, an dem ein Böttcher arbeitet („Fujimigahara-Ebene in Owari Provinz").
Für einen Europäer, der sich nicht stark für den Zen-Buddhismus interessiert, ist es sehr schwierig, dem Modell der Welt zu entkommen, das auf dem Zusammenspiel von Gegensätzen basiert, und die Idee gleicher Wesenheiten – Dharmas und ihrer kreisförmigen Rotation – wahrzunehmen. Es ist jedoch falsch zu sagen, dass die Europäer die „Welle“ verzerrt oder oberflächlich wahrnehmen. Indem wir die Gravur in den uns vertrauten Kategorien interpretieren, begreifen wir auf andere Weise, wie von der anderen Seite, auch ihre universelle Bedeutung, wie die Japaner, indem wir darin die plastische Formel des Universums unterscheiden.

Camille Claudel. Welle. 1897

Es ist bekannt, dass die japanische Ästhetik ab der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts die europäische Kunst stark beeinflusst hat. Aber Japan, das sich damals auch der Welt öffnete, lernte die Lehren der europäischen Malerei. „Wave“, das für uns japanische Kunst darstellt, ist tatsächlich kein ganz charakteristisches Werk. Hokusai studierte sorgfältig Werke der europäischen Malerei, war begeistert von der linearen Perspektive, die der traditionellen japanischen Kunst unbekannt war, und verwendete sie in seinen Werken, unter anderem in „Welle“: Es waren die scharfen perspektivischen Schnitte, die zu der spektakulären Gegenüberstellung der riesigen Welle führten im Vordergrund und der kleine Fuji in der Ferne. Die exquisite Farbgebung, die von der Natur selbst vorgeschlagen wird – eine Kombination aus Weiß und mehreren Blautönen – bringt den Stich der niederländischen Kunst näher.

Claude Debussy. Meer. Drei symphonische Skizzen. Notencover. 1905

Als die „Große Welle“ Europa erreichte, besiegte sie die Impressionisten (ein Abzug des Stichs befand sich in der Sammlung von Claude Monet), Van Gogh und viele andere Künstler. Die Ästhetik des Jugendstils ist von der gewagten Asymmetrie der „Welle“ inspiriert, deren elastische Biegung wir in der Architektur, der angewandten Kunst und in Buchillustrationen der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert immer wieder erkennen.

Ivan Bilibin. Illustration zu „Das Märchen vom Zaren Saltan“. 1905

„Wave“ war in Japan sehr beliebt, daher wurden ständig neue Drucke gedruckt, davon wurden etwa 5.000 bis 8.000 angefertigt. Gleichzeitig werden frühe Drucke von „The Wave“ äußerst geschätzt und es gibt eine regelrechte Jagd nach ihnen. Das New York Metropolitan, das Art Institute of Chicago, das British Museum in London und die National Gallery in Melbourne sind stolz auf die Drucke des Stichs.

Emoji basierend auf „Die große Welle vor Kanagawa“

Jeder von uns hat eine Kopie von „The Wave“: Fragen Sie, welche „Emojis“ (vom japanischen „Bildsymbol“, wir nennen sie „Emoticons“) in Ihrem E-Mail-, Skype- oder sozialen Netzwerk verfügbar sind. Unter den runden Gesichtern, Tieren, Herzen und anderen Symbolen wird sich mit ziemlicher Sicherheit Hokusais blaue „Welle“ befinden, ein winziges Bild einer sich verändernden Welt.

Erfahren Sie mehr über japanische Drucke
finden Sie im „Japanischen Katzenkalender“.

Katsushika Hokusai wurde am 31. Oktober 1760 (10. Jahr von Horeki) in der Provinz Musashi, Bezirk Honjo Warigesui des Bezirks Katsushika (Teil des heutigen Bezirks Sumida in Tokio), in eine arme Bauernfamilie geboren. Sein Familienname war Kawamura und sein Kindheitsname war Tokitaro. Später erhielt er den Namen Tetsuzo. Sein erwachsener Name war Nakashima Hachiemon.

Im Jahr 1764 (1. Jahr von Meiwa), als Hokusai noch ein Kind war, wurde er von Nakashima Ise, einem Spiegelschleifer am Hofe des Shoguns, adoptiert. Später, als er erwachsen war, überließ er seinen Platz jedoch seinem echten Sohn Nakashima und verließ diese Familie. Er machte eine Lehre in einer Buchhandlung, die auch Bücher verlieh, und begann eine Ausbildung zum Holzschnittschneider. Während er diese schwere Arbeit verrichtete, kehrte er zum Haus seiner echten Eltern zurück. Zu dieser Zeit interessierte sich Hokusai für die Illustrationen, die er in Büchern sah, die im Laden zum Verkauf angeboten wurden, und beschloss, den Weg eines Künstlers einzuschlagen.

Im Jahr 1778 (7. Jahr von Anei) wurde er Lehrling beim Meister der Ukiyo-e-Malerei, Katsukawa Shunsho. Hokusai begann, die Malerei der Kano-Schule, chinesische Karae-Gemälde, westliche Malerei und viele andere Schulen und Techniken zu studieren. In dieser Zeit schuf er zahlreiche Gemälde berühmter Orte (Meisho-e oder Landschaften im Ukiyoe-Stil) sowie Porträts von Schauspielern (Yakusha-e). Darüber hinaus zeichnete der Meister auch Illustrationen für Bilderbücher auf Gelben Seiten (Kibyoshi). Während dieser Zeit verwendete er das Pseudonym „Shunro“, das sich aus dem ersten Zeichen des Namens seines Lehrers, Katsukawa Shunsho, und dem zweiten Zeichen des Pseudonyms desselben Lehrers, Kyokuroi, zusammensetzte.

Im Jahr 1779 (8. Jahr von An'ei) schuf Hokusai sein Debütwerk, Schauspieler Segawa Kikunojo als Masamunes Tochter, O-Ren.

Im Jahr 1794 (6. Jahr von Kansei) verließ der Meister die Katsukawa-Schule. Die wahren Motive für diese Tat sind immer noch nicht klar, aber vielleicht geschah dies aufgrund von Meinungsverschiedenheiten mit dem Oberschüler der Schule, Katsukawa Shunko, oder weil Hokusai heimlich vor seinem Lehrer Katsukawa den Unterricht des Künstlers Kano Yusen besuchte. Es scheint jedoch, dass Hokusai nicht nur bei Kano Yusen studierte, sondern auch Unterricht beim Künstler Tsutsumi Torin nahm und auch chinesische Maltechniken aus dem illustrativen chinesischen Atlas Kaishiengaden studierte. Im Jahr 1795 (7. Jahr von Kansei) begann der Meister, das kreative Pseudonym „Hokusai Sori“ zu verwenden.

Im Jahr 1798 (10. Jahr von Kansei) gab der Meister sein Pseudonym „Sori“ an seinen Schüler ab und begann, sich „Hokusai“, „Kako“ und „Tokimasa“ zu nennen.

Im Jahr 1802 (2. Jahr Kiews) begann der Künstler mit der Erstellung von Illustrationen für eine Sammlung komischer Gedichte mit dem Titel „Unterhaltung der östlichen Hauptstadt“.

Im Jahr 1805 (2. Jahr von Bunka) begann der Meister, das kreative Pseudonym „Katsushika Hokusai“ zu verwenden.

Im Jahr 1810 (7. Jahr von Bunka) begann er, seine Werke mit dem Namen „Taito“ zu signieren.

Im Herbst 1812 (9. Jahr von Bunka) ging Hokusai in die Stadt Nagoya, wo er im Haus des Künstlers Maki Bokusen wohnte, und reiste dann durch die Kansai-Region (Stadt Osaka, Kreis Yoshino in der Provinz Yamato, Kishu). Region, Ise usw.).

Im Jahr 1814 (dem 11. Jahr von Bunka) veröffentlichte der Meister den ersten Band des Werks „Hokusais Manga“ – eine Sammlung von Zeichnungen verschiedener Genres, oft humorvoll oder satirisch. Im Frühjahr 1817 (dem 14. Jahr von Bunka) reiste er erneut in die Stadt Nagoya. Am fünften Tag des 10. Monats malte er ein riesiges, brustlanges Bild von Bodhidharma (Daruma) mit einer Größe von einhundertzwanzig Tatami-Matten für den buddhistischen Tempel Nishihonganji Betsuin (ein Zweig des Nishihonganji-Tempels). Am Ende des Jahres unternahm ich eine Reise nach Osaka, Ise, Kishu und Yoshino. Es wird angenommen, dass der Künstler Shunkosai Hokushu in dieser Zeit ein Lehrling des Meisters wurde.

Im Jahr 1820 (3. Jahr von Bunsei) begann Hokusai, das Pseudonym „Iitsu“ zu verwenden. 1823 (6. Jahr von Bunsei) veröffentlichte er die erste Ausgabe von The Thirty-Six Views of Mount Fuji, 1831 (2. Jahr von Tempo) schnitzte er die Bretter für diese Serie neu und 1833 (4. Jahr von Tempo) hat die Entstehung der Serie abgeschlossen.

Im Jahr 1834 (5. Jahr von Tempo) begann der Meister, die kreativen Pseudonyme „Gakyorodzin“ („Alter Mann, verrückt nach Malerei“) und „Manji“ zu verwenden (das Zeichen „mandsi“, Hakenkreuz, ist in der buddhistischen Kultur ein Symbol des Kosmischen Harmonie, gute Wünsche und ein Schutzsymbol). In dieser Zeit begann er seine berühmte Landschaftsserie „Einhundert Ansichten des Fuji“.

Im Herbst 1842 (13. Jahr von Tempo) besuchte Hokusai erstmals das Haus des Wissenschaftlers und Künstlers Takai Kozan in der Stadt Obuse (Kreis Takai in der Provinz Shinano). Damals baute Kozan eigens für Hokusais Ankunft das „Haus der blauen Wellen“, in dem er den Meister herzlich empfing.

Im Jahr 1844 (15. Jahr von Tempo) wurde er von der Stadtverwaltung von Obuse (Kreis Takai, Provinz Shinano) rekrutiert und blieb dort bis 1848 (1. Jahr von Kaei). Am 10. Mai 1849 (18. Tag des 4. Monats des 2. Jahres) starb Kaei in seinem gemieteten Haus auf dem Gelände des Henjoin-Tempels (einem Zweig des Asakusa-Tempels), der sich im Viertel Asakusa Seitencho von Edo befindet Alter von 90 Jahren. Vor seinem Tod schrieb er folgende Zeilen:

Hitodama-de

Yuku kisan jia

Natsu Nohara

(Jetzt bin ich ein Geist geworden

Und ich werde leicht und leicht fliegen

Durch die Sommerfelder)

Katsushika Hokusai ist im Seikyoji-Tempel im Bezirk Asakusa (heute Bezirk Taito in Tokio) begraben. Sein posthumer buddhistischer Name war Nansoin Kiyo Hokusai koji. An diesem Ort wurde zu Ehren des 200. Geburtstages des Meisters ein Denkmal errichtet.

Seit der Antike gilt die japanische Kunst als eine der markantesten und originellsten der Welt. Dieses Phänomen lässt sich leicht dadurch erklären, dass das Land lange Zeit am Rande der Welt lag und geschlossen war. Einer der ersten Künstler, der seinen Namen in die Kunstgeschichte schrieb, ist Hokusai Katsushika. Seine Gemälde gehören zu den größten Kulturdenkmälern, die ihre Spuren in der Geschichte hinterlassen haben.

Die frühen Jahre von Hokusai Katsushiko

Einer der berühmtesten Ukiyo-e-Künstler wurde am 21. Oktober 1760 in Edo geboren. Der größte Künstler arbeitete unter vielen Pseudonymen, aber die Geschichte erinnert sich genau an ihn unter seinem ursprünglichen Namen. Katsushika Hokusai lebte im modernen Tokio und studierte in armen Vierteln. Dort erhielt er seinen Beruf als Künstler, der den Namen seiner Region für immer in die Geschichte einging. Sein richtiger Name war Tokitaro Hokusai, der erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts bekannt wurde.

Basierend auf historischen Quellen können wir sagen, dass sein Vater Nakajima Ise war, ein Spiegelmacher, der selbst für den Shogun arbeitete. Seine Mutter war eine Konkubine und nicht mit seinem Vater verheiratet. Sie war Model für Künstler und erledigte Hausarbeiten. Einigen Quellen zufolge war sein richtiger Vater Muneshige Kawamuru, der seinen Sohn im Alter von vier Jahren zum Lernen bei einem Meister schickte. Es ist auch bekannt, dass Katsushika Hokusai nicht das einzige Kind in der Familie war. Angeblich war er nicht das älteste Kind und hatte etwa vier Geschwister.

Abschied von den Eltern, Studium bei Ekomot

1770, im Alter von zehn Jahren, wurde er zur Arbeit in eine Buchhandlung geschickt. Dort wurde er Buchhändler in der Gegend von Yekomote. Hier erhielt der junge Künstler seinen ersten Spitznamen – Tetsudzo, der später sein erstes Pseudonym werden sollte. Während er in einer Buchhandlung arbeitete, begann der Junge Lesen und Schreiben zu lernen, darunter auch die chinesische Sprache. Zu den untersuchten Fächern gehörte die Kunst des Gravierens. Katsushika Hokusais Biografie als Künstlerin begann im Alter von sechs Jahren. Diese Zeit fiel mit der rasanten Entwicklung der bildenden Kunst in Japan zusammen. Zu dieser Zeit begann die aktive Förderung der Theater-, Musik- und Bildenden Künste. Der Gravur und anderen künstlerischen Tätigkeiten wurde besondere Aufmerksamkeit geschenkt.

Erste Schreibversuche

Die strahlende und farbenfrohe Kindheit des jungen Künstlers begann mit der Betrachtung der Gemälde berühmter Meister – Utagawa Toeharo, Harunobo Kutsiuchi, Katsukawa Shunsyo. Die Werke dieser Künstler lieferten Inspiration für die Gemälde von Katsushika Hokusai und ließen ein neues Genre entstehen – Ukiyo-e (Bilder der sich verändernden Welt).

Zu Beginn seines Studiums lernte der Autor großer Gemälde die klassische Form der japanischen bildenden Kunst kennen, den sogenannten „Holzschnitt“. Mit dem Aufkommen des Künstlers erreicht dieses Genre ein völlig neues Niveau, das dem Meister die erste Welle der Popularität und neue Schüler beschert. Der Autor kann sich nicht in den Rahmen dieses Genres einordnen und versucht, umfassendere Ausdrucksmöglichkeiten für seine eigene Kreativität zu finden.

Anfang 1778 wurde er Lehrling des berühmten Künstlers Katsukawa Shunsho. Er versteht die Grundlagen der modernen Kunst dieser Zeit und schafft sein erstes Gemälde, das sich hauptsächlich auf die Darstellung von Schauspielern des klassischen japanischen Kabuki-Theaters konzentriert. Nach seinem ersten Erfolg nimmt er ein neues Pseudonym an – Shunro, das ein Wortspiel im Namen seines Lehrers und seines eigenen ist.

Ruhm als unabhängiger Künstler

Vier Jahre später, 1784, erschien der Autor mit seinen ersten Werken, die ohne Eingreifen seines Lehrers veröffentlicht wurden. Die Gemälde des japanischen Künstlers Kasushika Hokusai erfreuen sich in allen Gesellschaftsschichten großer Beliebtheit. Seine Originalität und sein origineller Stil gingen lange Zeit als Enzyklopädie des Lebens der alten Bauern in die Geschichte ein.

Sein Werk umfasste die frühen japanischen Druckstile Yakusha-e und Hoso-e. Zu diesem Zeitpunkt galt er bereits als fleißiger und talentierter Schüler und erhielt gute Empfehlungen von seinem Lehrer. Er beschäftigte sich auch mit der Darstellung verheirateter Paare im Stil von Diptychon und Triptychon. Eines der berühmtesten Modelle von Kasuika-sensei war der junge Schauspieler Itakawa Danjuro. In dieser Schaffensperiode war der Einfluss seines ersten Meisters deutlich sichtbar. Die Werke aus der Frühzeit sind schlecht erhalten und für Bewunderer des Talents des Künstlers von größtem Wert.

In der Zeit von 1795 bis 1796 begannen die ersten Berührungen des Autors zu erscheinen. Zu dieser Zeit erschienen die ersten großen Werke, die berühmte Gebäude, den Berg Fuji und berühmte Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens Japans am Ende des 18. Jahrhunderts darstellten.

Ende der ersten Periode

Neben dem Original beschäftigt sich der Künstler Katsushika Hokusai mit der klassischen Beschäftigung der damaligen Meister – der Buchillustration. Seine Arbeiten sind in den beliebten „Gelben Magazinen“ der Edo-Ära zu sehen, die an die Massen vermarktet wurden. Die Illustrationen sind zu einer echten historischen Quelle geworden, aus der Zeitgenossen etwas über das Leben und die Kultur des 19. Jahrhunderts lernen können.

1792 starb sein Lehrer und Mentor Syunsei, woraufhin die Schule von seinem Nachfolger geleitet wurde. Zu dieser Zeit begann der junge Künstler, die Grundlagen für einen neuen, originellen Stil zu entwickeln. Die Grafiken von Katsushika Hokusai beginnen, Merkmale anzunehmen, die in anderen Schulen verwendet wurden. Aufgrund seiner außergewöhnlichen Originalität und Ablehnung des klassischen Kanons musste der Künstler 1796 aufgrund von Meinungsverschiedenheiten in seiner beruflichen Tätigkeit seinen neuen Lehrer verlassen.

Zweite Periode: Entstehung des „Surimon“-Stils

Das Verlassen der Kunstschule war ein Wendepunkt in den Aktivitäten von Katsushika Hokusai. In dieser Zeit seines Lebens hatte er mit vielen Schwierigkeiten zu kämpfen, die mit Geldmangel zusammenhingen. Der Künstler war im Kleingewerbe tätig, arbeitete als Taxifahrer und verbesserte seine Fähigkeiten ständig. Gleichzeitig nahm er an mehreren Schulen Unterricht, wodurch er seine Fähigkeiten perfektionieren konnte. Er war der erste japanische Künstler, der in seinen Werken eine europäische Perspektive verwendete.

Die Essenz von „Surimon“ liegt in der spezifischen Holzschnittdarstellung und dem Farbspiel. Sie dienten hauptsächlich als Geschenkkarten, wurden aber nur von reichen Feudalherren oder wohlhabenden Bauern gekauft. Die Gemälde könnten alles darstellen, von Alltags- und Familienszenen bis hin zur Demonstration mythischer Geschichten.

In Katsushika Hokusais Werk „Der Traum der Frau des Fischers“ tauchen neue philosophische Ideen auf, die zuvor in den Werken seiner Zeitgenossen nicht verwendet wurden. Nach diesem Gemälde begann der Künstler, auf der Grundlage dieser Geschichte neue Geschichten zu veröffentlichen. „Der Traum der Frau des Fischers“ von Katsushika Hokusai ist ein Prequel zu nachfolgenden Werken dieses Genres. Das Gemälde beeinflusste viele Künstler mehrerer Generationen. Zu diesem Werk gibt es unterschiedliche Interpretationen von Pablo Picasso, Fernand Knopff, Auguste Rodin und anderen berühmten Künstlern.

Dritte Periode: Armut

Auf dem Höhepunkt der Popularität, nach mehreren Dutzend erfolgreichen Werken, zieht sich der Autor zurück und hört tatsächlich auf zu zeichnen. Katsushika Hokusai hörte auf, neue Meister auszubilden und wollte in den Ruhestand gehen. Doch durch einen plötzlichen Brand im Jahr 1839 verliert er sein gesamtes Hab und Gut, darunter mehrere Gemälde, die ihn eigentlich ernähren sollten. Verarmt und vergessen stirbt der Künstler im Alter von 88 Jahren.

Entstehung des weltweit ersten japanischen Mangas

Katsushika Hokusai ist auch als Schöpfer des japanischen Comic-Genres bekannt. Auf dem Höhepunkt seiner Popularität begann er auf Anraten seiner Schüler mit der Arbeit an Skizzensammlungen zur Handlung. Ein weiteres berühmtes Gemälde von Katsushika Hokusai, „Die große Welle vor Kanagawa“, ist eine weitere Skizze aus der Sammlung „Hokusais Zeichnungen“. Alle Ausgaben zeigen interessante Alltagssituationen, Feiertage oder Geschichten aus dem Leben des Autors selbst. Katsushika Hokusais Sammlung „Die große Welle vor Kanagawa“ wurde zum Bestseller und hatte schon damals Kultstatus.

Auswirkungen auf die Kultur

Der berühmte Maler erlangte weit über die Grenzen seines Heimatlandes hinaus Berühmtheit. Sogar während der Schließung Japans begannen Künstler aus aller Welt, über ihn zu sprechen und die Originalität und Originalität des Autors zu bewundern. Dank der Gemälde von Katsushika Hokusai entstanden viele Zweige des Ukiyo-e- und des postmodernen Genres.